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선사 미술 – 동굴벽화와 상징의 시작

유호리아 — Wed, 7 May 2025 07:11:46 +0900

선사 미술 – 동굴벽화와 상징의 시작

사람들이 ‘미술’이라는 단어를 들으면 화려한 궁전 벽화나 유명한 화가의 그림을 떠올리기 쉽지만, 사실 인류의 미술은 우리가 글을 쓰기 훨씬 이전부터 시작되었습니다. 문자도, 문명도 없던 시절. 그러나 사람들은 무언가를 남기고, 기록하고, 표현하고자 했습니다.

이것이 바로 선사 미술의 출발점입니다.

1. 선사 시대란?

선사 시대는 말 그대로 ‘역사 이전의 시대’입니다. 문자가 존재하지 않아 역사 기록이 없었던 시기를 뜻하며, 보통 구석기시대와 신석기시대로 나뉩니다.

구석기시대: 사냥과 채집 중심, 이동 생활, 돌도구 사용
신석기시대: 농경 시작, 정착 생활, 토기 제작

이 시기의 미술은 주로 생존과 신앙을 중심으로 만들어졌습니다. 위대한 자연에 대한 생존과 존경이 나타난 시기입니다.

2. 구석기 미술 – 동굴 속 생명력

가장 유명한 구석기 미술의 예는 프랑스의 라스코(Lascaux) 동굴벽화입니다. 약 17,000년 전 그려진 이 벽화에는 사슴, 들소, 말, 멧돼지 등의 동물들이 생생하게 묘사되어 있습니다.

이 그림들은 단순한 장식이 아니라, 사냥의 성공을 기원하거나, 샤먼적 의식을 행한 흔적으로 해석됩니다. 어두운 동굴 깊숙한 곳에 그려졌다는 점에서, 단지 ‘예쁘게 꾸미기’ 위한 것이 아님을 알 수 있습니다.

화법: 천연 안료(석회, 목탄, 황토 등)를 침이나 손, 뼈 등을 이용해 표현
표현 특징: 사실적 동물 묘사, 윤곽 강조, 겹쳐진 구성
대표 작품: ‘뛰는 황소’, ‘사냥꾼 장면’ (라스코 동굴)

▲ 라스코 동굴벽화 – 인간보다 동물이 더 사실적으로 그려졌습니다.

3. 신석기 미술 – 인간 중심 표현의 시작

신석기로 들어서며 사람들은 농사를 짓고 마을을 형성하며 정착합니다. 이에 따라 미술도 점점 인간 중심의 상징과 장식이 나타나기 시작합니다.

대표적인 예로는 비너스 조각상이 있습니다. 과장된 신체를 가진 여성상이 다산과 풍요의 상징으로 해석되며, 여성의 생명력을 기리는 의미를 담고 있다고 여겨집니다.

대표 조각: 빌렌도르프의 비너스(Venus of Willendorf, 약 2만 5천 년 전)
특징: 얼굴 생략, 가슴·배·엉덩이 강조 → 출산 상징

▲ 빌렌도르프의 비너스 – 풍요, 출산, 생명의 상징

4. 선사 미술이 주는 의미

선사 미술은 단지 원시적인 표현이 아닙니다. 인류가 처음으로 '표현'이라는 행위를 시작한 순간을 보여줍니다.

삶, 죽음, 신비, 믿음을 인간이 어떻게 이미지로 담아냈는지를 보여주는 시작점입니다. 특히 동물 표현의 생생함, 상징의 구조화는 오늘날 미술에도 많은 영감을 줍니다.

무엇보다도 중요한 것은, 이 미술들이 ‘기억’을 남기고자 했다는 것입니다. 누군가가 보고, 이해하고, 공감하길 바랐던 그 마음이 오늘날까지 이어지고 있는 셈이죠. 지금 우리가 보는 미술, 광고, 로고, 이모티콘까지 모두 이 선사시대의 '그림을 통해 표현하고자 한 욕망'에서 시작되었습니다.

5. 다음 편 예고

다음 편에서는 종교 미술의 시작 – 고대 이집트와 중세 이콘을 중심으로, 신앙이 미술을 어떻게 이끌어갔는지를 살펴보겠습니다.

《서양 미술사 확장 시리즈》

곤지암리조트 숙소 & 편의시설 후기 – 자연 속 프리미엄 힐링 공간

유호리아 — Sat, 3 May 2025 09:01:21 +0900

곤지암리조트 숙소 & 편의시설 후기 – 자연 속에서 하루를 쉬다

화담숲에서 자연을 충분히 만끽한 후, 바로 옆에 위치한 곤지암리조트에서 하루를 묵었습니다. 서울에서 멀지 않으면서도 조용하고 공기 좋은 이곳은, 도심에서 벗어나 제대로 휴식하고 싶은 분들에게 정말 좋은 선택지였습니다.

화담숲을 다녀와 내려오면서 얼른 쉬고 싶은 생각뿐이죠.

화담숲 주차장에서 차를 가지고 내려오면 투숙객인 경우 차를 사전 등록하면 주차장에 들어갈 수 있습니다.

곤지암 리조트 앱을 갈면 편리합니다.

1. 체크인 & 첫인상 – 깔끔하고 자연 친화적인 공간

곤지암리조트 로비는 넓고 고급스러운 분위기였습니다. 직원들도 친절하고 체크인 절차가 빠르게 진행되어 편리했습니다. 무엇보다 통창 너머로 보이는 숲과 산의 풍경이 마음을 편안하게 해 주더라고요.

로비에는 카페가 있고 은은한 향이 좋았습니다. 그 향은 기념품 가게에서 팔고 있었습니다.

2. 숙소 내부 – 프라임 객실 후기

이번에 머문 객실은 프라임(Prime) 타입이었어요. 넓고 3인이 머물기에 딱 적당한 구조였고, 전체적으로 모던하고 따뜻한 톤의 인테리어였습니다. 침구는 포근하고 깨끗했고, 거실 겸 테이블 공간이 있어 간단한 식사도 가능했습니다.

화장실은 샤워부스와 세면대, 변기가 각각 다른 공간으로 나누어져 있어 인상적이었고 사용하기도 좋았습니다. 여러 명이라면 같이 사용 가능한 효율적인 구조였습니다.

비치 물품: 생수 2병, 커피포트, 컵, 수건, 욕실 어메니티
뷰 추천: 숲 방향 전망 객실 선택 시 더 조용하고 좋아요. 조용한 곳이라 전망은 상관없이 정하셔도 좋을 듯합니다.

3. 스파 & 사우나 – 피로가 풀리는 웰니스 공간

숙소 체크인 후 가장 먼저 간 곳은 리조트 내 스파였습니다. 따뜻한 물 온도와 조용한 분위기 덕분에 화담숲을 걸은 피로가 풀리는 느낌이었어요. 스파 내에는 샤워 시설과 파우더룸도 청결하게 유지되고 있었습니다.

4. 키즈존 & 가족 편의시설

가족 단위 방문객이 많다 보니, 키즈존과 게임존도 잘 마련되어 있었습니다. 아이들이 실내에서 놀 수 있는 공간이 있어 부모님들도 여유 있게 쉴 수 있어요. 키즈카페 분위기의 작은 공간이 따로 있어 유아 동반 여행에도 좋아 보였습니다.

5. 기타 편의시설 – 카페, 편의점, 라운지

1층에는 넓은 라운지와 커피 바가 있고, 지하에는 GS25 편의점이 있어 간단한 간식이나 생필품 구매가 가능합니다. 라운지 한쪽에는 조용히 책을 읽거나 노트북을 사용할 수 있는 공간도 마련돼 있었어요. 밤에는 창밖으로 숲이 보이며 조명이 켜져 분위기가 정말 좋았습니다.

편의점은 넓고 다양한 물건들이 있습니다. 간식이나 간단한 식사 등도 가능합니다.

6. 아쉬운 점 & 팁

전체적으로 만족스러웠지만, 식당이나 편의점이 좀 멀었습니다. 브런치 카페나 한식 식당은 가격이 높은 편이었습니다. 푸드카페는 스키하우스에 있기 때문에 광장을 걸어가 2층으로 올라가야 있습니다. 푸드 카페의 음식들은 시중보다 약간 비싼 느낌이지만 부담은 크지 않는 수준입니다. 또 치킨, 피자, 핫도그 등 다양한 간식도 있습니다.

7. 여행의 꿀팁

화담숲은 미리 예약을 해야 합니다. 모노레일과 화담채는 시간대 별로 예약해야 이용 가능합니다. 그곳에 가서 예약하려면 자리가 없어 곤란할 수 있습니다.

모노레일은 걷기 힘든 분 외에는 크게 필요하지 않을 것 같습니다.

구석구석 산책하며 꽃과 나무를 즐기는 여행을 하기 위해서는 걷기 추천드립니다.

화담숲 예약 링크

https://board.yanolja.com/event/1080/index.html

[NOL 단독] 2025 화담숲 봄시즌 입장권

2025 화담숲 봄시즌 개장, 오직 NOL에서만 만날 수 있는 화담숲 입장권 구매하시고 자연을 느껴보세요

board.yanolja.com

곤지암 리조트는 카카오예약에서 예약 가능합니다. 상품 중에서 화담숲 입장권을 주는 것도 있습니다. 입장권은 받고 시간 예약은 미리 하셔야 합니다. 매표소에서 시간 예약을 해야 들어갈 수 있는 설명을 했습니다.

《화담숲 & 곤지암리조트 여행기》 시리즈

화담숲 산책기 ③ – 전통담장길부터 수국원, 그리고 숲속 카페에서 마무리

유호리아 — Sat, 3 May 2025 08:34:19 +0900

화담숲 산책기 ③ – 전통담장길부터 수국원, 카페 마무리까지

자연의 깊은 테마 구간을 지나 어느덧 산책도 후반부에 접어들었습니다. 이번 구간은 정갈하고 정적인 느낌의 전통정원부터 다채로운 꽃과 수생식물이 어우러진 구간까지 이어집니다. 마무리는 고즈넉한 숲 속 카페에서의 여유로움으로 마감했어요.

1. 전통 담장길 – 한국적인 아름다움이 깃든 산책로

암석정원을 지나면 자연스럽게 전통 담장길로 이어집니다. 돌담과 흙담이 길게 이어지며, 그 사이를 걷는 느낌은 마치 고택의 정원을 산책하는 듯한 고즈넉함을 줍니다. 길 양옆으로 봄꽃이 피어 있어 담장과 꽃이 어우러지는 풍경이 사진으로도 참 예쁘게 담겼어요.

목련이 피었고 수선화와 프렌치 라벤더 꽃을 보면서 힐링 제대로 했습니다. 특히 전통 무늬의 담장은 정말 분위기가 좋았습니다.

2. 색채원 – 색감 가득한 정원의 향연

담장길 끝에서 만나는 색채원은 이름 그대로 형형색색의 꽃이 펼쳐진 공간입니다. 시기마다 다른 꽃들이 번갈아 피지만, 봄철에는 튤립과 수선화, 비올라 같은 화사한 꽃들이 정원을 가득 채웁니다. 포토존이 많아 방문객들이 자연스럽게 머무는 시간이 길어지는 구간이기도 해요.

3. 수국원 – 수려한 곡선과 푸른 정원의 조화

색채원에서 이어지는 길목에는 수국원이 펼쳐집니다. 수국은 늦봄부터 여름까지 피는 꽃이지만, 이 구간은 햇빛이 좋아 산책 자체가 기분 좋고, 봄철에는 수생식물이나 초록 식생을 즐기기에도 충분했습니다. 초록이 반짝이는 연못과 함께 고요한 분위기가 인상 깊었어요.

아쉽게 수국은 아직 피지않아 작게 잘라서 이파리가 나고 있었습니다.

4. 추억의 정원 & 반딧불이 서식처 – 고요한 마무리 구간

숲의 끝자락으로 향할수록 사람들의 발걸음도 차분해집니다. '추억의 정원'은 옛 장독대, 우물, 평상 등 어릴 적 시골의 정취를 느낄 수 있는 공간이에요. 이어지는 반딧불이 서식처 구간은 보호구역처럼 꾸며져 있어 자연 생태의 소중함도 느낄 수 있었습니다.

5. 번지없는 주막 & 카페 – 숲 속 마무리 쉼터

산책의 마지막 구간에는 ‘번지없는 주막’이라는 재미있는 이름의 쉼터가 있습니다. 나무 벤치에 앉아 시원한 음료를 마시며 숲을 바라볼 수 있는 이 카페는 화담숲 산책을 여유롭게 마무리하기에 완벽한 장소였습니다. 커피와 유자차 모두 맛이 좋았고, 조용한 분위기도 만족스러웠어요.

책의 마지막 번지없는 주막에서 산채 비빔밥을 먹었습니다. 10시 40분에 입장하여 끝나니 1시 정도 되었습니다. 배가 고파서 비빔밥을 먹었는데 여러 명이 왔다면 해물파전과 막걸리 같은 주막다운 음식도 드실 수 있습니다.

그리고 카페에는 기념품을 팔았고 카페에는 커피와 차, 미숫가루를 드실 수 있습니다. 특히 꽈배기 강추합니다. 제일 기억에 남는 먹거리였습니다.

중요 포인트 : 꽈배기와 미숫가루

6. 다음 편 예고

이제 곤지암리조트로 이동합니다. 다음 편에서는 숙소, 편의 시설 등을 중심으로 화담숲 이후의 하루를 소개할게요.

《화담숲 & 곤지암리조트 여행기》 시리즈

화담숲 산책기 ② – 양치식물원부터 암석정원까지, 숲속 깊은 길을 걷다

유호리아 — Sat, 3 May 2025 08:08:28 +0900

화담숲 산책기 ② – 양치식물원부터 암석·하경정원까지

이전 편에서는 자연생태관부터 자작나무 숲까지 봄빛이 가득한 초입 구간을 다녀봤습니다. 이번에는 숲의 더 깊은 구역으로 걸어가며, 화담숲의 테마정원을 본격적으로 만나는 여정을 소개합니다.

1. 양치식물원 – 고요하고 촉촉한 녹음의 세계

자작나무 숲을 지나면 양치식물원 구간이 시작됩니다. 다양한 고사리과 식물이 모여 있어 마치 공룡 시대의 숲을 걷는 듯한 기분이 들었어요. 바닥과 언덕을 따라 촘촘히 펼쳐진 양치류 식물들은 잎의 모양도 제각각이라 한참을 머물게 됩니다.

관람 팁: 그늘이 많은 구역이라 여름에도 시원하게 산책 가능합니다.

양치식물원 쪽에는 모노레일 2 탐승장이 있습니다. 여기까지 모노레일을 이용하는 경우가 많습니다. 중간에 작은 새들을 조형물로 만들어 놓은 곳들이 있습니다.

찾는 것도 즐거운 포인트입니다.

2. 전망대 – 숲 너머를 내다보는 쉼터

양양치식물원을 지나면 전망대 쉼터가 나타납니다. 벤치에 앉아 숲을 내려다볼 수 있는 이곳은 잠시 휴식을 취하기에 딱 좋은 장소예요. 멀리 보이는 화담숲의 초록 능선과, 뒤편의 산맥이 어우러져 사진 찍기에도 좋습니다.

3. 소나무 정원 – 바람결 따라 솔향이 스며드는 길

전망대 아래쪽 길을 따라 내려오면 소나무 정원이 이어집니다. 키가 큰 소나무들이 곧게 솟아 있는 이 길은 나무 사이로 부는 바람소리와 솔향이 인상적이었습니다. 봄의 정취를 느끼며 걷는 느낌도 좋았고, 피톤치드를 느끼며 힐링하는 기분이었어요.

비싼 소나무와 형태가 신기한 소나무들이 많아 사람들의 이목을 끌었습니다. 자연적으로 신기한 형태를 한 소나무와 사람의 손을 타서 수형을 다듬어 소나무를 보는 것도 좋습니다.

4. 분재원 – 정제된 자연의 아름다움

소나무길 끝에서 우회전하면 분재원이 등장합니다. 작게 다듬어진 나무들이 정갈하게 전시되어 있고, 각각의 분재마다 이름표가 있어 자세히 관찰할 수 있어요. 잎과 가지, 뿌리까지 예술적으로 다듬어진 분재들을 보며 작지만 깊은 자연의 미를 느낄 수 있었습니다.

LG 회장님이 직접 수집한 분재라고 하니 더 관심이 갔어요.

5. 암석·하경정원 – 돌과 꽃, 물이 어우러진 공간

분재원을 지나면 암석정원과 하경정원이 이어집니다. 다양한 모양의 바위들 사이로 꽃과 풀이 자라며, 작은 인공폭포와 연못도 함께 있어 고요한 분위기를 더합니다. 봄에는 튤립, 수선화 등 색감 있는 꽃들이 돌 틈 사이를 채워주어 사진이 아주 잘 나오는 구간이에요.

추천 포인트: 암석 위로 핀 야생화 + 물줄기 배경으로 사진 찍기

6. 다음 편 예고

이제 화담숲 산책도 후반을 향해갑니다. 다음 편에서는 전통 담장길부터 수국원, 반딧불이 서식처, 그리고 숲 속 카페에서의 여유까지 마무리 구간을 소개해드릴게요.

《화담숲 & 곤지암리조트 여행기》 시리즈

화담숲 산책기 ① – 입장부터 자작나무 숲까지, 봄을 걷다

유호리아 — Sat, 3 May 2025 07:49:07 +0900

화담숲 산책기 ① – 입장부터 자작나무 숲까지

도심에서 벗어나 자연의 숨결을 느끼고 싶을 때, 화담숲은 그에 가장 잘 어울리는 공간입니다. 이번 여행은 따뜻한 봄 햇살이 가득한 날, 나만의 시간을 보내기 위해 화담숲을 찾아 여유로운 숲 산책을 즐긴 기록입니다.

1. 매표소 & 화담채 – 숲 속 여행의 시작

주차를 마치고 터널 모양의 오르막을 올라 입구에 들어서면 가장 먼저 만나는 공간은 '화담채'입니다. 한옥 형태의 이 건물에서는 간단한 식사와 음료도 이용할 수 있고, 그 옆에는 매표소가 있어 사전 예약 여부를 확인하고 입장권을 받습니다. 입구부터 잘 정돈된 길과 안내 표지판들이 방문객을 맞이합니다.

화담채는 매표소 뒤에 있는데 이곳을 먼저 보고 관람이 끝나면 자연스럽게 화담숲 안으로 들어갈 수 있는 구조입니다. 그러니 먼저 보시길 바랍니다.

중요 포인트: 매표소 근처에서 스탬프를 찍을 수 있는 팸플릿 꼭 챙기세요. 다 찍으면 예쁜 기념품을 줍니다. 팸플릿 당 1개이니 아이가 2명이라면 2개 챙기세요.

화담채

2. 자연생태관 – 아이들과 함께 즐기는 첫 구간

입장하자마자 왼편에 위치한 자연생태관은 아이들과 함께 방문하기 좋은 공간입니다. 잉어가 헤엄치는 연못과 오리 조형물이 있는 물가, 작은 동물들의 서식 환경을 모사한 전시물이 있어 교육적인 요소도 함께 느낄 수 있었습니다.

이곳의 안에 있는 물고기와 자세한 설명을 보며 들어가다 보면 물고기를 세밀하게 그린 전시가 있습니다. 조광현 화백님의 작품인데 너무 멋졌어요.

3. 이끼원 – 초록이 숨쉬는 고요한 공간

산책로를 따라 걷다 보면 화담숲에서 가장 유명한 이끼원 구간이 나옵니다. 부드러운 이끼가 깔린 돌길과 작은 물줄기가 어우러져 마치 일본 정원을 연상케 하는 고요한 분위기가 인상적입니다. 촉촉한 공기와 녹음이 가득한 이끼원은 걸을수록 마음이 편안해졌어요.

약간 오르막이지만 천천히 올라가면 다리가 나옵니다. 바로 옆에 모노레인 모노레인 1 승강장이 있어요. 모노레일을 꼭 탈 필요는 없다고 생각해요. 걸으며 모든 곳을 다 가볼 수 있기 때문입니다,

포토 포인트: 물 안개 피어오르는 돌계단, 작은 아치형 다리
관람 팁: 오전 이른 시간에 방문하면 햇살이 이끼 위에 반사되어 더 아름답습니다.

4. 철쭉·진달래길 – 봄빛이 흐르는 언덕

이끼원을 지나면 철쭉과 진달래가 흐드러지게 피어 있는 언덕길이 이어집니다. 계단형 산책로 양쪽에 연분홍, 진분홍빛 꽃들이 가득 피어 있어 사진을 찍는 사람들이 많았습니다. 언덕을 오르며 뒤를 돌아보면, 내려다보이는 이끼원과 숲 전체의 풍경이 한눈에 들어와 감탄이 절로 나옵니다.

5. 탐매원 – 향기 가득한 매화의 정원

봄이 절정을 향해갈 무렵이면, 탐매원에서는 매화꽃의 은은한 향기가 바람을 타고 퍼집니다. 다양한 품종의 매화가 모여 있어 꽃의 색과 형태를 비교할 수 있습니다. 매화는 개화 시기가 비교적 짧기 때문에 시기를 잘 맞추면 더욱 풍성한 장면을 만날 수 있어요.

6. 자작나무 숲 – 화사함과 고요함이 공존하는 길

이날 산책의 첫 구간 마지막은 자작나무 숲이었습니다. 하얀 수피의 나무들이 곧게 솟아 있는 이 길은, 봄빛이 스며든 연둣빛 나뭇잎, 수선화, 이름 모를 꽃들이 어우러져 사진 찍기에 완벽한 장소였습니다. 걸음을 멈추고 나무 사이를 바라보면 숲의 고요함 속에서 자연과 하나 되는 기분을 느낄 수 있었어요.

화담숲 자작나무

7. 다음 편 예고

이제 숲의 더 깊은 구간으로 향합니다. 다음 편에서는 양치식물원, 소나무정원, 분재원, 암석·하경정원의 조용하고 테마 있는 공간들을 소개해드릴게요.

《화담숲 & 곤지암리조트 여행기》 시리즈

서양 미술사 한눈에 보기 (2편) – 르네상스부터 현대 미술까지

유호리아 — Thu, 1 May 2025 16:54:43 +0900

서양 미술사 개요 (2편)

르네상스부터 현대 미술까지, 서양 미술은 끊임없는 변화를 거듭해 왔습니다. 이번 포스팅에서는 인간 중심 사고의 부활부터 현대 디지털 아트까지, 주요 사조와 특징을 차근차근 살펴보겠습니다.

1. 르네상스 미술 (14C 후반 ~ 16C)

르네상스는 '재탄생'이라는 뜻으로, 고대 그리스와 로마의 문화와 인간 중심 사고를 부활시킨 시기입니다. 인체의 사실적 표현, 원근법의 확립, 고전적 조화를 추구했습니다.
르네상스 시대의 미술은 인간을 이상화하지 않으면서도 조화롭게 표현하려는 노력이 두드러졌습니다. 이 시기에는 과학과 예술이 긴밀하게 연결되어, 천문학·해부학·수학의 지식이 미술 표현에 반영되었습니다. 예술가들은 단순한 장인에서 벗어나 ‘창조적인 지식인’으로서의 위상을 가지기 시작했습니다.

대표 작가: 레오나르도 다 빈치, 미켈란젤로, 라파엘로

출처: 위키미디어

Chat GPT가 그려준 최후의 만찬

대표작: 최후의 만찬 (The Last Supper, 1495~1498)
작가: 레오나르도 다 빈치
장소: 이탈리아 밀라노, 산타 마리아 델레 그라치에 수도원 식당 벽화

특징: 예수와 12제자의 마지막 식사를 주제로 한 장면

원근법을 정교하게 사용해 시선이 자연스럽게 예수에게 집중되도록 구성됨

인물들의 감정과 제스처를 섬세하게 묘사하여, 인간 중심 사고와 심리 표현을 탁월하게 보여줌

2. 바로크와 로코코 미술 (17C ~ 18C 중반)

바로크 미술

바로크는 극적인 빛과 어둠의 대비, 동적 표현이 특징입니다. 종교적 감동과 정치적 권위를 강조했습니다.

화면 구성은 대각선 구도와 극적인 포즈를 통해 시선을 유도하며 강한 긴장감을 형성합니다. 관람자의 감정을 자극하는 드라마틱한 장면 연출이 바로크 미술의 핵심입니다.

대표 작가: 카라바조, 루벤스

대표작: 카라바조의 성 마태오의 소명 (1599~1600)
장소: 이탈리아 로마, 산 루이지 데이 프란체시 성당

특징: 어두운 방 안으로 들어오는 한 줄기 빛이 예수의 손을 통해 마태오를 가리킵니다.

빛과 어둠의 강한 대비(키아로스쿠로 기법)를 통해 종교적 순간의 극적 긴장감을 강조합니다.

인물들은 일반 시민처럼 묘사되어 신성함과 현실감이 공존하는 독특한 분위기를 만들어냅니다.

로코코 미술

로코코는 경쾌하고 장식적인 스타일로, 사랑과 유희를 주제로 밝은 색채를 사용했습니다.

복잡한 곡선과 섬세한 장식, 파스텔 톤의 색감이 어우러져 우아하고 가벼운 분위기를 자아냅니다. 주로 귀족의 일상과 연애, 목가적인 풍경을 주제로 하여 현실보다는 이상화된 즐거움을 표현했습니다.

대표 작가: 프라고나르, 바토

3. 근대 미술의 시작 (18C 말 ~ 19C 중반)

신고전주의

고대 그리스·로마 미술을 모범으로 삼아 절제와 이성, 균형을 강조했습니다.

대표 작가: 다비드

낭만주의

개인적 감정과 자연의 숭고함을 강조했습니다.

대표 작가: 들라크루아

사실주의

이상화된 표현을 거부하고, 서민과 노동자의 현실을 진지하게 묘사했습니다.

대표 작가: 쿠르베

4. 인상주의와 그 이후 (19C 후반)

인상주의

순간의 빛과 색채 변화를 포착하여 자연의 순간을 그렸습니다.

대표 작가: 모네, 르누아르

후기 인상주의

개인적 감정, 상징성, 형태의 구조를 강조했습니다.

대표 작가: 반 고흐, 고갱, 세잔

5. 현대 미술의 등장 (20C ~)

초기 현대 미술

전통적 재현 방식을 해체하고, 입체주의, 표현주의, 초현실주의 등 다양한 실험을 시도했습니다.

대표 작가: 피카소, 뭉크, 달리

현대 이후 미술

팝아트, 미니멀리즘, 디지털 아트 등 다양한 장르로 확장되었습니다.

요약 및 마무리

르네상스에서 현대미술까지, 서양 미술은 시대의 가치관과 사상에 따라 끊임없이 진화해 왔습니다. 다음 시리즈에서는 각 시대를 더 깊이 있게 탐구해 보겠습니다!

《미술사 한눈에 보기》 시리즈

서양 미술사 한눈에 보기 (1편) – 선사시대부터 중세 미술까지

유호리아 — Mon, 28 Apr 2025 09:19:14 +0900

서양 미술사 개요 (1편)

서양 미술사는 시대별로 다양한 변화를 겪어왔습니다. 이번 포스팅에서는 선사시대부터 중세까지의 주요 특징을 살펴보겠습니다.

1. 선사시대 미술

선사시대 미술은 벽화와 조각으로 대표됩니다. 대표적인 예로 프랑스 라스코 동굴벽화가 있습니다. 인간은 자연과 생존을 주제로 그림을 그렸습니다.

2. 고대 미술

고대 미술은 이집트, 메소포타미아, 그리스, 로마 문명 중심으로 발전했습니다. 이집트 미술은 영원을 강조했고, 그리스 미술은 인간의 이상적인 형태를 표현했습니다. 피라미드와 스핑크스를 볼 수 있고 그리스 신화가 바탕이 되었습니다.

3. 중세 미술

중세 미술은 종교와 깊은 관련이 있습니다. 비잔틴 미술, 로마네스크 미술, 고딕 미술로 구분할 수 있으며, 특히 교회 건축과 성화가 중요한 역할을 했습니다.

비잔틴 미술: 비잔틴 미술은 로마 제국이 동서로 분열된 이후, 동로마 제국(비잔틴 제국)에서 꽃 피운 미술입니다.

4세기경부터 15세기 오스만 제국에 의해 콘스탄티노플이 함락되기까지 이어졌습니다.

비잔틴 미술의 가장 큰 특징은 종교적 엄숙함과 상징성입니다

로마네스크 미술: 로마네스크 미술은 10세기부터 12세기까지 서유럽에서 발전한 미술 양식입니다.

'로마네스크'란 말은 '로마풍의'라는 뜻으로, 고대 로마의 양식을 계승한 형태를 의미합니다.

로마네스크 미술의 특징은 견고함과 종교적 상징성입니다.

고딕 미술: 고딕 미술은 12세기 중반부터 15세기까지 서유럽을 중심으로 발전한 미술 양식입니다.

'고딕'이라는 이름은 르네상스 시대 사람들이 '야만족 고트족'에 빗대어 붙인 경멸적 표현이었지만,

오늘날에는 서양 중세 후기에 가장 화려하고 정교한 예술양식으로 평가받습니다.

고딕 미술의 특징은 수직성, 빛의 상징성, 풍부한 장식성입니다.

요약

선사시대부터 중세까지의 미술은 시대적 필요와 가치관을 반영하며 발전해 왔습니다. 다음 포스팅에서는 르네상스부터 현대미술까지의 흐름을 이어서 살펴보겠습니다.

《미술사 한눈에 보기》 시리즈

바로크 시대 미술, 렘브란트의 야경, 요하네스 베르메르의 진주 귀걸이를 한 소녀

유호리아 — Fri, 20 Dec 2024 07:00:30 +0900

❤️바로크 시대 미술

- 바로크 시대 미술의 특징

바로크 시대와 바로크 스타일은 17세기를 중심으로 유럽에서 발전한 예술 양식으로, 다음과 같은 특징을 가지고 있습니다:

바로크 시대 미술의 시대적 배경

17세기 유럽의 사회·문화적 환경 변화가 큰 영향을 미쳤고 청교도 혁명과 계몽주의 등의 영향으로 르네상스 시대와는 다른 양식 발전했습니다.

시대적 범위는 16세기말부터 18세기 초까지 유럽에서 발전한 예술 양식입니다.

사회·문화적 배경

종교적 영향: 가톨릭 교회의 영향력 증대, 종교 개혁에 대한 반동으로 가톨릭 교회의 권위를 강조하는 예술 작품 증가

정치적 변화: 절대왕정의 발달, 귀족 계급의 후원으로 화려하고 웅장한 예술 작품 제작

철학적 사조: 르네상스의 인본주의에서 벗어나 더욱 감성적이고 역동적인 표현 추구, 계몽주의의 영향으로 이성과 감성의 조화 모색

❤️ 바로크 시대 미술의 예술적 특징

1. 극적인 표현

강렬한 대비와 역동적인 구도를 통해 극적인 효과 추구
감정의 표현을 중시하며 관객의 감성에 호소

2. 화려함과 장식성

풍부한 색채와 복잡한 장식을 사용
웅장하고 화려한 분위기 연출

카라바조의 " 성 마태오의 소명 "

3. 빛과 그림자의 대비

키아로스쿠로(명암대비) 기법을 통해 깊이감과 입체감 강조
빛을 통한 극적인 효과 창출

* 키아로스쿠로(Chiaroscuro)는 이탈리아어로 '밝음'(chiaro)과 '어두움'(oscuro)을 의미하는 단어의 조합으로, 미술에서 빛과 그림자의 강렬한 대비를 통해 극적인 효과를 만들어내는 기법, 카라바조의 "성 마태오의 소명", 렘브란트의 "야경" 조르주 드 라 투르의 "성 요셉의 꿈", 베르메르의 "진주 귀걸이를 한 소녀" 등

4. 역동성과 운동감

인물이나 사물의 동적인 포즈와 구도를 통해 생동감 표현
곡선의 사용으로 유동적이고 활기찬 느낌 전달

5. 종교적 주제의 강조

가톨릭 교회의 영향으로 종교적 주제의 작품이 많이 제작됨
성인들의 삶과 순교를 극적으로 묘사

바로크 시대의 예술은 당시의 사회적, 종교적 변화를 반영하며 감성적이고 역동적인 표현을 통해 관객에게 강렬한 인상을 남기는 것을 목표로 했습니다. 이러한 특징은 회화, 조각, 건축, 음악 등 다양한 예술 분야에서 나타났으며, 오늘날까지도 바로크 예술의 영향력은 지속되고 있습니다.

❤️ 바로크 시대 미술의 대표적인 화가와 작품

바로크 시대의 대표적인 화가인 렘브란트와 베르메르

바로크 시대의 대표적인 화가인 렘브란트와 베르메르의 작품은 17세기 네덜란드 미술의 정수를 보여줍니다. 이 두 화가의 대표작과 특징을 자세히 살펴보겠습니다.

렘브란트 반 레인

" 야경 "(The Night Watch) 은 렘브란트

대표작: "야경"

"야경"(The Night Watch)은 렘브란트의 가장 유명한 작품 중 하나입니다. 이 그림의 정식 제목은 "프란스 바닝 코크 대위의 민병대 출정"입니다.

크기: 363 x 437 cm의 대형 그룹 초상화

제작 연도: 1642년

특징:

극적인 명암대비(키아로스쿠로)를 사용하여 인물들의 움직임과 긴장감을 강조

중앙의 밝은 부분과 주변의 어두운 부분의 대비가 뚜렷함

인물들의 동적인 포즈와 표정을 통해 생동감 있는 장면 연출

복잡한 구도와 다양한 인물 배치로 깊이감과 입체감 표현

대표작: "자화상" 시리즈

렘브란트는 생애 동안 약 100점의 자화상을 그렸습니다. 이 시리즈는 그의 예술적 성장과 개인적 성찰을 보여줍니다.

특징:

다양한 표정과 포즈를 통해 자신의 내면 탐구

나이가 들어감에 따른 얼굴의 변화를 섬세하게 포착

빛과 그림자의 대비를 통해 감정의 깊이 표현

두꺼운 물감 사용으로 질감과 입체감 강조

렘브란트의 주요 기법:

키아로스쿠로(명암대비): 극적인 빛과 그림자의 대비로 분위기 조성

임파스토(impasto): 두껍게 물감을 바르는 기법으로 질감 표현

심리적 표현: 인물의 내면을 섬세하게 포착하여 표현

요하네스 베르메르

대표작: "진주 귀걸이를 한 소녀"

베르메르의 가장 유명한 작품으로, "북구의 모나리자"라고도 불립니다.

크기: 44.5 x 39 cm의 소형 초상화

제작 연도: 약 1665년

특징:

소녀의 신비로운 표정과 시선이 관객을 끌어들임
푸른 터번과 진주 귀걸이의 대비가 인상적
부드러운 빛의 처리로 소녀의 얼굴과 진주의 광택을 섬세하게 표현
단순하면서도 세련된 구도로 소녀에게 시선 집중

대표작: "우유를 따르는 여인"

일상적인 장면을 아름답게 포착한 베르메르의 대표작입니다.

제작 연도: 약 1658년

특징:

창문에서 들어오는 부드러운 빛이 장면을 밝게 비춤
우유를 따르는 여인의 동작을 정교하게 포착
정물화적 요소와 인물화의 조화
제한된 색채 사용으로 차분하고 조화로운 분위기 연출
베르메르의 주요 기법:
카메라 옵스큐라 사용 추정: 정확한 원근법과 빛의 표현
점묘법: 미세한 점들로 색채와 질감 표현
제한된 팔레트: 주로 청색, 황색, 적색 계열의 색상 사용

베르메르는 델프트라는 작은 네덜란드 도시에서 활동했으며, 그의 작품은 이 도시의 일상적인 모습을 아름답게 포착하고 있습니다.

이 두 화가의 작품을 비교하면, 렘브란트는 극적이고 역동적인 표현을, 베르메르는 고요하고 섬세한 일상의 순간을 포착하는 데 주력했음을 알 수 있습니다. 두 화가 모두 빛의 사용에 탁월했지만, 그 접근 방식은 매우 달랐습니다. 이러한 차이점과 각자의 독특한 기법을 이해하는 것이 바로크 미술을 공부하는 데 중요한 포인트가 될 것입니다.

초등입학준비책, 똑 부러지게 핵심만 담은 1학년 학교생활을 읽고

유호리아 — Thu, 19 Dec 2024 00:22:05 +0900

삐약삐약 병아리 같은 1학년 신입생들이 취학통지서를 받고 예비 소집에 가기만 기다리고 있을 부모님들을 생각해 봅니다.

나도 진짜 그럴 때가 있었나 그렇게 생각이 드는데 행복했던 기억이 떠오르네요.

우리 아이의 새로운 여정, 1학년 입학

봄바람이 살랑이는 3월, 우리 아이의 작은 손을 잡고 학교 정문을 향해 걸어갑니다. 어느새 이렇게 자랐나 싶어 가슴이 벅차오릅니다. 엊그제 같던 첫 돌이, 유치원 입학이 모두 지나가고 이제 초등학교 1학년이 됩니다.

아이의 성장을 인정하며

유치원을 다니던 때만 해도 '아직 어리다'고만 생각했는데, 어느새 책가방을 메고 씩씩하게 걸어가는 모습을 보니 마음 한편이 아릿합니다. 그동안 우리 아이가 얼마나 많이 자랐는지, 이제는 얼마나 많은 것들을 스스로 할 수 있는지 새삼 깨닫게 됩니다.

아이의 눈빛에서 설렘과 두려움이 교차하는 것을 봅니다. 새로운 환경, 새로운 친구들, 그리고 선생님과의 만남. 모든 것이 낯설고 어색할 테지만, 이 또한 우리 아이가 성장하는 과정임을 알기에 응원의 마음을 전해야 합니다.

조금은 떠나보내는 마음으로

"엄마, 이제 혼자 할 수 있어요." 아이의 말에 가슴이 먹먹해집니다. 지금까지 늘 곁에서 지켜보며 보살펴 왔는데, 이제는 조금씩 아이를 놓아주어야 할 때가 왔나 봅니다. 아이가 스스로 할 수 있는 일들을 인정하고, 때로는 실수하고 넘어지더라도 스스로 일어설 수 있도록 기다려주는 것도 부모의 역할임을 되새깁니다.

학교와 교사를 신뢰하며

학교라는 새로운 공간에서 우리 아이가 어떻게 지낼지 걱정되기도 합니다. 하지만 전문성을 갖춘 선생님들께서 아이들의 성장을 위해 최선을 다해주실 것임을 믿는 것이 좋습니다. 교사와 부모가 서로 신뢰하고 협력할 때, 아이들은 더욱 건강하게 자랄 수 있을 것입니다.

함께 성장하는 시간

1학년, 이제 막 시작된 우리 아이의 학교생활. 때로는 힘들고 어려운 순간도 있겠지만, 그 모든 과정이 아이에게는 소중한 경험이 될 것입니다. 아이의 작은 성취에 함께 기뻐하고, 실패했을 때는 위로와 격려를 아끼지 않아야 합니다.

우리 아이가 학교에서 배우는 것은 단순히 지식만이 아닙니다. 친구들과 어울리며 사회성을 기르고, 다양한 활동을 통해 자신의 재능을 발견하며, 때로는 어려움을 극복하면서 내적 성장을 이루어 갈 것입니다.

그럼 입학을 앞둔 학부모가 제일 궁금한 것은 무엇일까요?

학교 적응

질문: 아이가 학교생활에 잘 적응할 수 있을까요?

답: 대부분의 아이들은 시간이 지나면서 자연스럽게 적응합니다. 긍정적인 태도로 격려해주고, 학교에 대해 즐거운 이야기를 나누세요. 적응 기간 동안 인내심을 가지고 지켜봐 주는 것이 중요합니다.

질문: 친구들과 잘 어울릴 수 있을까요?

답: 사회성은 시간을 두고 발전합니다. 집에서 역할놀이를 통해 친구 사귀는 방법을 연습하고, 학교 밖에서도 또래 모임에 참여할 기회를 만들어주세요. 아이의 성격을 존중하면서 천천히 친구 관계를 만들어갈 수 있도록 지원해 주세요..

질문: 선생님과의 관계는 어떻게 형성해야 할까요?

답: 선생님을 존경하고 신뢰하는 태도를 보여주세요. 학부모 상담이나 학교 행사에 적극적으로 참여하여 선생님과 소통하세요. 아이에게도 선생님의 말씀을 잘 듣고 예의 바르게 대하도록 가르쳐주세요. 선생님에 대한 비판은 속으로만 하고 아이 앞에서 하지 마세요. 아이가 선생님을 믿지 못하면 학교에서 선생님과 마찰이 일어날 가능성이 높습니다.

학습 준비

질문: 입학 전에 어떤 준비를 해야 하나요?

답: 기본적인 생활 습관을 익히고, 학교 가는 길을 함께 걸어보며 익숙해지게 하세요. 책 읽기, 그림 그리기, 가위질 등 소근육 활동을 장려하고, 규칙적인 일과를 만들어 주세요. 왼손을 주로 사용한다면 왼 가위를 사 주세요. 종이접기도 같이 해 주세요.

질문: 한글과 기초 수학은 어느 정도 알아야 하나요?

답: 기본적인 한글 읽기와 쓰기, 1부터 20까지의 숫자 인식 정도면 충분합니다. 과도한 선행학습보다는 흥미와 호기심을 키우는 것이 더 중요합니다. 수학을 못한다는 말은 절대로 하지 마세요. 처음부터 기가 죽습니다.

질문: 학용품은 무엇을 준비해야 하나요?

답: 학교에서 제공하는 준비물 목록을 확인하세요. 일반적으로 필통, 연필, 지우개, 색연필, 공책, 가위, 풀 등이 필요합니다. 아이와 함께 준비물을 고르며 입학에 대한 기대감을 높여주세요.

생활 습관

질문: 규칙적인 생활 습관을 어떻게 만들어야 할까요?

답: 일정한 시간에 자고 일어나는 습관을 들이고, 식사 시간도 규칙적으로 정해주세요. TV나 스마트폰 사용 시간을 제한하고, 숙제나 독서 시간을 정해 규칙적으로 생활하도록 도와주세요.

질문: 아침에 일찍 일어나는 습관을 어떻게 들일 수 있을까요?

답: 점진적으로 취침 시간과 기상 시간을 앞당기세요. 밝은 조명을 이용해 아침 활동을 촉진하고, 아침 루틴을 만들어 즐겁게 시작할 수 있도록 해주세요. 주말에도 비슷한 시간에 일어나는 것이 좋습니다.

안전과 건강

질문: 학교에서의 안전은 어떻게 관리되나요?

답: 학교는 안전 교육과 훈련을 정기적으로 실시하며, CCTV 설치, 교내 순찰 등을 통해 안전을 관리합니다. 학부모님도 아이에게 기본적인 안전 수칙을 가르치고, 학교의 안전 정책을 숙지하는 것이 좋습니다.

질문: 급식은 어떻게 이루어지나요?

답: 대부분의 초등학교는 영양사가 관리하는 급식을 제공합니다. 월간 식단표를 확인할 수 있으며, 알레르기 등 특별한 식이 요구사항이 있다면 학교에 미리 알려주세요.

질문: 아픈 경우 어떻게 대처해야 하나요?

답: 학교에는 보건실이 있어 간단한 처치가 가능합니다. 심각한 경우 학부모에게 연락을 취합니다. 평소 아이의 건강 상태나 복용 중인 약이 있다면 담임 선생님과 보건 교사에게 알려주세요.

부모의 역할

질문: 학부모로서 어떤 역할을 해야 하나요?

답: 아이의 학교생활에 관심을 가지고 경청해 주세요.. 학교 행사에 참여하고, 숙제를 챙기되 과도한 간섭은 피하세요. 아이의 자율성을 존중하면서 필요할 때 도움을 주는 조력자 역할을 하세요.

질문: 학교와의 소통은 어떻게 해야 하나요?

답: 학교 알림장, 학급 통신문, 학교 홈페이지를 정기적으로 확인하세요. 학부모 상담이나 학교 행사에 적극적으로 참여하고, 필요시 담임 선생님과 소통하세요.

질문: 숙제나 학습 지도는 어떻게 해야 할까요?

답: 정해진 시간에 숙제를 할 수 있도록 환경을 조성해 주세요.. 직접 가르치기보다는 스스로 할 수 있도록 격려하고, 어려워하는 부분이 있다면 함께 해결방법을 찾아보세요.

방과 후 활동

질문: 방과 후 프로그램은 어떤 것들이 있나요?

답: 학교마다 다양한 프로그램을 제공합니다. 일반적으로 예체능, 외국어, 과학 등의 수업이 있으며, 학기 초에 안내를 받을 수 있습니다. 아이의 흥미와 재능을 고려하여 선택하세요.

질문: 학원이나 과외 활동은 필요한가요?

답: 1학년 때는 과도한 학습보다 충분한 놀이와 휴식이 중요합니다. 꼭 필요하다고 판단되는 경우에만 선별적으로 참여하되, 아이의 흥미와 적성을 고려하세요.

특수한 상황

질문: ADHD나 학습 장애가 의심될 경우 어떻게 해야 하나요?

답: 전문가의 상담과 진단을 받아보세요. 조기 발견과 적절한 대응이 중요합니다. 진단 결과를 학교와 공유하여 적절한 지원을 받을 수 있도록 하세요. 선생님과 충분한 이야기를 나누어야 합니다. 비밀로 만들어서 도움 될 일은 없습니다. 선생님은 같은 편입니다.

질문: 왕따나 학교폭력이 걱정됩니다. 어떻게 대비해야 할까요?

답: 평소 아이와 솔직한 대화를 나누고, 자존감을 높여주세요. 문제 발생 시 즉시 담임 선생님이나 학교에 알리고 협조를 구하세요. 학교의 폭력 예방 정책을 숙지하고, 필요시 전문가의 도움을 받으세요.

위의 모든 이야기가 궁금하시고 더 많은 정보가 필요하시다면

이 책을 권해 드립니다.

입학 준비책으로 최근에 나온 신간입니다.

읽어보니 1학년 입학을 준비 중인 학부모들이 읽으면 도움이 됩니다.

대부분 입학 초기에만 읽고 말 책이지만 이 책은 1학년 내내 읽으면 도움 되는 이야기들이 많았습니다.

33년 교육경력을 가진 선생님이고 11년이나 1학년을 담임했다고 하니 전문가라고 봐야 하겠죠.

<똑 부러지게 핵심만 담은 1학년 학교생활> 권해 드립니다.

똑 부러지게 핵심만 담은 초등 1학년 학교생활

잘 생활할 수 있을까? 선생님 말씀을 잘 들을까? 급식은 잘 먹을까? 친구는 잘 사귈까? 혹시 왕따를 당하는 것은 아닐까? 어떻게 해줘야 아이가 학교를 잘 다닐 수 있을까? 수만 가지 물음표가 꼬리에 꼬리를 문다. 『똑 부러지게 핵심만 담은 초등 1학년 학교생활』은 이렇게 불안하고 답답한 부모의 마음을 해결할 방법을 가득 담았다. 저자는 33년 차 초등학교 현직 교사다. 게다가 1학년만 11년을 맡은 1학년 전문 교사다. 초등 1학년은 사회로 향한 진정

저자: 김효신

출판: 더블북

출판일: 2024.11.28

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입학을 앞둔 모든 부모님들께 말씀드리고 싶습니다. 우리 아이들을 믿고 응원해 주세요.그들의 무한한 가능성을 믿으며, 때로는 한 걸음 물러서서 지켜봐 주는 것도 필요합니다. 아이들은 우리의 상상 이상으로 훌륭하게 성장해 나갈 것입니다.

오늘, 우리 아이의 새로운 시작을 축하하며 앞으로의 여정을 응원합니다. 1학년, 당신의 아이에게도, 당신에게도 특별한 한 해가 되기를 진심으로 바랍니다

제주도 봄 골프 여행

유호리아 — Sun, 9 Apr 2023 20:53:23 +0900

제주도 여행 1일 차 김포공항과 서귀포 칼 호텔, 오돈가

얼마 전에 제주도로 2박 3일 동안 여행을 다녀왔어요.

10년 만에 처음 간 여행이었는데 골프 초보가 처음 다녀온 골프 여행이었어요.

골린이 입장에서 얼마나 설레고 기대되었는지 몰라요.

제가 다녀온 코스를 소개해 드리겠습니다.

김포 공항 키오스크와 비행기 모습

금요일 저녁 4시 40분 비행기를 타기 위해 김포 공항에 도착했어요.

김포 공항에 있는 키오스크를 활용해서 체크 인하고 짐을 부쳤어요.

오랜만에 비행기를 타고 내리니 6시가 넘었어요.

제주 공항

저녁은 호텔에 도착해서 먹기로 하고 서귀포 칼 호텔로 갔어요.

서귀포까지 2시간 가까이 걸렸어요.

렌터카를 가져오니 어두워졌고 5.16 도로로 가로질러 왔는데 길이 어두워서 속도를 못 냈어요.

서귀포시 오돈가 식당

서귀포 호텔에 도착하니 10시 가까이 되었더라고요

서둘러 주변 식당을 찾으니 영업이 종료된 곳이 많아서 겨우 찾은 곳이 오돈가라는 맛집이었어요.

흑돼지인데 여러 부위를 먹을 수 있는 메뉴를 시켰고 김치찌개랑 밥을 먹었어요.

4명이 푸짐하게 먹고 잠을 자러 갔어요.

제주도 여행 2일 차 약천사, 여미지 식물원, 바다바라 카페와 중문 CC

서귀포 호텔과 아침 해돋이

다음날 아침 일어나서 본 것은 바다의 풍경이었어요.

해돋이를 보고 뷔페에 가서 조식을 먹었어요. 먹고 난 후에는 호텔의 마당을 산책했어요, 오래된 호텔이라 정원이 너무 좋았어요.

약천사

약천사는 서귀포시에서 멀지 않은 곳에 있는 사찰로 바깥에서 본모습이 위용이 넘쳐요.

단층이 아니라 3~4층의 건물이라 높고 크네요.

위에서 찍은 불상입니다.

불상과 불전이 엄청 크고 화려해요. 기둥에 있는 용들도 멋져요. 화려하다고 엄숙하지 않은 것은 아니었어요. 기도하시는 분들도 많았어요.

여미지 식물원

여미지 식물원은 참 오랜만에 갔어요.

건물은 좀 낡았지만 식물들이 많고 볼 것이 풍성했어요.

일정이 넉넉했으면 천천히 보았을 텐데... 실내 온실만 보고 왔어요.

바다바라 베이커리 카페와 전망대

바다바라 베이커리 카페에도 갔어요. 신라호텔, 롯데호텔 등 많은 호텔이 있고 바다가 있는 카페였어요.

바깥에 앉아서 멍 때리다가 일어났어요.

중문골프장의 풍경

드디어 중문 CC로 갔어요. 여기는 제주 관광공사가 운영한다고 했어요.

바다가 있어서 멋진 풍경도 많아서 좋았지만 골프 코스가 초보인 저에게 좀 더 좋았어요.

골프공을 노상 잃어버리는 제가 이날은 하나도 안 잃어버렸어요.

다음에는 실력이 많이 발전되길 바라 봅니다.

강정 해녀의 집

지인이 잘 알는 강정 해녀의 집에서 저녁을 먹었어요.

바로 옆에 해군 기지가 있는 동네였어요.

회와 해물들이 맛있고 지리로 끓여준 탕도 맛있어요.

제주아트빌라스의 모습

독립된 공간이 있는 리조트입니다.

제가 묵은 숙소는 제주도 지형을 담은 객실이었어요. 승요상이라고 부르는 건물입니다.

제주아트빌라스 실내모습

숙박지는 롯데 리조트에서 운영하는 제주 아트빌라스였어요.

공간이 넓고 고급스러운 리조트로 방이 3개, 욕실, 화장실도 3개, 차를 마실 수 있는 공간 1개, 거실과 주방, 바깥 공간까지 있었어요.

가족 단위로 여행을 와서 머문다면 정말 좋은 숙소입니다.

편의점이 관리소 건물에 있었어요.

제주도 3일 차 롯데 스카이힐 제주 CC

롯데 스카이힐 CC

마지막 날 롯데 스카이힐 제주 CC로 갔어요.

아침 일찍 일정을 시작해서 재미있게 골프를 쳤어요.

코스는 좀 어려웠어요.

롯데 스카이힐 제주 CC은 프로 골프 대회를 하는 곳입니다.

골프를 치고 비행기를 타고 집으로 돌아왔어요.

2박 3일을 즐겁게 보내고 왔어요.

앞으로 골프의 실력이 더 좋아졌으면 좋겠습니다.

18세기 로코코 미술이 되기까지

유호리아 — Fri, 20 Jan 2023 23:52:20 +0900

❤️ 로코코 시대 미술

- 로코코의 개념

프랑스어 rocaille(조개무늬 장식)이라는 말에서 시작된 로코코(Rococo)는 18세기 프랑스에서 생겨난 예술형식이다.

루이 14세의 베르사유를 꾸몄던 바로크 양식이 수정, 약화된 로코코는 바로크 시대의 호방한 취향을 이어받아 경박함 속에 표현되는 화려한 색채와 섬세한 장식, 건축의 유행으로 왕실 예술이 아니라 귀족과 부르주아의 예술이다. 베르사의 궁전은 건축적으로도 그렇고 조각 회학 음악 문학 이것들이 모두가 이루어지는 문화 중심 센터 역할을 했다. 절대 왕정을 위한 문화예술센터인 베르사유를 꾸미기 위한 모든 예술 정책이 프랑스에서는 바로크라고 볼 수가 있다. 궁전을 꾸밀 때에 이 사치스럽고 화려한 조개 장식을 뜻하는 건데 로코 거를 떠올렸을 때 장식적인 이미지가 떠오른 것이다. 18세기에 바로크에 영향을 받은 기술이 로코코니까 후기 바로크라고도 부르기도 한다.

17세기 유희와 쾌락의 추구에 몰두해 있던 루이 14세 사후, 남성스럽고 조금 엄숙한 절대 왕정 그 힘을 과시하기 위한 화려한 스타일이었다면 이것 건은 조금 부드럽고 서정적이고 나쁘게 말하면 좀 경박하다는 특징도 있다. 18세기 프랑스 사회의 귀족계급이 추구한, 사치스럽고 우아한 성격 및 유희적이고 변덕스러운 매력을, 그러나 동시에 부드럽고, 내면적인 성격을 가진 사교계 예술을 말하는 것이다.

- 루이 14세 시대의 역사적 사건

그 당시 프랑스는 왕의 권력을 한껏 치켜 세운 그림을 보면 시대상을 알 수 있다.
풍성한 머리숱을 가지고 있고 황금 칼을 차고 지팡이를 짚으면서 위엄 있는 포즈를 취하고 있다.
눈부분을 확장시켜 보면 빛을 바라보고 있다. 그러면 왕을 볼 때는 보는 사람들은 올려다 봐야 한다.
이 태양왕 루이 14세의 치세의 성격을 아주 잘 드러내는 작품이라고 할 수 있겠다.
그는 베르사유의 궁전을 건설해서 모든 국가의 기능을 집약시켰다.

모든 귀족들을 에티켓이라는 궁정 규칙으로 묶어두고 태양왕 자신을 중심으로 해서 세상이 돌아가도록 만들어 놓았다.
귀족들은 자신의 영지에 머물 수가 없었다.
그들은 모두 이 절대 왕이 거하는 베르사유 궁전에서라야 귀족 다움을 유지할 수 있는 그런 시대였다.
그리고 그곳에서 루이 14세는 사치와 향락의 극치를 누리고 살았다. 그가 죽자 당대의 귀족들과 부르주아들은 이제 더 이상 베르사의 궁전에 머물고 싶어 하지 않았다.
그들의 영지로 돌아가서 베르사이유가 가지고 있는 그 화려함의 극치를 자신들의 성에 구현시키고 싶어 했다. 화려하고 아름답게 장식하여 다른 사람에게 자랑하고 싶어졌다. 바로 루이 14세가 죽고 귀족들의 시대가 도달하게 된 것이다.

❤️ 로코코 시대 미술의 대표적인 화가

- 장앙투안 바토 로코코의 선구자

대표적인 화가로 장앙투안 바토(1684년 10월 10일 ~ 1721년 7월 18일) 발랑시엔 태생으로 처음에는 지방 화가로 활동했지만 18세 때 파리로 가서 페테르 파울 루벤스의 그림을 보고 감동을 받아, 본격적으로 그림을 공부하였다. 무대 미술가에게서 미술을 배우게 되었다.
아깝게 2등으로 당선되었지만 이제까지 없던 유형의 그림으로 인정을 받아서 로코코 미술의 창시자다 이렇게 인정을 받게 되었다. 그러나 그는 늘 병약했다. 37살이라는 젊은 나이에 그는 안타깝게 유명을 달리하고 말았다.

대표작으로 제르생의 상점 간판이라는 작품인데 갤러리에서 귀족들이 그림을 옮기는 걸 보고 있는 것 같다. 그래서 이 로코코적인 성향을 좀 보여주는 재밌는 그림인데 하인들이 집어넣고 있는 그림이다. 제르생이 누구냐 하면 와토의 친구이자 미술품 상인이었다. 이 작품은 화랑 입구에 장식한 작품으로 그려진 것이다. 그림의 중앙에 보면 와토의 자화상으로 보이는 젊은 신사가 정중히 숙녀를 화랑 안으로 초대하고 있는 것을 볼 수가 있다. 초대받은 그녀가 힐끗 왼쪽을 바라보고 있다. 거기에는 루이 14세의 그림이 상자 속으로 들어가고 있는 것이 보인다. 이 화랑의 주인인 제르생이 귀족 또는 부르저로 보이는 손님에게 둥그런 한 점 그림에 대해서 설명하고 있다. 여기에 이 귀족을 보면 돋보기를 보면서 아주 흥미롭게 관찰을 하고 있다.

키테라 섬으로의 순례

키테라 섬으로의 순례라고 하는 작품이다.
와토의 대표작이라고 할 수 있겠다.

키테라 섬은 고대 그리스의 한 섬으로서 사랑과 미의 여신인 아프로디테의 섬 사랑의 섬으로써 사랑하는 여인들이 도달하고자 하는 상상 속의 섬 이상적인 섬이다.
오른쪽에 보면 비너스가 보인다.
아카데미 심사위원들이 이 그림을 보고 그 당시의 분류법으로는 잘 분류가 되지 않는 새로운 장르의 그림이라고 생각했다. 그래서 심사위원들이 이 작품에다가 새로운 장르의 이름을 붙여주었는데 그것이 바로 페트 갈랑트이다.
이 양식이 로코코의 전형적인 양식이 되어버린 것이다.
페트 갈랑트의 뜻은 전원의 축제라는 뜻을 가지고 있다.
세련되게 차려 입은 남녀들이 활짝 트인 야외에서 춤추고 담소하고 유희하는 모습을 주로 담고 있는 그림이다. 멀리 키데라 섬이 흐릿하게 보이는 것 같고 안개 낀 듯한 파스텔톤의 바다 위로 돛이 보이고 그 주변에 포동포동하게 가려진 큐피드들이 춤을 추고 있는 모습이 몽환 쪽으로 보인다.
그림을 살펴보면 많은 쌍의 남녀들이 보인다. 남자들은 한결같이 세련된 멤버로 여성들에게 매력 있고 정중하게 대하고 있어서 이 그림은 전체적으로 우아함과 사랑스러움이 듬뿍 담겨 있다.
로코코 후대에 갈수록 사실 이와 같은 남녀의 그림에 약간의 유머와 풍자를 담아서 남녀의 삐뚤어진 욕망과 탐욕을 그렸을 것인데 이 작품은 한없이 아름답기만 하다.
이와 같이 판타지적인 이상향을 꿈꾸는 듯한 이 그림은 늘 병약했기 때문에 마치 자신은 이런 현실을
멀리서 바라만 봐야 한다는 슬픔 적인 거리감이 느껴지기도 한다.
와토는 이와 같이 페트 갈라트 즉 아름다운 풍경을 배경으로 한 선남선녀의 우아하고 아름다운 모습들을 담은 그림을 많이 그렸다.

로코코 스타일이 목가적인 아름다운 자연 풍경에서 향락적인 그런 그림을 추구하는 배경이 있고 신사와 숙녀가 보이는데 이런 제스처 보면 좀 과한 경향이 있다.

로코코는 바로크나 르네상스처럼 한 시대를 대표하는 사조라고 볼 수 없다. 왜냐하면 18세기는 로코코 뿐만 아니라 바로크, 고전주의, 낭만주의가 병존하는 시대이며, 이 시기에 유행하고 나타난 예술양식들은 서로 간에 영향을 받고 주는 관계에 있었기 때문이다.

17세기 바로크 미술의 역사

유호리아 — Thu, 19 Jan 2023 22:46:01 +0900

❤️ 바로크 시대 미술

- 바로크 시대 미술의 어원

어원은 ‘일그러진 진주’를 의미하는 포르투갈어로 'pérola barroca'에서 유래된 단어이며 프랑스의 여행가인 샤를 드 브로스의 편지나 생시몽 공작의 회고록에서 등장하기 시작했다. 바로크는 서양 예술사에서 시대를 구분하는 용어이자 예술 사조의 한 유형이기도 한데 뜻은 왜곡된 삼단논법, 혹은 불협화음으로 인한 비정상적인 소리를 의미한다. 진주와 같은 르네상스를 망쳤다는 의미로 후대 비평가들이 17세기 미술을 비하하기 위해 사용한 단어이다. 바로크 양식은 군주들에 의해 주도적으로 지원받은 궁정적인 바로크와 이보다는 상대적으로 자유로운 환경에서 발현한 부르주아적 바로크로 나뉘어 볼 수 있다.

르네상스 작품은 원근법을 강조한 그림이고 왼쪽 바로크 그림은 뭔가 작품의 크기도 그렇고 작품에 등장한 인물 수도 그렇고 과할 정도로 과장된 그림이다.
즉 오른쪽 르네상스가 조화와 균형 위에 중점을 둔 작품이라면 왼쪽 바로크는 과장 감성적이고 극적인 표현에 중점을 두었다.

❤️ 바고크 시대 미술의 대표적인 화가

- 최초의 바로크 미술가 카라바조

최초의 바로크 미술가는 카라바조라고 간주되고 있다.

메두사, 유디트 등 대표작을 그린 카라바조는 다채롭고 화려한 르네상스 회화들과 달리, 어두컴컴한 배경 속에서 중심이 되는 인물들에게 스포트라이트를 비추어 극단적으로 명암이 뚜렷하게 대비되는 키아로스쿠로(Chiaroscuro) 기법의 개척자로서 그의 회화 기법은 루벤스, 렘브란트 등 후대의 바로크 화가들에게도 큰 영향을 남겼다.

그는 깊은 어둠의 배경과 주인공 주변의 환한 빛의 대조를 통해 인물을 강조하고 이렇게 빛을 이용해 그림 안에서 극적 연출을 하였다. 또 역동적 신체 표현이나 사선 구도와 같은 동적인 구도를 통해 그림을 보다 적극적으로 대중들에게 어필하려 하였다. 그리고 이러한 요소들은 아주 생생한 사실적 표현을 가능케 하였다. 그리고.그리고 현실의 아름다움을 잘 표현해 내었다면 바로 그의 사실주의는 현실엔 아름다운 것뿐만 아니라 추한 것도 있다는 것을 보여주는 그런 사실주의였다.

- 고전적인 아름다움을 이용한 안니발레 카라치

또 다른 화가인 카라치가 르네상스 3대 거장 중 한 명인 라파엘로의 작품을 연구해 당시 매너리즘을 극복하려고 하였고 그 방법을 찾아냈다. 아이러니한 것은 매너리즘 작가들이 르네상스 작가들을 뛰어넘기 위한 방법으로 복잡하고 기교적인 그림을 그렸던 반면 카라치는 매너리즘을 극복하기 위해 전성기 르네상스 작가 라파엘의 고전적 아름다움을 이용했다는 것이다.

카라치 작품

카라치가 선배인 마테냐의 그림에서 아이디어를 빌려왔다.
마테냐 그림과 마찬가지로 카라치 역시 예수의 발바닥을 보여주어 예수의 고난과 희생을 알려주는 것이 이 그림의 목적이다. 이 두 화가가 표현한 방법은 확실히 다르다. 만테냐의 그림을 보면 예수님의 발바닥에 박힌 상처가 하고 경건해지는 느낌이 느껴지는 반면 카라치의 그림을 보면 너무나 적나라하게 피의 표현 모습 부분과 예수 그리스도가 아주 비좁아 보이는 공간에서 자세마저 허리가 틀어져 있어 아주 불편해 보인다. 이는 보는 사람에게 불편한 느낌을 주는 것과 동시에 드라마틱한 느낌을 주었다.

- 라스메니냐스 시녀를 그린 벨라스케스

스페인은 바로크 시기 벨라스케스라는 훌륭한 화가를 탄생시켰다.
색감은 베네치아 화풍에서 영향을 받았고 어두운 배경 부분은 카라바조의 영향을 받았다.
특이한 것은 표정인데 딱 봐도 좀 성깔 있어 보이는 교황의 모습을 통해 교황이라 해도 아주 사실적으로 표현한 것을 알 수 있다.
그리고 이것이 바로 르네상스와 바로 그의 차이이다. 만약 르네상스 시대 화가가 교황을 그렸다면 분명히 미화해서 그렸겠지만 바로크 시대 화가들은 이렇게 아름답지 않더라도 보이는 대로 인물의 성격을 그대로 드러낸 그림을 그렸다.

종교개혁으로 인해 약화된 지상의 가치, 인간이 지닌 감정, 상상력 등에 대한 가치를 반종교적인 입장에서 받아들였다.

서양 미술사 걸작 중 하나로 손꼽히는 라스메니냐스 시녀들이다.
마치 스냅 사진을 찍듯 순간 상황 포착이 매우 잘 표현되었다.
이 그림에서 가장 눈에 띄는 것은 인물들의 시선으로 그림 안의 인물들이 서로 본다거나 화가를 쳐다보는 것이 아니라 감상자인 우리를 바라보고 있다.

이 그림에서 공간이나 등장인물들은 모두 실제로 있는 것이지만 이 장면 자체는 온전히 벨라스케스가 만들어낸 것으로 그는 이 작품을 통해 예술가가 공간과 장면을 창조해 낼 수 있다는 것을 보여주었다.
창조자로서 예술가를 나타낸 것이다. 이 그림을 멀리서 보면 굉장히 자세히 그린 것 같지만 자세히 보면 그렇지 않다.
여기 공주의 상체 부분만 확대해서 보면 특히 여기 이렇게 이쪽에 공지의 머리 장식 부분을 보면 대충 붓질 몇 번으로 그린 것임을 알 수 있다.
즉 이전 작가들처럼 윤곽을 뚜렷하게 그리고 그 안에 색을 채워서 그린 것이 아니라 붓질 몇 번으로 색을 칠해 형태를 표현한 것이다.

- 플란다스의 개에 나오는 루벤스의 그림

네덜란드 화가 중 루벤스이다. 사실 루벤스는 독일 출생이나 당시는 국가라는 개념이 등장하기 이전이었고 루벤스 자체가 워낙 네덜란드를 사랑했기에 되게 네덜란드 화가로 본다.
루벤스는 이후 살펴볼 렘브란트에 비해 죽을 때까지 엄청난 성공을 거두고 편히 살다 간 화가이다.

루벤스는 신교도가 많은 네덜란드에 있었지만 반 종교개혁주의자였다.
반 종교 개혁은 종교 개혁으로 세력을 잃은 카톨릭이 잃어버린 세력을 회복하기 위한 자성의 목소리로 일으킨 가톨릭 교회 안에서의 운동이다.
이런 반 종교 개혁자였던 루벤스는 다른 네덜란드 화가들에 비해 성화를 많이 남겼다.

십자가에서 내려지는 그리스도

십자가에서 내려지는 그리스도는 그의 성화 작품 중 가장 유명한 그림이다.
이 그림은 일본 후지티비 애니메이션 플란다스의 개로 우리에게 친숙할 수도 있는데요.
사실 이 애니메이션은 19세기 영국 소설을 바탕으로 한 것인데 화가를 꿈꾸는 소년이 주인공으로 나오는데 그의 평생소원은 루벤스의 그림 십자가에서 내려지는 그리스도를 보는 것이다.
그래서 크리스마스에만 공개된다는 루벤스의 그림을 보러 성당으로 가지만 너무 어두워서 결국 그림을 보지 못하고 네로의 애견 파트라슈와 추위에 견디지 못해 죽고 만다는 슬픈 이야기로 여기 나오는 루벤스의 그림이 바로 이 십자가에서 내려지는 그리스도이다.

- 렘브란트의 역동적인 그림

카톨릭 성향의 루벤스와 달리 렘브란트는 개신교였고 이 영향으로 그의 작품 중 성화의 비중은 그렇게 높지 않다.
성화를 그리는 것이 성스러운 행동으로 인정받지 못했던 개신교에서 렘브란트가 주로 그렸던 것은 초상화로 특히 자화상의 경우 100편이 넘는다.
이 당시 네덜란드 암스테르담의 대표급 화가가 된 렘브란트는 암스테르담시를 지켰던 민병대 초상화를 의뢰받아 작품을 완성했는데 모두 똑같이 목숨을 걸고 암스테르담시를 지키는데 누구는 빛을 잔뜩 받아 주인공처럼 표현된 반면 누구는 어두컴컴한 배경에 묻혀 있어 등장인물들의 비중이 너무나 극명하게 갈렸기 때문에 이 초상화를 주문했던 민병대 단체는 불평했고 엄청난 욕을 먹었다.
오늘날 이 작품은 서양 미술사 최고의 작품 중 하나로 꼽히지만 당시엔 잘 나가는 렘브란트를 나락으로 떨어뜨린 작품이 된다.
그러나 미술사적으로 이 그림을 보면 바르코 스타일의 극적인 연출과 역동적 장면을 잘 표현한 작품으로 이 작품에 표현된 빛과 어둠의 사용은 오늘날 렘브란트의 조명 효과를 통해 주제가 한눈에 들어오고 감상자인 나도 그 속에 있는 듯한 사건에 동참하는 듯한 느낌을 받게 된다.

미켈란젤로의 조각과 그림

유호리아 — Wed, 18 Jan 2023 10:16:02 +0900

❤️ 미켈란젤로의 조각

- 피에타와 다비드상

바티칸의 성 베드로 대성당 내 오른쪽에 전시되어 있고 2m에 달하는 높이와는 달리 옆면의 두께는 1m 정도밖에 되지 않지만, 옷자락 주름의 입체감 때문에 깊이 있는 공간감이 효과적으로 나타난 피에타는 성모 마리아의 아름다움과 예수의 죽음을 슬프고도 아름답게 표현한 작품으로 유명하다. 그리고 미켈란젤로의 작품들 가운데서 유일하게 그의 이름이 조각되어 있는 작품이기도 하다.

메디치가가 또 물러가고 사브나롤라라는 독재자가 한동안 통치 한 후에 새로운 공화정이 성립을 했다.
그래서 새로운 공화정의 정신을 기르기 위해서 시민 의식을 고취시키기 위해서 공화정의 상징인 궁 앞 광장에 이 다비드상을 세웠다.

20대 초반의 나이에 거장의 반열에 오른 미켈란젤로는 1501년 산타 마리아 델 피오레 대성당 위원회로부터 성당의 북쪽 익랑 위에 있는 부벽에 올려놓을 다윗을 조각해 달라는 주문을 받고 계약서에 서명했다. 돌팔매로 거인 골리앗을 물리친 다윗을 통해 압제로부터 시민의 자유를 쟁취한 피렌체를 나타내려는 의도가 담긴 작품이었다. 그는 조각의 재료로 적당하지 않다고 두 명의 조각가로부터 작업이 수십 년째 중단되어 버려진 5.5m짜리 거대한 대리석이었다.

그런데 26살의 미켈란젤로가 약 3년 동안의 기간을 거쳐서 다비디 상을 만들어냈다.
이 5m짜리의 거대한 조각은 10대 미소년의 모습으로 표현한 도나텔로의 청동 다비드상과 달리 청년 다윗으로 조각을 했다.

그런데 6톤에 이르는 조각상을 성당의 높은 곳에 올리기가 쉽지 않았고 장엄한 걸작을 성당 부벽 같은 곳에 갖다 둘 수 없다고 판단한 오페라 델 두오모는 다비드 상이 새롭게 놓일 장소를 정하기 위해 레오나르도 다빈치와 산드로 보티첼리를 포함한 피렌체 시민 30인의 위원회를 소집하기에 이른다. 토의 결과 이 조각상을 시뇨리아 광장에 있는 피렌체 시청 베키오 궁전 앞에 놓기로 결정했다.
미켈란젤로의 삶중에서 가장 자유롭고 자신의 명성과 존중을 받으면서 산 유일한 시기라고 한다.

- 고난의 시스타나 천장화

교황권의 확립에 자신의 모든 것을 건 율리우스 2세 교황은 이탈리아의 도시들을 무력으로 정복하는 것도 서슴지 않았던 강성 교황이었다.
교황의 권위를 높이기 위해서 대형 건축과 예술에 돈을 쓰기로 마음을 먹었다.
이것이 소위 16세기 초 로마의 르네상스의 계기가 되었다.

건축가 라만테를 불러서 성 베드로 성당을 짓게 하고 조각가 미켈란젤로, 천재 화가 라파엘로를 불렀다.
미켈란젤로에게는 율리우스 2세가 자신의 영묘 자신의 무덤의 조각을 맡겼는데 가장 좋은 대리석을 구하기 위해서 미켈란젤로는 약 100km 떨어진 곳에 직접 가서 우마차로 항구까지 옮겨서 그리고 배에다 그걸 싣고 로마까지 그 대리석을 운반을 8개월 동안을 이 고된 작업을 했다.
그런데 율리우스 2세가 미켈란젤로가 만나주지 않았다고 한다.
화가 나서 피렌치로 돌아가버린 미켈란젤로는 볼로냐에 마지못해 다시 끌려가게 되었다.
그리고 교황 앞에 사죄를 했었다.
교황은 조각가인 그에게 그림을 그리라는 명령을 했고 그는 여러 차례 도저히 자신을 못하겠다고 교황에게 말을 했지만 소용이 없었고 할 수 없이 그는 시스티나 성당에 천장에 매달려서 고된 작업을 무려 4년 동안이나 해야 했고 그 4년 동안의 모진 고통의 시간들을 통해서 미켈란젤로는 성당의 천장을 다 덮은 이 거대한 회화를 경이적인 속도로 마쳤다. 보통 화가들은 그 10분의 1의 크기인 벽화도 3년 동안 그렸지만 그는 시스티나 소성당의 천장을 4년이 걸린 것이다.

회화라는 장르 자체를 싫어하는 데다가 하필 천장화. 조금만 잘못 하면 회반죽이 얼굴로 떨어지기 일쑤고, 이런 과정으로 이런 천장화을 그려내려면 회반죽이 마르기 전에 그림을 그려야 하기에 극단적인 심리적인 고통 속에서 이와 같은 대작을 만들었다는 것이다.

이 천장 벽화는 사방에 구약의 선지자들의 그림을 그려놓고 그 가운데 천지 창조 장면을 그려놓았다.
그 핵심에 바로 신이 하나님이 아담을 창조하는 장면을 그려놓은 것이다.
인간이 인간으로서 탄생하는 장면을 묘사를 하고 있는데 르네상스적인 휴머니즘을 이 작품 속에서도 표현하고 있었다.

- 최후의 심판

클레멘스 7세는 계약서에 서명을 한 직후 하느님의 곁으로 돌아갔으며, 그 다음 교황인 바오로 3세 때에 작품이 완성되었다. 미켈란젤로의 작품에 많은 기대를 걸었던 바오로 3세는 '교황청의 최고 건축가, 화가, 조각가'로 임명하는 포고령을 반포했다고 한다.

이 그림은 중앙의 예수부터가 성화에 그려지는 모습은 알아보기 힘들다 못한 모습으로 표현되었으며 그를 중심으로 좌측에는 종말 속에서 간신히 건져 올려지는 의로운 성도들이, 좌측에는 예수에게 가차없이 쫓겨나는 가짜 의인들이 그려져있다. 게다가 우하단을 보면 그렇게 내쫓긴 거짓 증인들을 악마들이 가차 없이 지옥으로 끌고 가고 있으며 심판을 선포하는 천사들도 이들을 혐오하는 모습으로 묘사되었다. 그리고 처음에는 모든 등장인물들이 실오라기도 없는 말 그대로 나체 상태였다.

1564년 트리엔트 공의회가 로마 전례를 재정립한 후 로마 전례 상 나체화를 허용하지 않기로 한 것에 따라, '비속한 부분은 모두 가려져야 한다'는 결론이 내려져 대대적인 검열 작업을 받게 되었으며, 미켈란젤로의 제자인 다니엘레 다 볼테라가 그림의 인물에 옷을 그려 가리도록 해서 현재의 상황을 유지하고 있다.

미켈란젤로는 어려운 시기마다 권력자들이 자신에게 허망한 약속을 했고 또 자신이 오직 노력을 한 그 모든 것들이 좌절되는 순간순간들마다 그런 일어나서 오히려 그때마다 대작을 만들었다.

라파엘로의 아테네 학당

유호리아 — Tue, 17 Jan 2023 22:56:37 +0900

❤️라파엘로의 아테네 학당과 그의 생애

- 아테네 학당을 그릴 때

1504년에서 1508년까지 피렌체에서 나름대로 성공적인 화가로서의 활동을 마치고 마침내 그의 예술가로서의 최전성기를 맡게 되는 로마에 입성하게 되었다.

율리우스 2세는 16세기 초 피렌체에서 르네상스의 흐름이 로마로 오게 되는데 로마 르네상스를 이끌었던 예술의 조예가 깊었던 교황이다.
그는 교회의 권위를 회복시키기 위해서 여러 예술가들을 로마로 불러들이게 되었다.
대표적으로 브라만테, 미켈란젤로, 라파엘로를 부르게 되는데 브라만테는 베드로 성당을 짓게 하고 미켈란젤로를 자신의 영묘를 조각하고 라파엘로를 불러서 자신의 집무실 4개의 방에 그림을 그리게 시켰다.
이때 라파엘로는 교황에게 보여주기 위해서 피렌체에 그렸던 많은 그림들을 들고 갔었다.
그 그림을 본 교황은 너무 마음에 들었고 이미 1507년에 교황의 개인 집무실을 꾸미기 위해서 고용한 당대 최고의 화가들을 해고시켜 버렸다.
그리고 자신의 개인 집무실 벽화를 라파엘로에게 모두 맡겨버리게 되었다.
그런데 그때 쫓겨난 화가들 가운데서는 그의 스승 페르지노도 있었다.
페르지노의 작품 천장화 하나만 남기고 나머지 그림들은 전부 뜯어내버리고 거기다가 새로 그림을 그리게 되었다.

4개의 방은 지금 라파엘로의 방이라고 불리게 되었다.
그중에 가장 유명한 것이 이제 서명의 방인데 서명의 방 가운데 이와 같이 네 명의 신학, 철학, 예술, 법학을 상징하는 여신들을 그려놓고 각각의 네 벽에 그 주제에 맞게 신학에 관한 주제, 철학에 관한 주제, 예술에 관한 주제, 법학에 관한 주제를 각각의 주제에 맞는 그림을 그려 넣었고 그중에서 가장 유명한 것이 바로 이 아테네 학당인 것이다.

어테네 학당

아테네 학당 이 대작을 보면요. 원근법이 잘 적용된 궁전 같은 이 학당 공간 안에 고대 그리스와 헬레니즘 시대를 대표하는 여러 분야의 학자들이 총 54명이 망라되어져 그려져 있는 것을 볼 수가 있다.
우선 제일 먼저 배경으로 두 신 대 그리스의 신들 중에 지혜와 이성을 대표하는 아폴론 신과 아테네 신이 그려져 있었다.

엄밀하게 지켜지지는 않았지만 대체적으로 위에는 사상가나 철학가들을 그려놓고 있고 밑에 쪽에는 수학자나 과학자 예술가들을 선별해서 그려놓고 있다.

라파엘로 자신의 얼굴과 그가 사랑했던 여인의 얼굴이 그려져 있다.
이제 라파엘로는 자신을 이처럼 오른쪽 끝에 벽면에 그려놓고 있었다.
라파일로 자신이 정면을 보고 있다. 알렉산더 시절에 굉장히 유명했던 두 명의 궁정화가 아펠레스와 프로토 제네스 중에서 아펠레스에 자신의 얼굴을 그려 넣었다..
화가의 얼굴에 화가인 자신 얼굴을 그려 넣은 것이다.
그리고 왼편에 하단에 여인의 얼굴이 보인다.
이 여인의 얼굴은 고대 여성 수학자이자 철학자인 히파티아를 그린 것인데 이 히파티아의 모델이 되는 여인은 자신의 연인인 마르게리타 루티이다.

히파티아는 4세기에 알렉산드리아에서 활동했던 수학자이자 철학가였다.
지성과 미모를 경계했기 때문에 수많은 남성들의 청원을 받았다. 하지만 저는 이미 진리와 결혼했어요 라고 말하면서 수많은 청원들을 거절하고 평생 독신으로 지냈다.
결국 히파티아는 젊은 나이에 이단이라고 하는 그런 모함을 받고 잔인하게 살해되었다.
라파엘로의 연인 이 여인이 바로 마르게르타 루티이다.
특히 수많은 성모의 얼굴 모델이 되었는데 기존의 성모들과는 달리 아름다우면서도 관능적인 성모의 그런 모델로 자주 등장하게 되었다.

마르게타 루티는 라파엘로가 사랑했던 여인으로 라파엘로는 아주 사교적인 성격에다가 미남이었기 때문에 당시에 수많은 여성들이 이 라파엘로 주변에 몰려들었다.
그중에서 그가 가장 사랑했던 여인이 바로 제빵사의 딸이었던 마르게리타 루티였다..
당시에 라파일로는 화가 중에 화가 높은 지위를 누리고 있었던 반면에 제빵사의 딸은 신분적으로 매우 낮은 계급에 속했다.
그래서 이 마음 약한 라파엘로는 굉장히 사랑했지만 둘의 사랑이 알려지게 되면 후원이 끊기고 명성이 손상될 것을 염려해서 둘의 사랑을 비밀로 유지할 수밖에 없었다.

마르게리타가 자존심이 상해서 떠나버리고 떠나버린 그녀를 다시 붙잡기 위해서 라 포르나리나를 그렸다
그 작품 속 여인은 손모양이 정숙한 비너스에 손 모양을 하고 있교 머리에 진주가 장식되어 있다. 진주는 사랑의 결혼식을 의미한다고 한다. 그다음에 여기 팔찌를 그렸는데 팔찌를 확대시켜보면 우르비노의 라파엘로라고 새겨져 있고 약지 손가락에 반지가 그려져 있다.
이 작품 속에서 이 세 가지 상징물 모두가 다 결혼식을 의미하게 되는 것이다.
그러니까 나는 언젠가는 너와 반드시 결혼하겠다라고 하는 라파엘로의 진심을 담아서 이 그림을 그린 것이다.

그러니까 이 작품을 보고 실제로 라르게르타가 감동해서 돌아왔고 둘의 관계가 회복이 되었다.
그러나 1년 후에 이 작품을 그린 지 1년 후에 37살의 나이로 라파엘로가 갑작스러운 열병으로 죽었고 마르게리타 루피는 라파엘로를 죽게 만든 여인이라는 비난을 또 엄청나게 들었다.

무엇인가 골똘하게 생각하는 듯한 인물은 고대 철학자 헤라클레이토스라는 철학자이다.
그 모델이 그 유명한 미켈란젤로이다.
즉 헤라클레이토스의 모델로 미켈란젤로를 그린 것이다.

사실 이 미켈란젤로와 라파엘로는 사이가 별로 좋지 않았다.
특별히 미켈란젤로가 거의 피해의식에 가까울 정도로 라파엘로를 싫어했다.
주로 자신의 그림을 모방했다는 거 그리고 브라만테와 더불어서 자신을 모함한다라고 생각했기 때문이다.
그 당시에 라파엘로와 친했던 인물들은 거의 그 작품 속에 들어가 있는데 미켈란젤로는 거기에 들어가 있지 않았다.

라파엘로가 이 그림을 그릴 바로 그 시기에 바로 그 옆에 시스텔라 성당에서는 미켈란젤로가 그 유명한 천장벽화 천지창조를 그리고 있을 때였다.
그야말로 둘 사이에 라이브 의식이 절정에 달했던 그런 시기이다.
미켈란젤로는 혼자서 그 힘든 작업을 다 그려내고 기존에 있었던 보조자들마저도 다 잘라버렸다.

그런데 아테네 학당이 1511년에 완성되었을 때는 미켈란젤로의 모습은 거기에 그려놓지 않았다.
그러다가 1512년에 미켈란젤로의 천지창조가 완성 되었다.
천지 창조가 완성이 되어서 개봉이 되어지는 그날 이 작품을 보고 라파엘로는 완전히 자신의 마음을 바꾸게 되었다.

자신이 감히 따라갈 수 없는 그런 대가라는 것을 인정하지 않을 수가 없었다.
그래서 라파엘로는 그의 아테네 학당에다가 미켈란젤로를 그려 넣은 것으로 존경심을 표현한 것이다.

그림의 중앙으로 가면 그 유명한 플라톤과 아리스토텔레스가 있었다.
이쪽에 보면 플라톤의 제자들이 있고 이쪽에 보면 아리스토텔레스의 제자들이 쭉 서 있다.
플라톤과 아리스토텔레스를 확대시켜 놓고 보면 플라톤은 손을 위로 올리고 있다.
아리스토텔레스는 앞을 향하고 있고 플라톤은 아래의 세계가 저 멀리 보이지 않는 이상 세계 보이지 않는 곳에 있다라고 하는 주장을 하게 되는 것이고 아리스토텔레스는 현실 세계 속에 있다고 하는 것이다.
라파엘로는 다빈치를 대단히 존경했기 때문에 플라톤의 모델로 다빈치를 그려넣었다.

르네상스 화가 라파엘로와 미켈란젤로 1

유호리아 — Mon, 16 Jan 2023 14:08:40 +0900

❤️ 요절한 천재 화가 라파엘로 미술 생애

- 라파엘로의 생애

라파엘로는 미켈란젤로와 다빈치 화풍을 잘 흡수하고 또한 독창적으로 자기 나름대로 발전시켜서 르네상스 미술을 완성했다. 르네상스의 모든 특징이 다 잘 드러난다. 주문한 작품을 모두 완성해서 주문자에게 돌려주는 타고난 성실했고 큰 대중적인 인기를 얻게 만들었던 비결이었다.

라파엘로 산치오 다 우르비노는 《아테네 학당》이 특히 유명한데 <아테네 학당>은 에피쿠로스, 피타고라스, 안티스테네스 등 고대 그리스의 학자가 학당에 모인 것을 상상해서 그린 그림이다.

그는 우르비노 공국의 궁정화가, 조반니 산티의 아들로 태어나 어머니를 일찍 여의고 11세에 당대 이름을 날리던 피에트로 페루지노의 공방에 들어가 도제, 조수로 활동하였다. 화가, 조각가, 건축가, 데생화가, 제도사, 디자이너로서 초기작에서 스승의 영향이 보인다. 1499년 페르지아에서 피에트로 페르지노라고 하는 화가에서 배웠다.

그는 <성모 마리아와 아기 예수>를 비롯한 수많은 작품을 제작하였다. 1508년에 교황 율리우스2세의 부름을 받아 로마로 간 그는 그의 대표작인 아테네 학당이 포함된 프레스코 연작을 제작하기 시작한다. 라파엘로의 특징이기도 한데, 다른 화가의 장점을 흡수하여 한 발 더 나아가는 모습이 지속적으로 보이게 된다.

라파엘로는 두 거장에게 배울 수 있는 굉장히 좋은 기회였다.
그래서 두 거장의 작품들로부터 그는 많은 것들을 실제로 열정을 가지고 배웠고 한편으로는 두 과장을 비롯해서 수많은 쟁쟁한 화가들로 넘쳐났던 이 피렌체에서 화가로서 살아남았다고 생각하면 된다.

1500년부터 자립하여 그림을 의뢰받기 시작하였고, 1504년부터 피렌체에서 활동하였다. 1508년 로마로 건너가 교황 및 가톨릭교회의 의뢰로 많은 작품을 남겼다.

1504년 피렌체에서 예술적 전통에 고취되면서 F.F. 바르톨로메오의 장대한 화면구성과 레오나르도 다 빈치의 명암법을 배워 페루지노의 영향을 탈피하고 피렌체 파의 화풍으로 발전하였다.

교황청의 건축과 회화, 장식 등 미술 분야에 관한 감독 책임을 맡고 있던 라파엘로는 1518년의1518년의 《레오 10세의 초상》에서는 군상을 훌륭한 솜씨로 처리하여 뛰어난 초상화가임을 증명하였다. 만년에 심혈을 기울인 《그리스도의 변용》(바티칸)을 완성하지 못한 채 그의 위대함을 알아보고 교황 직위를 내리려 했던 추기경 레오 10세는 라파엘로가 요절하자 그를 애도하면서 국가장을 치르게 한다. 라파엘로는 현재 로마의 판테온에 묻혀있다.

성실함과 사교적인 성품을 가졌다고 알려져 있으며, 짧은 생애에도 불구하고 많은 작품의 의뢰를 받아 훌륭히 마무리지었다. 르네상스의 절정을 이룬 화가답게 그의 그림은 고전 미술의 완성을 보여주고 있다. 단정한 선과 형태, 명료한 색상, 기품 있는 인물의 자세 연출, 배치와 구도의 극한에 다다랐으며, 르네상스 미술의 최고 덕목이자 서양 미술사에서 오랫동안 교과서처럼 여기는 '우아한 아름다움(Grazia)'의 원형을 만들었다.

영향을 다빈치로부터 받았다
간결한 피라미드 구조 또는 효과적인 빛의 사용 명암법, 수프마토 기법을 그래서 경계를 회하게 하는 수프마토 기법을 다빈치가 사용했는데 그것이 또 라파엘로에게도 영향 주게 되었다.

라파일러의 다빈치에 대한 존경심은 정말 대단한 것이어서 아테네 학당에서 플라톤의 얼굴을 다빈치로 그려놓을 정도였다.

세레자 요한이라는 작품을 보면하늘을 가리키고 있는 오른팔 즉 성 세례자 요한의 오른팔이 근육이 발달해했다. 이것은 미켈란젤로적인 요소가 들어가 있고 다빈치적인 요소인 빛을 효과적으로 사용해서 인물을 돋보이게 하는 기법을 사용하여 빛을 효과적으로 사용해서 성 세례자 요한의 모습이 돋보이게 만들었고 단순히 이 두 사람을 흉내낸 것이 아니라 사실은 창조적으로 표현했다고 볼 수 있는 것이 성 세례자 요한이 상당히 아름다웠고 그리고 이 몸이 우아한 몸을 가지고 있는 것을 볼 수가 있다.
그래서 이 미켈란젤로와 다비치를 흡수하면서도 자신만의 방식으로 창조해낸 라파엘로였다.

❤️ 최고의 조각가 미켈란젤로의 미술 생애

1475년 이탈리아 중부 토스카라 아래쪽 근처에 카프레세에서 탄생을 했다.

지방의 지방 관료로 파견되어 있었던 아버지 루도비코 부오나로티와 어머니 프랜치스카 사이에서 다섯째 중 둘째로 태어나게 된다.

6살 때 어머니를 잃었고 평생 그의 삶에서 씻을 수 없는 트라우마처럼 남아 그의 작품 속에서도 스며들어 있는 것을 볼 수가 있다. 태어나자마자 석공 부인이었던 유모에게 맡겨지게 된다.
바사리라는 지역에서 하늘에서 재능을 자기에게 주었다면 바로 그 유모로부터 석공의 아내였던 유모로부터 아마 그 재능을 물려받았을 것이라 말하기도 했다.

당대의 최고의 화가의 공방에 들어가게 된다. 그런데 여기서 거만하여 다른 친구들의 작품이 너무 하찮게 보아서

친구와 다툼이 생기고 주먹으로 얻어맞아가지고 그의 코가 주저앉아 외모에 대한 콤플렉스를 그때부터 갖게 되었다

외모에 대한 콤플렉스를 그때부터 갖게 되었다

자신의 얼굴을 많은 화가들이 작품 속에 은근히 넣는 것이 유행이었는데 한 번도 그러지 않았고 최후의 심판에 묘하게 들어가 있다.

로렌초 데 메리츠가 자신의 대에 와서 자신도 역시 할아버지처럼 많은 예술가들을 후원을 하고 있는데 뛰어난 조각가가 나오지 않는 것 몹시 안타깝게 생각했다. 그래서 자신의 가문이 있는 그 성당에다가 조각학교를 세운 것이다.
그리고 거기에다가 많은 고대의 작품들을 고대 조각상들을 거기다 모아놓고 도나텔로의 제자를 교장으로 앉히고 조각가를 양성하기로 한 것이다. 그리고. 당대의 최고의 화가인 기를란다요에게 조각의 재능이 있는 꿈나무들을 추천해 달라고 했다.
그때 바로 미켈란젤로가 추천을 받았다.

조각 학교에서 로렌초와 다빈치가 운명적인 만남을 갖게 되었다.
어느 날 조각 학교의 견습생 조각가였던 미켈란젤로가 조각하고 있었다.
우연히 본 로렌초가 늙은 목신인데 너무 이가 고르지 않느냐 이렇게 묻게 된다.
그런데 며칠 후에 로렌초가 이 소년을 다시 만났는데 깜짝 놀라게 된다. 어린 미켈란젤로가 망치로 그 신의 이발에 몇 개를 부수고 정말 늙은 신으로 표현해 놓은 것이다.
깜짝 놀란 로렌초는 자기가 찾았던 도나텔로의 뒤를 이을 만한 뛰어난 그런 조각가를 드디어 자기가 찾았다고 생각을 했고 그 이후에 아예 로렌초는 미켈란젤로를 자기 집에서 키우게 된다.

르네상스 시대의 대표적 인재 레오나르도 다빈치

유호리아 — Sun, 15 Jan 2023 23:54:02 +0900

❤️ 레오나르다 다빈치의 일생과 미술

- 레오나르도 다빈치의 소년 시절

레오나르도 다빈치는 1452년 피렌체 공화국 토스카나의 빈치 마을에서 태어났다.
다빈치라는 용어가 익숙해서 성시로 생각하기 쉬운데 다빈치는 그가 빈치 마을의 출신이라는 뜻이다.
그의 본명은 레오나르도 디세르 피에로 다빈치로 세르 피에로의 아들 레오나르드였다.
레오나르도의 아버지는 변호사였으며 어머니는 농민이었는데 사생아로 태어난 레오나르도 다빈치는 당시 이탈리아 사회에서 신분상의 활동 제약이 있었다..

그나마 이탈리아는 다른 나라들보다 사생아에 대한 대우가 괜찮은 편이었지만 그럼에도 불구하고 의사나 약사는 될 수가 없었으며 대학에도 진학할 수 없었다.

변호사였던 아버지는 레오나르도가 합법적인 아들이었다면 공부를 시켰을지도 모르지만 현실적으로 대학 진학이 불가능했기에 아들을 피렌체로 보냈다.
피렌체를 대표하는 도나텔로의 가장 우수했던 제자로 조각과 회화 등 다방 면에서 재능을 보였던 베로키오라는 화가의 공방에 수습생으로 들어가게 되었다. 도나텔로의 사후 베로키오는 도나텔로의 후계자로서 메디치가의 후원을 받는 미술가가 되었으며 당대 최고의 실력을 가진 미술가라 할 수 있었다.
10대 중반의 레오나르도 다빈치는 벨로키오의 공방에 들어가서 다른 수습생들처럼 청소와 잔심부름 등을 하며 미술을 배워나갔다. 그렇게 붓을 닦고 알료를 받는 등의 일을 하면서 그림 실력을 키워나가게 되었다.
레오나로도 다빈치는 공방 생활을 하는 동안 스승행 베로키오 외에도 보티첼리를 비롯해 여러 예술가들의 작품을 마주하게 되면서 점점 능력을 키워나갔다.

베로키오는 당시 이탈리아 피렌체의 대표적인 화가로 레오나르도 다빈치, 페루지노 산드로 보티첼리의 스승이다.

- 레오나르도 다빈치의 청년 시절

그렇게 다빈치는 20살에 베로키오의 그린 그리스도의 세례에 조수로 참여해 화면 속에 보이는 꼬마 천사 두 명을 맡게 되었다.
이후 1466년부터 1482년을 그의 제1의 피렌체 시대라고 부르는데 당시 그는 예수 그리스도 수태를 예고하는 부분을 표현한 수태고지 등의 작품을 탄생시켰다.

1482년부터 1499년을 제1의 밀라노 시대로 밀라노의 스포르차 귀족 가문의 화가로 초빙되었는데 세계 미술사에서 가장 걸작 중 하나로 불리는 암굴의 성모와 최후의 만찬을 그렸다.
모나리자를 그리는 화법의 바탕이 되는 스푸마토라는 다빈치의 화법으로 암굴의 성모가 제작되었다.
3차원의 세계를 그리는 방법으로 대기 원근법이라고도 불리죠 쉽게 말해서 회화에서 색과 색 사이의 경계선 구분을 부드럽게 처리하는 방법이다.
밀라노에 있는 산타 마리아 델레 그라치의 성당 수도원의 식당 벽화로 그려진 최후의 만찬은 다빈치의 후원자였던 루도비코 스포르차 공의 요청으로 그린 그림이다.
가로 880cm에 새로 460cm나 되는 거대한 작품이며 다빈치는 1495년부터 최후의 만찬 제작에 착수하여 3년 후인 1498년에 그림을 완성시켰다.

수학적 계산으로 접근한 대칭적인 구도와 원근법 그리고 각 인물들의 성격을 바탕으로 그린 표정과 그들의 행동들은 당시 최후의 만찬의 장면을 드라마틱하고 섬세하게 표현한 걸작인 최후의 만찬은 예수가 십자가에 못 박혀 죽기 하루 전날 자신의 열두 제자들과 함께 가진 식사를 그림으로 그려낸 것이다.

예수는 누군가가 자신을 팔아먹을 것이라 말하고 그림에 범인이 누구인지 힌트를 주는 동시에 그 말을 듣고 놀라는 제자들의 제각각의 반응도 아주 잘 나타내었다. 소실점으로 다빈치는 원근법을 처음으로 나타내었다.

그다음으로 고대 로마의 건축과 비트르비우스가 쓴 건축 1서 3장의 심장 건축 편에서 인체의 비율을 말한 것으로 비트루비우스적 인간은 원과 정사각형 안에 팔다리를 뻗고 있는 남자가 이상적인 인체 비율을 나타내는 그림이다.
팔이나 다리를 뻗으면 완벽한 기하학적 형태인 정사각형과 원에 드러났기 때문이다라고 쓴 대목을 읽고 그렸다고 전해진다.

이 그림을 보면 팔과 다리를 벌렸을 땐 이렇게 원에 딱 들어가고 다리를 붙였을 때 정사각형에 딱 들어가게 된다.
똑바로 산 사람을 보았을 때 배꼽을 기준으로 머리끝까지와 발 끝까지의 비율은 1대 1.61 8로 오늘날에도 디자이너들이 사용하는 황금 비율의 시초가 바로 다빈치라는 사실을 처음 알았다.

- 레오나르도 다빈치의 제2 밀라노 시대와 모나리자

1500년부터 1506년을 그의 제2의2 피렌체 시대라고 하는데 그는 1499년 프랑스 왕 의 12세의 밀라노 침입으로 1500년의 피렌체로 돌아왔다.
여기서 제단화를 그리고 모나리자를 그리기 시작하였다.
이어 1506년 밀라노에서 당시 프랑스 왕이었던 우리 12세의 궁정 화가가 되었는데 1506년부터 1513년을 그의 제2의 밀라노 시대라고 한다.

1516년 프랑스 여왕 프랑스와 1세의 초청을 받아 그의 제자와 함께 이주해서 세 점의 그림을 완성시킨다.
이때 완성된 모나리자는 16세기 르네상스 시대의 다빈치가 그린 초상화로 현재 파리의 루브르 박물관에 전시되어 있다.

모나는 유부녀 이름 앞에 붙이는 이탈리아어 경칭이며 리자는 초상화의 모델이 된 여인의 이름을 나타낸다.

가로 53cm의 새로 77cm 크기의 패널 위에 그린 유화이며 1503년에서 1519년경에 완성되었다고 추정된다.
모나리자는 희미하게 미소 짓고 있는 여인의 그린 초상화로 스푸마토 기법을 사용하여 넓은 안개가 덮인 듯한 효과를 주어 미스터리함을 풍기는 그림이다.

구도는 당시 가장 기본적인 초상화의 구도였던 피라미드 형태를 띠고 있으며 인물을 배경보다 높게 배치하는 방식은 오늘날 화가들이 흔히 사용하는 기법이지만 르네상스 시대는 보기 드문 방식이다.
모나리자의 여인에게는 눈썹이 없다고 알려져 있지만 자세히 보면 아주 가늘게 그려져 있다..
당시에는 이마가 넓은 여자가 미인으로 여겨져 눈썹을 밀거나 가늘게 그렸다

유화 물감 창시자인 얀 판 에이크의 작품세계

유호리아 — Sat, 14 Jan 2023 23:12:02 +0900

❤️ 얀 판 에이크의 그림

- 얀 판 에이크의 시대적 배경

르네상스 14세기 때부터 상공업 중계 무역으로 국제 도시가 발달한 네덜란드 일부 남부 지방 그리고 프랑스와 벨기에의 국경 지대, 플란더스 혹은 플랑드르 지방에 돈이 많았기 때문에 예술이 발달했다.

유화라는 기법을 최초로 만들어 현재까지도 미술계에 큰 영향을 끼친 얀 판 에이크는 브리고뉴 공국의 선량왕이라고 많이 부르는데 필립 공의 궁정 화가 및 외교 사절단의 멤버였다. 네덜란드/벨기에의 화가였고 플랑드르 화파의 대표적인 선구자로서, 이후 전반적인 북유럽 르네상스 미술 사조에 영향을 끼쳤다.

이전에는 주로 색깔이 담긴 추출물에 물과 날달걀을 섞어 그림을 그리는 '템페라' 기법을 주로 사용했고 방수 능력이 없어 물에 젖으면 그림이 함께 흘러내려 훼손되었고 캔버스에 그리면 그림이 금방 쩍쩍 갈라지는 단점이 있었다. 그것을 유화로 수정되어서 미술사에 획기적인 발명으로 생각된다. 반 에이크가 이러한 단점들을 보완하는 유화를 도입해서 반 에이크를 유화의 발명자로 보기도 한다. 유화 기법을 사용한 최초의 미술가. 그가 색채 가루(안료)를 최초로 기름에 섞어서 사용, 자연에 대한 세심한 고찰, 정교한 세부 묘사 등으로 인하여 중요하게 여겨진다. 대표작은 어린 양에 대한 경배, 아르놀피니 부부의 초상화가 있다.

- 얀 판 에이크의 자화상의 의미

자화상이 되게 유명한데 이전에 화가들은 함부로 자화상을 못 그렸다. 그런데 얀 판 에이크는 그런 시대에 자화상을 그렸다는 것은 역사적인 의미가 있다.
가까이 확대를 하면 이 주름 하나하나 묘사가 더 디테일하다.
그림 사인으로 할 수 있는 한 최선을 다한다는 말이 다른 그림에도 자주 등장하는데 은근한 자신감의 표현이기도 하다.

- 얀 판 에이크의 아르놀피니 부부의 초상

1434년 초기 네덜란드 미술의 거장 얀 판 에이크가 오크 화판에 유화로 그린 그림인 아르놀피니 부부의 초상이라는 작품을 그렸는데 이 작품을 그릴 수 있었던 것은 당시에 그 도시가 상공업으로 발달한 도시였기 때문에 그린 그림이다.
이 아르놀피니라는 상인의 부부 결혼식 모습을 기념해서 그린 것인데 안타깝게도 돌아가신 부인 늘 회상하는 그림이다.

실내에 있는 조반니 디 니콜라오 아르놀피니와 그의 아내를 그린 초상화이며, 배경의 방은 플랑드르의 브루제에 위치한 그들의 저택일 것 같고 그림을 제작했을 때는 이 아내가 이미 세상을 떠난 뒤였다고 한다.
남편이 그걸 기리기 위해서 그릴 것 같은 이 그림은 템페라 대신 유화 물감을 쓴 그림 중에서 가장 오래되고 유명한 그림이다.

빛을 이용한 실내 공간의 재현은 "방에 살고 있는 사람뿐만 아니라 방 자체의 묘사까지 완벽한 실감이 느껴진다."는 이야기를 들을 정도로 그림의 세밀한 부분까지 묘사했다.

그런데 그림의 모델이 다른 사람이라는 반론이 제기되었다. 부부라고 한 사람들이 그림이 그려진 지 13년 후이자 얀 판 에이크가 죽은 지 6년 후인 1447년에야 결혼했다는 사실이 입증되면서 그림의 모델이 아닌 것으로 판명되었다.

조반니 디 아리고의 사촌인 조반니 디 니콜라오 아르놀피니와 그의 아내 중에서 기록에 남아있지 않은 두 번째 아내로 추정를 그린 것이라는 주장, 1433년 2월에 사망한 첫 번째 아내 코스탄자 트렌타라는 가설, 반 에이크가 베를린에서 그린 초상화의 모델로 등장했다는 점에서 그가 화가의 친구라는 주장 등이 제기되었다.

그린 그림 중에서 꺼진 불씨를 그렸는데 이는 죽은 부인을 암시하는 것이 아닌지 주장하는데 반 에이크가 그린 조반니 아르놀피니의 초상을 보면, 이 그림에 묘사된 남자의 얼굴과 아르놀피니 부부의 초상에 묘사된 남자의 얼굴은 상당히 흡사하다고 한다. 또 그림 중에 초 하나가 켜진 것은 유일신을 암시한다는 말도 있고 다양한 해석이 있기는 하다.
그림 속의 부부가 결혼하는 장면이라고 전제한다면 두 남녀의 맞잡은 손에 집중해야 한다. 왜냐하면 그 당시 풍습으로 볼 때 서로의 오른손을 잡아야 정식 결혼이라 볼 수 있었다. 하지만 완전하지 않은 결혼인 것을 알리는 증거로 남자는 왼손으로 여자의 오른손을 잡고 있다. 당시에는 남자와 여자의 신분적 차이가 큰 경우 첩을 들이는 것과 비슷한 개념으로 '왼손 결혼'을 했다고 한다.

그리고 중간 중간 그려진 과일들을 통해서 당시에 아르노피니 부부의 사회적 지위, 부를 과시하는 모습을 알 수 있가. 또 옷감을 통해서 알 수 있다. 여인이 입은 옷의 패션은 실제 이 여인이 임신한 게 아니라 당시에 다산을 기원하는 하나의 패션이었다 보고 있다.

그림이 그려진 이 방은 침실이 아니라 응접실로 창문 밖으로 열매를 맺고 있는 체리 나무가 있는 것으로 보아, 부부가 여름철 2층 방의 모습을 표현한 것을 알 수 있다. 당시 프랑스와 부르고뉴 지방에서는 응접실에 침대를 두는 것이 유행했고 창문을 보면 목재로 만들었고 최상단에 끼워진 유리는 밝은 과녁 문양의 스테인드 글라스이다.

디테일 묘사의 시작된 것은 오일 페인팅의 시작이다. 강아지도 엄청 디테일하다.
살아 있는 것 같은 묘사를 했으며 옷감 묘사 반사된 이 거울 화가의 자화상도 이렇게 짧게 그려놓았다.

유화라는 물감이 발명됐기 때문에 르네상스 시대 때 회화라는 장르가 특히 발달했다고도 볼 수가 있다.
이 기법은 이탈리아의 기법이 전수되었다고 하는데 로히어르 판 데르베이던이라는 화가가 이탈리아 여행하면서 이 오일 페인팅 기법을 전수해줬다고 많이 보았다.

반 에이크가 수태고지를 그렸는데 갈라진 게 마치 돌 같고. 마치 대리석 조각처럼 묘사한 그만큼 디테일한 묘사가 어느 정도인지를 느낄 수가 있을 것이다. 이 작품 사이즈 훨씬 작다.
그래서 실제로 되게 작은 사이즈의 그림인데 작은 세필로 이걸 하나하나 다 묘사를 했다
수태고지라는 주제로 어떻게 사람이 이 정도까지 디테일하게 묘사를 할까 감탄을 하게 되었다.

르네상스 화가들과 대표 작품들의 이야기

유호리아 — Fri, 13 Jan 2023 23:23:36 +0900

❤️ 르네상스 화가들

- 조토 디 본도네

조토 디 본도네(Giotto di Bondone, 1267년 ~ 1337년 1월 8일)는 이탈리아의 화가·건축가이다.

조토 디 본도네의 지오토를 르네상스의 시초로 많이 본다.
대표적 작품 중 하나가 유다의 옛 맞춤이라는 그림이다.
여기서 르네상스의 시작이라 생각할 수가 있는 조건은 중세 하면 아주 평면적으로 보통 묘사되어 있는데 이 그림은 그렇지 않다.
조토는 이탈리아 르네상스 미술의 선구자로서 비잔틴 양식에서 벗어나 피렌체 파를 형성하였다. 마침내 투시법에 의한 공간의 묘사에 성공하였으며, 생기 있는 묘사로 종교 예술의 신경지를 개척하였다.

천을 보면 입체적 효과가 나오기 시작하며 주제나 도상에 있어서는 중세 기독교 예술과 비잔틴 예술을 답습하였지만, 투사법과 단축법을 통한 공간감의 표현 그리고 사실적인 표정 묘사와 더불어 기존의 도상에 대한 과감한 변화와 같이 훗날 16세기 이탈리아의 르네상스 예술의 특징으로 향해가는 선구자적인 모습을 보인다.
그리고 얼굴도 살짝 부드러운 명암 처리가 되어 있어 당시에는 엄청 발전된 스타일이었다.
지금 봤을 때는 너무 투박해 보일 수도 있으나 그 당시에는 시대를 앞서가는 스타일이었다.
동시대의 사람인 단테(1265-1321)는 '치마부에의 시대는 갔다. 지금부터는 지오토의 시대다'라고 극찬했고 프란체스코 성당의 벽화 <성프란체스코전>에 참여해 2828점 중 일부의 벽화를 그렸다.

조토가 그렸던 그림 중 <동방박사의 경배>에는 핼리 혜성으로 추정되는 천체가 베들레헴의 별로 그려져 있어 1986년 유럽에서 발사한 핼리 혜성 탐사선의 이름으로 붙여지기도 했다.

조토의 스승인 치마부에가 외출하자 어린 조토가 스승의 그림 속 얼굴에 파리를 그려놓았더니 돌아온 스승이 파리를 손으로 쫓으려 했다는 일화가 있다.

조토는 많은 종교화를 그렸다.

조토의 애도

그중 애도라는 작품이 있다. 이 작품은 그리스도의 죽음 슬퍼하는 성모 마리아 천사들의 슬퍼하는 모습을 그렸는데 표정 묘사가 나왔다. 자연주의적인 접근을 통해 조토는 정면에서 벗어나 측면과 후면을 묘사하는 등 이전에 볼 수 없었던 공간감을 만들어 냈으며 단축법, 투시법과 명암을 이용해 평면에 입체감을 표현한 인물이다. 이전에 종교화에서 표정 묘사가 없었는데 새로운 경향이 나왔다. 희노애락의 표정이 다 숨겨져 있다고 봐도 된다. 이전까지 단순히 사실 기록을 위한 도구였던 회화를 작가의 감정을 보는 사람들에게 전달하는 매체로 바꾸어 놓았다는 평가를 받는다.

르네상스 시대 때 화가는 종합 아티스트였는데 대다수가 건축도 다 했고 시인, 학자이기도 했다.
조토는 산타 마리아 델 피어의 종탑 성당을 디자인했다.

프란체스코 성당의 벽화 <성프란체스코전>에 참여해 2828점 중 일부의 벽화를 그렸다. 그 후 1303~1305년까지 그의 대표작이라 할 수 있는 파도바의 아레나 예배당이라고도 불리는 스크로베니 예배당의 장식을 맡는다. 3개의 층으로 나뉜 38개의 구획들은 성가족과 예수의 일생을 그린 프레스코화로 채워져 있다

- 도나토 디 니콜로 디 베토 바르디

얕은 돋을새김 조각으로 유명한 도나토 디 니콜로 디 베토 바르디(이탈리아어: Donato di Niccolò di Betto Bardi, 1386년경 ~ 1466년 12월 13일)는 이탈리아 피렌체 출신의 르네상스 시대 조각가이다.

르네상스 초창기에는 도나텔로가 있어서 미켈란젤로가 피에타로 조각의 역사를 새로 쓰는데 도움을 주었다고 보는 편이다.
이전 시대에 미켈란젤로의 다비드 이전에 적장 골리앗의 머리를 밟고 있는 다비드 다비드가 아주 어린 소년이었다. 소년의 모습으로 봤을 때는 도나토의 다비드가 구약 성서의 종교화의 주제로는 더 잘 어울리지 않을까 한다.

특이하게 좀 여기서는 모자를 쓴 모습으로 묘사되어 있고 미켈란젤로처럼 과도한 근육 묘사는 하지 않았고 좀 절제되어 있다. 골리앗과 다윗의 싸움으로 따지면 좀 어린애다운 약해 보이는 좀 더 자연스럽지 않을까 보이며 과장된 근육과는 좀 다르게 좀 더 자연스러운 소년의 모습으로 표현되어 있는 다비드 상이다.

기베르티, 브루넬레스키와 더불어 '르네상스 초기의 3대 조각가'로 불리며 대표작으로 <성 조르조 상> <다비드> 등이 있는 도나텔로는 로마에서 고대 조각을 연구하고 일찍부터 명성을 얻었다. 작품 경향은 중세적 자연주의의 전통과 고전의 형태미에 의하면서 차츰 새로운 힘찬 사실주의로 발전하였다. 특히 원근법을 써서 입체감을 나타내어, 있는 그대로의 사실주의적인 표현에 힘썼다. <가타멜라타의 가마상>은 특히 뛰어나 르네상스 조각의 걸작으로 꼽힌다.

도나텔로의 예술을 형성한 데는 브루넬레스코와 함께 로마에 유학한 사실을 들 수 있다. 대머리이기 때문에 <로 츠코네>라 불리는 상은 피렌체 대성당 종루의 감실용으로 제작된 것인데(1423∼1425) 그의 철저한 사실을 실증하는 작품이다.

그는 융기한 목의 근육과 굽어진 손목, 중후한 의상, 응시하는 표정은 과연 힘 있는 남성적 리듬을 가지고 있다.

일반 사람들과 같은 <그리스도 상>(1420?), 말라 빠져 추악한 <막달라 상>(1455?), <세례자 요한 상>(1455)은 미라고 하는 추상적 표준을 희생하는 한이 있더라도 그 억센 인간성을 극명하게 묘사하려고 시도했다. 이것과 같은 계열에 속하는 사실주의적인 작품들이다.

청동 다비드 상

그러나 1440년경의 청동 <다비드 상>은 독립 조상인데, 종래의 전통을 파괴하고 있다. 그 평정한 자태의 표현은 고대 양식의 충실한 번역이라 하겠다. 가느다란 팔과 딱딱한 체구에는 우미한 곡선은 없지만 그의 예리한 관찰로 미성숙한 남자상을 남김없이 포착하고 있다. 토스카나 지방의 목동이 쓰는 것과 같은 모자는 다소 기묘한 감을 주지만 그 비고전적인 면모에 내려진 음영에는 개인적이고 성격적인 것을 암시하고 있다. 결국 특수성과 일반성의 결합이나 나체상에 비범한 인상을 부여하고 있다.

가타멜라타 장군 기마상

가장 잘 알려진 작품은 파도바의 산 탄토니오 성당 앞 광장에서 있는 <가타멜라타 장군 기마상>(1453)이다. 갑옷과 안장에 풍부한 장식을 다는 것으로 기사의 중요성을 강조하였고, 커다란 말에 끌리기 쉬운 사람에게 주의를 쏠리도록 노력하였다. 그가 로마에서 보았던 카피톨리노 언덕 위의 <마르쿠스 아우렐리우스 황제의 기마상>을 본으로 한 것이다. 인체와 마찬가지로 마체에도 해부학적인 정확함을 추구하였고, 다리와 코에 정맥이 부풀어 나오게 했고, 또 두부의 딱딱한 구조와 피부에도 극명한 현실의 관찰을 볼 수 있으며, 안장의 모포와 갑옷의 옷감 성질에 대해서까지 상세하게 묘사하고 있다.

초기 르네상스에 있어서 군상(群像)의 안정과 정밀이란 고전적 효과는 그 양괴성과 평형감으로 표시되었다. 말 탄 자의 수직선, 장군이 가진 칼과 지휘봉으로 구성된 날카로운 대각선, 커다란 말의 수평적인 중량감 및 말의 네 발이 만드는 삼각형이 기묘한 교차를 보여 주고 있다. 왼쪽 앞발 아래에 있는 구슬은 물리적 평형을 갖기 위해서도, 대좌에서 전진하려는 말을 저지시키는 데에도, 실제상의 필요에서나 장식상에서나 다 같이 군상의 안정성을 확보하는 역할을 하고 있다.

그는 한 사람의 유능한 장군의 풍모를 표현한 점에서 벌써 뛰어난 초상이라는 것은 두말할 필요도 없지만, 나아가서 고전적 형식을 빌어 하나의 전형적인 인물을 구체화한 점으로 그것은 초상 이상인 것이다. 고대에 대한 공감과 철저한 사실과 근대적 지성, 그리고 인생의 희비극을 뚫어 보는 통찰 등, 이것을 무기로 하여 그는 초기 르네상스의 이상을 실현하였다.

르네상스 시대 이탈리아 회화 특징

유호리아 — Thu, 12 Jan 2023 21:18:32 +0900

❤️ 르네상스 시대 회화, 그림 특징

- 르네상스 시대 이탈리아 회화의 특징

오랫동안 동로마 제국과의 활발한 교류로 서로마 제국이 멸망하고 파괴되었던 고대 로마의 문헌과 기술력을 거의 복원했던 이탈리아 반도는 이슬람 제국에 의해 동로마가 멸망했을 때 서방으로 피난한 동로마 예술가 기술자 등 지식인이 여기로 왔다. 그리고 로마 제국의 중심지였고, 그 전통이 기독교 세계로 편입된 이후에도 남아 있었다. 오늘날에도 남아 있는 로마 유적만 봐도 알 수 있듯 고대 로마의 문화는 여전히 이탈리아에 남아 있었던 것이다.

북이탈리아의 파도바와 베로나는 계속하여 베네치아에게 정복당하여 신문화와 연결이 되지만 처음에는 오히려 위의 두 도시가 능동적이었다. 총독 저택을 장식한 젠틸레 다 파브리아노의 뒤를 이어서 피사넬로는 국제 고딕 양식을 베네치아에 가지고 가서, 우아한 성모자(聖母子), 공상적인 의상, 우화동물 등 장식 문양적인 표현이 북이탈리아에 퍼졌다.

알베르티, 브루넬레스키가 건축에서, 그리고 기베르티, 도나텔로가 조각에서 이룬 새로운 방향으로의 전환이 회화에 있어서는 마사초에 의해 이루어졌다. 바사리의 열전(列傳)에 기술된 것처럼, 그가 프레스코화를 그린 피렌체에 있는 카르멜회 산타 마리아 델 카르미네 교회는 많은 르네상스 화가들의 수업의 도장이 되었다.

마솔리노와 같은 화가가 베네치아에 머물면서 신경향의 양식도 전했던 것이다. 필리포 리피, 우첼로, 카스타뇨 등 피렌체의 화가들은 북이탈리아에서 한때 활동을 하였으며 특히 1306년 조토가 스크로베니 경당에 프레스코화를 그렸고, 1443년~1453년 10년간 도나텔로가 산토의 주제단과 ⟪가타멜라타 장군 기마상⟫을 제작하였다.

- 레오나르도 다빈치와 피렌체 파

피렌체를 중심으로 하여 르네상스 미술의 주류를 이루었던 피렌체 파는14세기로부터 16세기 동안 회화에서는 주제에 관련이 있는 것만을 단순화하고, 또 이를 극적으로 묘사함으로써 마사초, 브루넬레스키 등의 투시도적 수법과 도나텔로의 조형적 성과를 도입한 다음부터는 회화적 현실의 표현에 신천지를 개척하였다.

장식적인 시에나 파와 대립하였고 ‘공간 구성은 화면 안의 통일이다’라는 고딕과는 다른 형식의 회화를 만들어냈다.

자연주의는 1400년대 예술의 주류가 되었으며, 자연과학의 발흥과 더불어 인체묘사·운동묘사·풍경묘사 등에서 새로운 국면이 열리게 한 피렌체 파의 사실적 성과는 메디치가의 번영에 힘입어 르네상스 회화 발전의 주류가 되었다.

1500년대에는 보티첼리는 만년에 이르러 이상주의적 경향이 강하게 보여주었다.

레오나르도 다빈치 작, 비트루비우스적 인간

레오나르도 다빈치도 사실주의를 완성하면서부터 주관적 정신 내용을 그 속에 표현하였다.

바로크 양식의 선구자가 된 미켈란젤로는 강인한 인체 표현 속에 인간의 정신적 고뇌를 표현하였는데, 그 초월적 방향으로써 피렌체파의 최종적 단계를 장식하였다.

처음에는 르네상스가 베네치아를 중심으로 일어났지만 피렌체 출신 레오나르도 다빈치의 영향으로 과학을 바탕으로 한 이성적인 성격도 아주 강했다.
따라서 르네상스 회화의 네 가지 혁신 중에서 세 가지인 원근법, 명암법, 피라미드 구조가 이때 아주 명확하게 나타났다.

르네상스의 목적은 미술의 수단이 아닌 미술 그 자체로 받아들이는 것이었는데 과학을 바탕으로 그림을 그림으로써 미술의 권위를 격상시켰다.

북유럽과 이탈리아의 교류가 활발해지면서 북유럽에도 르네상스가 일어났다.
북유럽에서는 유화를 발명한 얀바 네이크, 독일의 할스 홀바인과 듀러 등이 르네상스를 이끌었다.
유화가 발명되면서 세심한 표현이 가능해지기 때문에 보다 더 사실적인 표현을 할 수 있게 되었다.
이미 전성기 르네상스에서 원근법, 명암법 등 법칙이 많이 발견되었기 때문에 독창성과 개성을 위주로 회화가 발전하였다.

- 티치아노, 우르비노의 비너스, 베네치아파

정확한 시기를 몰라 수수께끼에 싸인 《태풍》(1505？)은 폐허가 된 어느 조용한 촌락을 배경으로 하여, 바른쪽 잔디 위에서 젖을 물린 나체의 부인이 앉아 있고 왼쪽 끝에 젊은 병사가 서 있다. 때마침 구름은 낮게 깔려 있으며 번개마저 번쩍인다. 이 그림을 그린 조르조네는 조반니 벨리니 이래 색채를 구사하여 특이한 화풍을 세운 베네치아파를 한층 더 발전시켰다.

그리스의 화가라 명칭 되는 페아레스라면 어느 누구든 그릴 수 없는 태풍을 그렸다는 것은 고대의 기록에 대한 도전이라 여겼다.

그의 《잠자는 비너스》는 밝은 광채 아래 풍만한 미를 드러내어 놓고, 그리스의 조각가도 미치지 못하는 관능미를 현실화하고 있다.

이런 현상은 이탈리아 반도가 나폴리와 교황령을 제외한 수많은 도시국가와 소국들로 분열되어 강력한 군주가 나타나지 못했고 중세 유럽을 지배하고 중세 사람들의 삶을 결정짓던 대표적인 체제인 봉건제가 유독 이탈리아에서는 발전하지 못했기 가능했다.

12세기부터 이탈리아의 각 도시들은 무슬림 해적을 소탕하는데 성공을 거두었고 그 후에 지중해를 장악하여 중계무역의 중심지로 떠올랐기 때문이다. 중계무역 특성상 여러 나라의 문화에 대한 접근성이 높기 때문에 많은 문물이 이탈리아 반도로 들어오기 시작했고 이에 따라 도시의 상인들은 부와 힘을 얻고 교양과 문화적 수준이 높아지기 시작했다

조르조네가 그린 《우르비노의 비너스》(1538？)는 평온한 정원의 정서를 베네치아 시민의 실내로 바꾸어, 한층 더 화려한 색채의 음악적 표현을 더하였다.

계란이 섞이는 프레스코화에 맞지 않는 항구인 베네치아에서는 비잔티움의 모자이크가 애호되었는데,

나중에는 북방에서 전래한 유채화법이 베네치아에서 채용되어 회화 역사상 큰 변화를 몰고 오게 하였다.

르네상스 미술의 개념

유호리아 — Wed, 11 Jan 2023 23:16:34 +0900

❤️ 르네상스 시대 미술

- 르네상스 시대 미술의 개념

중세를 언제부터 언제까지인지 잡는 의견은 다양한데 보통 1453년의 동로마 제국의 멸망이나 1521년의 루터교회의 출현으로 잡으며 1304~1374의 페트라르카의 시대가 중세라는 의견이 많은 편이다.

르네상스 미술은 1400년, 그러니까 14세기 후반부터 16세기 후반까지 이탈리아에서 철학, 문학, 음악, 과학, 기술의 발전을 같이 하면서 서유럽에서 일어난 문화계의 변화한 현상으로 회화, 조각, 공예 등에서 생겨났다.

르네상스는 예술의 부활이라는 의미로 미술이 수단으로 여겨지던 중세 미술에서 탈피하여 미술의 그 자체를 인정해 주던 고대 그리스 로마 시대로 돌아가자는 의미이다.

그래서 르네상스의 기본적인 성격은 고대 그리스, 고대 로마의 복원을 추구한다. 그래서 문예 부흥으로 번역된다.

용어로서 르네상스의 의미는 '재생', '부활'이며 그 어원은 조르조 바사리의 책 1550년의 예술가 열전에서 미켈란젤로 부오나로티의 작품을 해석하면서 그리스와 로마의 재림이라 하여 이탈리아어로 리나시타(rinascita, 부활)이라 거론한 것이 시작이라 할 수 있다.

역사적으로 보면 기독교 중심이었던 중세 봉건 사회가 붕괴되고 상공업을 통한 근대 도시가 발달하면서 신 중심에서 인간의 존엄성을 중심으로 가치가 변화했다. 이때부터 신을 위한 미술이 아닌 인간과 자연의 현실 세계를 위한 미술을 과학적인 법칙을 통해 표현하고자 했다.

일반적으로는 중세적인 문화가 쇠퇴하고 근세적인 문화가 성립하게 되었다고 여겨진다.

교황권이 약화되고 중세 흑사병 등과 도시의 발달 등으로 봉건 제도가 붕괴하는 과정에서 일어난 문화 변화로, 그렇게 중세적 문화를 부정하고 근세적 문화를 성립했다고 생각된다.

프랑스의 역사가였던 쥘 미슐레가 '르네상스(Renaissance, 재탄생)'(re, 다시 + naissance, 탄생)으로 번역하고, 스위스의 역사가였던 야코프 부르크하르트가 확실하게 정의 내린 것이다.

돈의 논리 혹은 배금주의와 반대에 있는 인문주의는 인간다움을 중요시하는 사상이라고 할 수 있다.

다른 말로는 인간주의, 인문주의라고 하기도 하며, 인도주의도 이 범주에 들어간다. 따라서 '인간애'라는 의미로 사용되기도 한다.

부르크하르트는 인문주의자들이 신이 모든 것의 중심인 기독교의 신본주의적 세계관에서 벗어나 인간이 모든 것의 척도였던 고대 그리스, 고대 로마 시절로 회귀하려 한 운동, 즉 인문주의라고 해석했다. 다만 르네상스식 인문주의가 '신으로부터 벗어나는 인간'을 의미한다는 해석에는 많은 반론이 쌓여있다.

그 반론으로는 예술과 문화에서의 성취가 개인에 대한 새로운 태도와 ‘문명화’라는 것이 무엇을 의미하는지 보여주는 미슐레, 부르크하르트, 페이터는 르네상스를 역사의 한 시대라기보다는 하나의 정신으로 바라보는 19세기식 개념을 만들어냈다. 르네상스를 이런 식으로 정의하는 태도에는 문제가 있는데, 15세기부터 계속된 현상에 대한 정확한 역사적 설명을 제시하기보다 그것을 19세기 유럽 사회의 이상향으로 설명한다

❤️ 르네상스 시대 회화의 혁신

르네상스 회화에서는 4가지의 혁신이 나타나게 되었다.

첫 번째 혁신은 멀고 가까운 것을 표현하여 공간감을 나타나게 해 준 원근법이다.
원근법은 브루넬레스키라는 건축가에 의해 처음 발명 되었다. 원근법이란 하나의 소실점을 기준으로 우리 눈에서 가까운 것은 크게 먼 것은 작게 그리는 방법으로 1차원의 평평한 그림에 3차원의 입체적인 공간을 표현하는 방법이다

두 번째 혁신은 밝고 어두움을 통해 입체감을 느낄 수 있게 해 준 명암법이다. 먼저 중세 시대와 르네상스 시대에 그려진 수태고지 그림으로 명암법의 차이를 알 수 있다

중세 시대의 고딕 양식으로 그려졌던 이 수태고지는 선을 위주로 평평한 느낌이 드는 반면에 르네상스 시대의 이 스테고지는 명암법을 통해 어두운 곳과 밝은 곳을 효과적으로 표현하여 입체감이 느껴진다.

세 번째 혁신은 그림의 세밀한 표현을 가능하게 해 주고 내구성을 높여준 유화의 발견이다.
유화는 얀반 에이크라는 화가에 의해서 만들어졌다.

이전에는 가루 형태인 물감 안료를 계란 노른자나 벌꿀에 개어서 사용하는 템페라라는 물감을 사용하여 금방 물감이 썩어버리거나 떨어져 버려 내구성이 낮고 정도가 낮아서 표현이 어려웠다.
얀반 에이크가 계란 노른자 대신 기름을 섞어서 써보았더니 훨씬 내구성도 좋고 부드럽고 세밀한 표현이 가능해지고 그림의 퀄리티가 훨씬 좋아지게 되었다.
네 번째 혁신은 수학적인 비례를 통해 안정적인 느낌을 준 피라미드 구도이다.
피라미드 구도란 마사치오라는 화가에 의해서 보완된 구도로 마치 이집트에 있는 피라미드처럼 그림을 배치하는 방식이다.
피라미드 구도는 특히 레오나르도 다빈치의 작품에서 자주 등장하는데 암굴의 성모라는 이 작품에서도 이렇게 피라미드 구도가 들어있다.

이러한 피라미드 구도는 황금 비례와 마찬가지로 작품을 감상하는 사람들로 하여금 안정적인 느낌을 받게 한다.

❤️ 르네상스 시대 미술의 화파의 특징

- 피렌체 화파

이탈리아에 로마의 유적과 전통이 가장 많이 남아 있기도 했고 교황이나 군주 등 예술의 후원자가 많았기 때문에 이탈리아를 중심으로 르네상스가 나타나게 되었다.

그중에서도 피렌체와 베네치아에서 르네상스의 주요한 화파들이 등장하게 되었다.

마사치오의 아담와 이브의 낙원추방

먼저 피렌체 화파는 마사치오라는 화가를 중심이며 그림에서 인물을 중심에 두었고 명확한 윤곽선을 통해 정확한 형태와 양감을 표현하고 안정적인 구조로 꽤나 과학적이고 이성적인 논리에 의해 그림을 그렸다.

- 베네치아 화파

조르조네의 폭풍

베네치아 화파는 조르조네라는 화가를 중심으로 그림에서 인물보다는 풍경 중심으로 형태나 이성보다는 현실주의적인 감정을 표현하게 되었다.
피렌체 화파와는 사뭇 다르게 빛이나 색 분위기를 중점으로 두며 역동적인 구도를 가지고 있는 등 상당히 감성적인 그림이라고 할 수 있다.

중세 시대 고딕 건축 양식의 역사와 특징

유호리아 — Tue, 10 Jan 2023 19:35:36 +0900

❤️ 중세시대 고딕 건축 양식과 미술

- 고딕 건축의 역사

고딕 건축 양식은 주로 12세기에서 14세기 유럽에 유행했던 건축 양식이다.
기독교의 최절정기 그래서 중세인들의 신앙심이 극명하게 표현되었던 건축 양식이 바로 고딕 양식이다.
순례 열풍과 함께 로마네스크 건축 양식이 지어졌고 로마네스크 이후부터 르네상스가 본격화되기 시작하기 전까지의 유럽에서 유행했던 양식을 고딕 건축 양식이다.
원래 고딕이라는 말이 르네상스 시기에 이탈리아인들이 보기에는 프랑스를 중심으로 세워져 있던 고딕 건축들이 조화라는 측면에서 보면 아름답지 못하다고 생각에서 비롯되었다.

16세기 이탈리아에 조르조 바사리라는 미술 사학자가 있었다.
이 사람은 화가이자 건축가이기도 했는데 바사리는 로마네스크 다음의 시기를 마니아였고 고딕을 예전에 야만적인 게르만 민족 중에 고트족이 있었는데 바로 이런 고트족의 양식이라 하였다.
이 바사리의 시대에는 이탈리아가 미술의 중심지였고 그리스 로마와 같은 이제 고전 미술이 최고였기 때문에 이탈리아 사람인 이 바사리의 눈에는 프랑스 중심의 이런 양식이 천박하게 보였던 것이다.

12세기말, 고딕 건축이 발달하면서 덩달아 발달했다. 프랑스에서 처음 유행한 이래로 서유럽 전반과 알프스 북부에 두루 퍼졌으며, 중세 유럽을 대표하는 미술 양식이 되었다. 지역 차이는 있으나, 고딕 미술 운동은 15세기경까지 계속되어 르네상스로 이어졌다.

- 고딕 건축 양식의 세 가지 양식

고딕 양식에는 세 가지 요소만 체크하면 된다.
먼저 첨부 아치, 플라잉 버트레스, 리브 볼트 이 세 가지를 필수적으로 알게 되면 유럽에 가셔서 로마네스크 양식과 고딕 양식을 구분해서 알 수가 있다.

로마네스크 건축에서 두껍고 넓은 벽면이 제거되고 크고 높은 들창의 형성이 가능해지자 스테인드 글라스가 발달하였다.

13세기까지의 기술은 주로 모양에 맞추어 자른 색유리를 H자형 단면을 가진 납 테에 끼워 한 장의 그림을 조립하고 필요에 따라 쇠 테로 보강하여 창으로 시공하였다. 이것은 게르만 켈트의 전통에 그 근원을 두고 있으며 긴 중세의 역사를 통하여 발달하여 온 소공예(칠보 등)의 색면 대비의 아름다움에, 투과광의 영롱함을 결부시켜 대예술로 발전을 본 것이다.
둥근 모양 아치 로마네스크 양식의 교회는 내부 안에 기둥들이 아취 형태를 가지고 있는 것을 볼 수가 있다.
고딕 양식으로 들어오게 되면 이런 아치들이 뾰족해지는 중간이 뾰족해지는 것을 볼 수가 있다.
그래서 고딕 양식으로 지어진 대표적인 성당이라고 할 수 있는 랭스 성당, 노트르담 성당들을 다 입구가 첨두아치로 되어 있는 것을 볼 수가 있다.
로마네스크 양식으로 지어진 피사의 대성당과 프랑스 앙굴렘 성단과 입구 자체 외관 자체가 확연하게 구분이 된다.

반면에 랭스 성당과 노트르담 성당 고딕 양식으로 지어진 두 성당을 보면 이와 같이 첨두아치 끝이 뾰족한 첨두아치 형태를 하고 있는 것을 볼 수가 있다.
고딕 양식의 대표라고 할 수 있는 사르트르 대성당은 신랑의 높이 즉 주 건물 주 본당의 높이가 36.55m이고 종탑의 높이는 113m가 된다.

또 랭스 대성당은 신랑의 높이가 즉 주 성당의 높이가 38m고 종탑의 높이가 81m이다.
그러니까 고딕 양식으로 지어진 성당들을 보게 되면 그들의 하늘을 향한 뜨거운 신앙심을 이렇게 열정적으로 건축 안에 심어놓았다라고 볼 수가 있는 것이다.
이렇게 높이 솟은 건물을 짓기 위해서는 반드시 버팀목이 필요하고 플라잉 버트리스라고 하는 버팀목이 반드시 들어갔다.

일단 두껍게 만들어 세우고 그다음에 이와 같이 부벽을 대고 그 아래에 낮은 건물을 지어가지고 주벽을 유지했죠. 거기에 공중 부벽을 대어둔다. 이 공중부벽이라는 게 바로 플라잉 버트레스이다. 이 벽은 낮은 건물을 지어서 보정을 하고 첨탑을 지어서 첨탑으로 이 부벽의 높은 부분이 잘 유지될 수 있도록 힘을 받쳐주는 형태 이것을 일컫는 것이다.

본당의 벽에 창문이 굉장히 크게 나는 것을 볼 수가 있다.

퀼른 대성당은 창문이 크게 났고 천장이 높게 만들어서 그들의 신앙심을 표현했고 그 안에 빛으로 채워서 지상에서 천국을 경험하고 싶어 했다.
그 벽 위에 넓은 창들이 스테인 글라스를 통해서 빛을 받아서 성당에 아주 신비한 그런 느낌으로 빛을 쬐는 것이다.

랭스 대성당의 외관은 너무나 웅장한데 재단이 있는 엡스라고 하는 부분은 바깥에서 보면 첨탑이 올려져 있다.
건물의 외벽을 따라서 첨탑과 플라잉 버트레스가 건물을 지지하고 있는 모습을 볼 수 있고 큰 창문들이 계속 이어져 있으며 이 창문에서 스테인글라스를 통해서 빛이 비쳐서 건물 안이 환하면서도 신비한 빛으로 가득 차 있는 느낌을 가진 건축이 만들어지게 되는 것이다.

세 번 째는 리브 볼트인데 늑골 궁륭이라 불린다.
고집 건축은 정상의 높이만 30~40m 이상 되기 때문에 천장이 돌로 된 천장이기 때문에 그것을 유지하기 위해서 얇은 갈비뼈 같은 그런 기둥들을 많이 필요하다.
이 천장에 첨두 아치 형태의 얇은 갈비뼈와 같은 기둥들이 밑에까지 내려와서 하중을 천장으로부터 내려온 하중을 견디게 만드는 것을 볼 수가 있다.

고딕 양식이 오게 되면 리브 볼트 양식은 천장에 얇은 기둥들을 세워서 하중을 분산시키는 그런 전형적인 고딕 양식의 교회를 볼 수가 있다.
어두운 성당 안은 영롱하게 비치는 스테인드글라스의 색과 빛 속에 완전히 종교적인 분위기가 넘치게 되었다. 전형적 작품 예로 샤르트르 대성당의 150개에 가까운 크고 작은 창이 모두 스테인드글라스로 장식되어 있다.

이 시기에는 사실적 경향의 발달과 더불어 순수한 공예는 점점 쇠퇴하나 사본류는 13세기의 파리를 중심으로 성행하였다. 교회에 귀속하는 것보다 귀족의 주문에 의한 것이 많고 랭부르 형제의 작품인 <베리공의 매우 호화로운 기도서>는 그 좋은 예이다. 북프랑스를 중심으로 발달한 고딕 회화는 후에 플랑드르 파의 탄생을 맞게 되는 것이다.

로마네스크 미술과 중세 순례자의 길

유호리아 — Mon, 9 Jan 2023 16:47:10 +0900

❤️ 로마네스크 시대 미술

- 로마네스크 시대란?

0세기부터 12세기(지역에 따라서는 13세기 전반까지를) 로마네스크 시대라 부른다.

넓은 영토를 가진 프랑크제국이 분열되고, 노르만인, 사라센인 등의 거듭되는 침입으로 서유럽에 혼란과 공백이 계속되는 사이에 각지의 봉건 제후는 세력을 강화하고 고대 로마의 영향을 크게 받아서 로마네스크라는 칭하며 각지에서 부흥한 수도원을 단위로 해서 창조되는 것이 각광받는 일이 생기며 중앙집권제는 붕괴되었다.

로마네스크 미술은 대략적으로 기원후 약 1,000년부터 고딕 양식이 13세기 이후에 나타날 때까지의 서유럽의 미술을 말하며 두꺼운 석조의 벽체(壁體), 아치, 돔을 가진 건축에 끼친 고대로마의 영향을 크게 받아서 로마네스크(로마풍)라는 건축 양식이 대표적인 사항이다.

- 로마네스크 시대의 역사적 사건

AD 395년에 동서 로마가 분열을 하고 동로마 제국은 분열되어서도 천년 이상은 유지가 되지만 서로마 제국은 금방 망했다. 그것은 라인강 북쪽에 있었던 게르만 민족들이 밀고 내려왔기 때문이다. 게르만. 민족은 그들 옆에 갑작스럽게 등장한 훈족 때문에 서쪽으로 피난을 내려왔다. 기존의. 서로마 제국 영토를 게르만 민족들이 차지하게 되면서 이제 중세가 시작이 되는데 수많은 전쟁이 있었고 프랑크 왕국이 지금의 유럽 전체를 통일하게 되었다.

교황은 800년에 카를로스 대제에게 서로마 제국 황제 서로마 제국의 전통을 잇는 황제가 된다. 오늘의 프랑스 독일 이탈리아의 근간을 이루게 되었다. 그래서 우리가 알고 있는 유럽의 대체적인 모습이 9세기 또는 10세기 경에 완성이 되었다. 5세기에서.5세기에서 10세기 중세인들은 고단한 삶에서 벗어나 삶의 근본적인 해답을 찾고자 하는 욕구가 생겼고 내세의 천국으로 갈 수 있다면 그들은 현실을 감내할 수가 있었다.

중세 기독교인들은 천국에 가려면 죽기 전에 일생 동안 저지른 죄를 용서받아야 된다고 믿었고 성지 순례는 가장 확실한 참여의 방법으로 등장하게 되는 것이다.

그 당시에 그 험한 길들 미지의 길들 그리고 온갖 도적과 강도와 온 위험이 산재해 있는 그곳을 그들은 열정 종교적인 신념을 가지고 그 길을 찾아갔었던 것이다. 그런데 11세기 들어오게 되면 십자가 운동으로 성지순례 운동이 막히게 되었다.

그 와중에 뜻밖에도 상대적으로 덜 위험한 장소가 중세 유럽 기독교인들의 마음을 사로잡기 시작했고 그것이 바로 산티 야곱의 콤포스텔라이다. 야고보 성인이 예루살렘에서 순교를 당한 후에 제자들이 빈 배에 시신을 실어 보냈는데 그 배가 스페인 해안까지 떠내려왔고 거기에 어느 곳에 묻혀 있다가 800800년에 야고보 성인의 유해가 발굴됐다. 그 소문이 유럽에 기독교인들에게 퍼지자 산티아고 데 코페스타라까지 가보자 하는 순례 행렬이 붐을 이루게 된다. 본래의 예루살렘과 또는 로마 레지아가 있는 순례의 목적지였는데 이제 새롭게 산테아고도의 코페스테라라고 하는 새로운 목적지 야고보 성인의 유해가 묻혀 있는 이곳이 새로운 순례길로 등장하게 된 것이다. 야고보 성인의 별이 빛나는 들판이라는 뜻이 산티아고 데 콤베스텔라이다.

산티아고 대 콘페스텔라에 세워진 성당이 최종적인 순례의 목적지가 되었다. 이곳에 가기 위해서는 프랑스의 내 4개의 출발점은 모두 성당에서 출발을 하게 되겠다.이와 같은 순례 열풍은 수많은 편의시설을 제공해야 하고 편의시설을 만들다 보면 새로운 도시들도 만들어지게 되었다. 그다음에 기존의 도시들도 새로운 순례객들을 맞이하기 위해서 대규모 성당을 짓고 또 도시의 모습을 새롭게 꾸미고자 하는 그런 열풍이 불기 시작했다. 그래서. 전 유럽의 11세기 12세기에 동시다발적으로 새로운 성당들이 세워지게 되었다.

- 로마네스크 시대의 건축 양식과 대성당

11세기 12세기에 이처럼 새로운 형식의 교회를 짓고자 하는 그 사람들이 어떤 일정한 형식이 필요했다. 그래서 그 당시에 지어졌던 교회들을 일컬어서 로마네스크 건축이라고 하는 것이다.

로마네스크라는 말은 뭐냐면 로마의 건축 양식을 그대로 따라와서 교회를 지었다 해서 로마를 닮은 로마식의 로마네스크 건축이 유행하게 되는 것이다. 로마의 건물 그러면 여러분 콜로세움을 대표적으로 떠올리게 되는데 콜로세움의 대표적인 건축 구조하면 아치를 말하겠다. 피사의 대성당이 보게 되면 아치의 연속이라고 볼 수가 있겠다.

아치는 위가 둥근 모습을 하고 아치가 길게 공간을 확보한 형태를 베롤 볼트라고 했다. 이. 로마네스크 양식으로 지어진 교회들을 보게 되면 이렇게 둥근 천장의 모양을 가지고 있는 볼트 천장을 가진 긴 복도를 가지고 있는 건물이 지어지게 된다. 천장을 돌로 된 볼트 천장으로 만들고 돌을 이 위에 얹어놨기 때문에 하중이 많아졌다. 이것을 견디기 위해서 기둥과 벽이 두꺼워지고 상대적으로 이 하중을 견뎌야 되기 때문에 창문을 크게 할 수가 없었다. 따라서 실내가 약간 어두운 형식의 로마네스크 양식의 교회들이 지어지게 되었다.

이것은 기독교 공인 이후에 로마의 공공 회당이었던 바실리카 형식의 예배당을 지었던 것과 대조가 되는데 바실리카 양식은 우선 천장이 나무로 되어 있고 그에 비해서 로마네스크 양식의 교회들은 볼트식의 모양을 가지고 하중을 견디기 벽과 기둥들이 두꺼워야 했다.

안에 공간 볼트 공간이 마련되어 있는 로마네스크 양식은 십자가 모양을 하고 있다. 아치가 길게 공간을 확보한 채 펼쳐져 있는 것을 볼트라고 하고 베롤 볼트라고 합니다. 그런데 양쪽으로 교차되는 볼트를 그로인 볼트라고 하는데 그로인 볼트 위에 돔이 이렇게 세워지거나 아니면 이 위에 종탑이 만들어졌다. 피사의. 사탑으로 유명한 피사 성당인데 로마네스크 양식의 교회는 또 이렇게 종탑을 따로 만들어 놓기도 했다.

피사의 대성당과 피사의 사탑

우리가 알고 있는 피사의 사탑은 사실은 피사 대 성당의 부속물로 깔려 있는 종탑이다. 로마네스크의 앞쪽에 창은 원형으로서 장미와 차륜 그러니까 바퀴 모양의 어떤 구조물을 사용해서 채광이 될 수 있도록 빛이 들어오게 하고 그 모습을 좀 신성하게 만들어 놓았다. 산티아고 순례길과 로마네스크 건축 양식은 동시대에 같이 있었던 사회 현상이라고 할 수 있겠다.

로마네스크의 조각은 고전적 조형의 전통을 가진 남부 지방인 프랑스나 에스파냐가 전개의 중심지로 교회 건축의 일부를 이루는 주두나 팀펀(입구 상부의 아치를 막는 반원형의 석판), 또는 입구의 옆쪽과 제실의 외벽 등의 공간을 메우고 있는 조각이 가장 잘 대표적이다.

11세기 중엽 이후의 프랑스의 클뤼니 수도원에 속하는 일파의 활동 영향은, 중세조각의 양식 보급에 큰 역할을 하였다. 오턴, 베를레, 소류 등 클뤼니 파(派)의 사원은 오늘날 로마네스크 조각의 보고가 되어 있다. 신의 모습을 공공연히 표현하는 것은 종래의 기독교 미술 중에는 드문 일이었다. 그러나 문맹의 농민에 대한 포교 장소가 되어 있던 교회에서는 사람의 모습을 한 신이나 성서의 이야기가 많은 곳에 표현되어 있다.

동로마, 서로마의 역사와 함께 한 비잔틴 미술

유호리아 — Sun, 8 Jan 2023 17:46:22 +0900

❤️ 비잔틴 시대 미술

- 비잔틴 시대 미술의 역사적 흐름

로마 제국의 수도를 로마에서 지금의 터키 이스탄불인 콘산티노플로 옮긴 것도 중요한 역사적 사실이다.

395년 로마 제국의 동서로 분열되었고 476년 서로마 제국은 게르만의 침입으로 멸망하고 말았다.

이 시점이 서양 중세의 시작으로 중세는 1400년까지 1천 년 동안 이어진다.

반면 동로마 제국 즉 비잔틴 제국의 역사는 1453년까지 이어진다.

서양 미술사는 로마 제국이 기독교를 인정한 시점부터 동서 로마 제국의 분열 이후 서로마 제국 지역에서 나타난 점들을 역사적인 맥락으로 서술하고 있다.

로마제국은 영토가 너무 넓어져서 4등분 하여 다스리게 되었다. 아시다시피 로마는 끊임없이 영토를 넓히다 보니까 나중에는 너무나 이 영토가 비대해져 가지고 황제 혼자서 도저히 다스릴 수가 없어 4명의 황제를 나누어주는 사분령이라고 한다.
그런데 이게 4명의 황제가 나중에는 6명까지 늘어나게 되었다.

이렇게 되니까 황제 중 한 명이었던 콘스탄티누스라는 황제가 다른 황제들을 정리하고 강력한 경쟁자인 막센티우스하고 최후의 일전을 하여 콘스탄티누스가 라바룸이라 표식을 천사에게 받아서 결국 막센티우스를 이겨서 서쪽 로마 지역의 대권을 잡았다.
서로마의 단독 황제가 된 콘스탄티네스는 동남아 황제는 서로마 황제의 말을 들을 수밖에 없었다.
두 사람이 합의 하에 313년에 기독교를 공인하는 밀라노 칙령을 내리고 결국 동쪽에 있던 황제마저도 굴복시키고 드디어 콘스탄티누스는 로마 제국의 유일한 황제가 된다.
그런데 문제는 서쪽에서는 게르만족이 자꾸 침략을 하고 그리고 동쪽에서는 페르시아인들이 자꾸 침략을 했다. 그러다 보니까 콘스탄티누스가 수도인 로마를 떠나서 당시에 경제적인 중심지이자 전략적인 요충지인 이 비잔티움으로 수도를 이전을 했다.
이 비잔티움이 오늘날의 터키에서도 이스탄불이다.
비잔티움을 자신의 이름으로 명명해 콘스탄티노풀이라는 이름을 짓게 되었다.
서쪽 지역이 통치자가 비어버리니 서쪽 지역에다가 황제를 한 명 두고 다스리게 했다.
하지만 나중에는 결국 로마 제국은 두 곳으로 갈라지게 되었다.
그런데 게르만족이 서쪽 지역에서 계속 밀고 내려오다 보니까 결국 476년에는 서로마의 마지막 황제가 이제 폐위돼 버리고 게르만족에 의해서 결국 서로마는 망했다.
서로마는 망했지만 기독교는 그대로 남아서 오히려 서로마 기독교의 책임자인 교황의 영향력이 더 강해졌다.
동서가 이렇게 분열되었지만 완전히 남남이 된 것은 아니고 어느 정도 관계는 유지했다는 것이 중요하다.

❤️ 비잔틴 시대 미술의 특징

- 비잔틴 시대 미술의 실제 표현 방법과 특징

초기 기독교인들은 우상이나 신상을 떠올리게 하는 조각상 제작에는 반대를 했다.
하지만 회화는 성경의 내용을 전달해주는 기능을 하니까 필요하다고 생각했다.
그러다가 결국 6세기 말에 서로마에 있는 그레고리우스 교황이 이를 지지해 준다.
하지만 그냥 아무렇게나 될 수 있는 게 아니고 정해진 규칙이 있었다.
조건: 단순하게 그리되 시선을 다른 곳으로 분산시키는 요소들은 배제하자 그래서 결국 사실성에 입각한 그림들은 꺼려지게 되었다.
바로 모자이크가 유행하게 된 이유가 생겨났다.
기독교 미술 초기에는 모자이크가 유행했는데 여기에서는 몇 가지 이유가 있다.
일단은 모자이크가 유행한 이유로서는 첫 번째가 헬레니즘 시기의 영향이라 할 수 있고 헬레니즘 시기에는 부유한 사람들이 모자이크를 많이 이용해서 대중화시켰다. 그런 점에서 그림보다 비싸니까 나는 이만큼 부유하다.라고. 부의 과시가 될 수 있었다.
두 번째는 당시 미술 양식의 영향이라고 되어 있는데 모자이크는 돌이나 유리 조각을 자른 것이라서 아무리 잘 만들어봤자 회화보다 사실성이 떨어질 수밖에 없다. 하지만 기독교 미술에서는 이제 더 이상 사실성이 중요하지가 않았다. 그러니까 이 모자이크의 투박함도 용인이 될 수 있다.
세 번째로 신비로운 이미지라고 했는데 기독교 이전의 신들은 인간성도 갖고 있고 서로 지지고 볶고 싸우며 여러 모습을 보여 주었다. 그리스 로마 신화의 신들은 인간적인 모습도 있고 자연적이고 구체적인 존재였지만 기독교의 신은 영적인 존재이기 때문에 뭔가 신비로운 이미지를 사람들이 추구하게 되었다.
모자이크는 의도적으로 표면을 울퉁불퉁하게 만들어 가지고 빛이 반사되니까 빛의 반사에 따라서 신비로운 이미지가 만들어질 수 있다.

오병이어의 기적

가운데의 예수님이 계신 이 모자이크는 오병이어의 기적이라고 한다.
5개의 빵과 두 개의 물고기로 수많은 군중을 먹이신 기적을 나타낸 것을 표현한 것이다.
일단 이 예수님이 입으신 옷은 로마의 황족을 상징하는 자주색 의상을 입고 있고 제자들이 예수님에게서 빵과 물고기를 지금 받고 있다. 그런데 받는 장면을 가만히 보면은 직접적으로 손을 터치하는 게 아니라 제자들이 옷으로 손을 가린 채 물건을 받고 있다.
이것은 당시 일반인들이 황제의 손에 직접 접촉을 할 수 없기 때문에 이걸 막으려고 이런 식으로 손에다 무엇인가를 감싸고 했다고 한다. 이게 바로 반영이 된 것이라 할 수 있다. 즉 여기서는 예수님이 황제의 모습으로 나와 있는 것이다.

옷주름을 보면 예수님에게서 뭔가를 받으려고 팔을 틀었는데 거기에 따라서 옷주름들이 이렇게 세부적으로 이렇게 잘 표현되어 있다. 그리고 바위들을 보면 여러 가지 색깔을 칠해가지고 어느 정도 입체감을 드러내고 있다.
아마도 이걸 만든 사람은 그리스 미술에 대해서 어느 정도 알고 있었고 다만 단순 명확하게 만들으라는 원칙이 있었으니까 거기에 충실하게 이걸 제작했다.

❤️ 서로마 동로마의 갈등과 비잔틴 미술

- 서로마와 동로마의 갈등

서로마의 교황 그레고리우스 1세가 그림으로 성경의 내용을 묘사하는 것은 허용했다
서로마 쪽은 더 이상 논란이 일어나지 않았지만 동로마 쪽은 논란이 끊이지 않았다.
서로마는 교황이 기독교의 총책임자이고 성직자의 임명권을 가지고 있었는데 그에 반해서 동로마는 세석권과 기독교를 모두 틀어쥐고 있는 사람은 황제였다.
그런데 동로마 즉 비잔틴 제국의 황제 레오 3세가 730년에 성상 숭배를 금지하는 칙령을 내렸다.
조각상은 물론이고 이제 페어로도 그리스도나 성녀 등을 그릴 수가 없게 된 것이다.
그리고 이걸 자신들뿐만 아니라 서로마에도 강요를 했다.
당시 동서 로마는 서로 갈라졌지만 로마 교황이 동로마에 세금을 내고 간섭도 받는 그런 처지였다.
하지만 성상 숭배 금지령을 받아들일 수는 없었다. 왜냐하면 당시 서로마는 게르만족의 세상이었기 때문에 이들을 포교하려면 구체적으로 보여줄 게 필요했기 때문이다.

결국 이 문제로 두 로마는 완전히 남남으로 갈라지게 되었다.
그 후에 동로마는 레어 5세 때 또 한 차례의 성상 숭배 금지령이 내려졌다가 이 금지령이 점차 지지를 잃어서 결국엔 성상 숭배를 허용한다.
이제는 미술가들이 마음대로 막 그리게 된 것이다. 하지만 이런 것까지 허용할 수는 없으니까 어떤 정해진 틀에 맞춰서 그리도록 했다. 그러한 그림을 이콘이라고 한다.
비즈틴 제국은 그리스 문화의 영향을 받았기 때문에 그리스 문화의 관념을 따르도록 했다.
성모의 옷이 그리스의 조각상을 보듯이 주름이 잡혀 있고 약간 딱딱한 느낌이 나게 마치 조각한 것처럼 표현되었다. 얼굴이 그냥 단일색으로 평평하게 친해진 게 아니라 명함도 있고 나름대로 입체적으로 표현했다.
그리스 헬레니즘 시기의 특징이 얼굴에 입체감이 있고 그리고 조각상에 새겨진 주름 같은 것이다.
성모의 무릎 부분이 빛의 반사가 일어나도록 금빛으로 표현하거나 빨간색 의복이라든지 보라색 혹은 진홍색 같이 황족의 색으로 표현했다.

초기 기독교 미술의 역사와 의의, 바실리카 양식

유호리아 — Sat, 7 Jan 2023 19:35:44 +0900

❤️ 초기 기독교 미술

- 초기 기독교 미술의 역사와 특징

서양 미술사에 등장하는 첫 번째 시기는 초기 기독교 미술의 시대로 밀라노 칙령이 발효된 313년에서부터
서 로마 제국이 멸망한 476년까지 나타난 미술을 가리킨다.

4세기 중엽에는 드디어 로마가 그리스도교 미술을 자기들 안에 인정하는 시기로 넘어가는 시기이다.
초기 기독교 미술에서 가장 중요한 순간이 있다면 313년 콘스탄티니스 황제의 밀라노 칙령을 우리가 눈여겨볼 수밖에 없다.
313년을 중심으로 그 이전까지 기본적으로 로마는 기독교 세계에 대해서 제국의 종교로 받아들이지 않았다.
하지만 313년을 중심으로 로마 제국은 그리스도교 신앙을 허용했을 뿐만 아니라 점차 점차 이 신앙을 중심으로 제국의 정치 사회 경제적 가치를 모두 바꾸게 콘스탄티누스 황제 이전 시기는 그리스 로마 신화라는 누구나 다 아는 유명한 신화가 있듯이 다양한 신을 섬기는 다신교 시대였다.
유일신 사상인 기독교와는 당연히 마찰이 있을 수밖에 없다.

로마 시대 기독교인들은 큰 박해를 받고 자신의 신앙을 숨겨야만 했다.
카타콤에 숨어서 눈에 띄지 않게 자신들만의 기독교 의식을 치렀다고 한다. 이렇게 당시 기독교인들의 중심적인 역할을 했던 카타콤에선 암호문들과 함께 종교적 색채의 벽화들이 발견되기도 한다.
이런 그림들은 로마 벽화의 양식적인 특징이 보이기도 하지만 주된 내용은 역시 성경의 내용과 구세주 그리스도와 관련된 이야기들이다.
당시 기독교인들은 이를 통해서 천국을 희망하면서 자신의 신앙을 지키길 간절히 원했을 것이다. 이렇게 박해받던 기독교는 313년 콘스탄티누스 황제가 밀라노 칙령을 통해서 기독교를 공인하면서부터 상황의 반전을 맞게 된다.

초기 기독교 미술을 이해하고 어떻게 공인되었는지 살피기 위해서는 콘스탄티노스가 로마 제국의 단독 황제가 되는 과정을 살펴보아야 한다.
312년 10월 28일 로마의 밀비우스타리에서는 로마 제국 최고의 자리를 두고 콘산티누스 1세와 막센티우스 사이에 최후의 결전이 벌어졌다.
그런데 전투를 앞두고 콘산티누스는 꿈에서 환영을 보게 된다. 하늘에서 천사가 내려오더니 십자가를 보여주며 이 표식으로 승리하리라는 말을 전해 준다. 영문을 몰랐던 황제는 방패와 깃발에 십자가 문양을 그려놓고 전투에 참여했다. 십자가를 앞세운 콘살티로서의 군대가 대승리를 거두었고 콘산티누스는 로마 제국의 단독 황제가 되었다.

이런 신비한 체험을 한 콘산티누스는 313년 밀라노 칙령을 통해 기독교에 대한 자유로운 종교 활동을 보장해 주고 380년 테오도시우스 황제 때 이르러 테살로니카 칙령으로 기독교는 로마 제국의 국교가 되었다.

이렇게 지하에서 올라온 기독교인들은 숨어서 모이는 것이 아니라 당당하게 공개된 장소에서 교회를 짓고 모이기 시작한다. 넓은 공간이 필요했고 찾다가 바실리카를 대안으로 삼게 되었다.

바실리카라고 부르는 실내 공공건물이었다.
바실리카는 로마 시대의 공공건물로 물건을 사고파는 시장이 열렸고 재판이 이루어지기도 했다.

초기 기독교 건축에서 말하는 바실리카 양식의 교회들이 바로 이런 교회들이다.
로마네스크 고딕으로 이어지는 이 바실리카 양식은 로마 시대 많은 사람들이 모이는 장소를 바실리카라고 했다. 많은 사람들이 모일 수 있도록 길게 늘어진 직사각형, 장방형의 넓은 건물을 말한다.
바실리카를 양식은 넓은 복도와 기둥 이 기둥이 열을 맞추어서 늘어져 있는 것을 열주, 이 열주 옆에는 측랑이 있고, 또 끝 공간에 재단이나 기도실을 설치하기도 했다.
가톨릭에서는 이 바실리카를 교황이 인정한 특별한 성당들을 의미하는 단어로 쓰기도 한다. 로마 가톨릭에서는 대 바실리카라고 불리는 성당은 단 4개밖에 없다고 한다.

바실리카의 형식으로 로마에 처음 지어진 몇 개의 교회들이 있는데 그중 가장 대표적인 곳이 옛 성 베드로 대성당, 살바울로 포리의 무라 산타마리아, 마주어의 산지오바니 인 라테라노가 있다. 물론 이들은 훗날 신축되거나 새로운 양식이 가미되면서 모두 처음 지어졌던 원형을 그대로 간직하고 있지 않다. 그중 가장 중요한 교회가 바로 성 베드로 대성당이다.

바티칸의 성베드로 대성당 정면 나무위키 사진

지금 우리가 알고 있는 바티칸 성베드로 대성당은 르네상스 이후에 재건된 것으로 이것과 구분하기 위해 첫 번째 지어져 훗날 사라진 교회를 옛 성베드로 대성당이라고 부른다.
바실리카 형식으로 지어진 옛 성베드로 대성당은 훗날 교회 건축의 발달에 모범을 제시해 주었다.

바슬리카 건축 양식을 구성하는 세 가지 요소들을 알아보면 다음과 같다.
교회의 건축 구조가 바슬리카 양식이라고 불리기 위해서는 첫째 3개 이상의 통로를 가지고 있어야 한다.
둘째 친랑보다 신랑의 천장이 높아야 한다. 세 번째 중앙 통로인 신랑 상단 벽면에 채광창이 열 지어 있어야 한다.
이 세 가지 요소를 모두 갖추고 있을 때 바슬리카 양식이라고 부를 수 있다.

바세리카 형식을 모범으로 서양 미술사의 교회 건축 양식은 지속적으로 진화해 갔다.
대성당의 시대로 일컬어지는 중세 고딕의 웅장하고 화려한 교회 건축도 바실리카 형식을 기본으로 발전한 것이다.
이처럼 초기 기독교 미술의 가장 중요한 미술사적 의의는 고대 로마의 바실리카로 교회 건축의 모범이 될 형태를 찾아냈다는 것이다.
서양 미술사에서 건축은 아주 중요한 부분을 차지하는데 특히 기독교 미술이 지배적인 중세 미술은 교회 건축을 중심으로 발달했으며 교회를 장식하기 위해 회화와 조각이 나타났다는 사실을 기억할 필요가 있다.

비엔나 창세기의 일부

초기 기독교 미술을 이야기할 때 빠질 수 없는 것은 이 바실리카뿐만이 아니다.
성경 필사본 역시 초기 기독교 미술의 중요한 특징 중 하나이다. 기독교의 중심이 되는 성경이기 때문에 아주 당연히 정성스럽게 손으로 옮겼다. 이러한 필사본에는 정성스럽게 그린 세밀화들이 남아 있다.
또 이러한 필사본은 양피지에 남겨져 있었는데 송아지나 양의 가죽으로 만들어진 아주 고급 재료로 더 세밀하게 그림을 그릴 수 있었다.
초기 기독교 미술에서 남겨진 세밀화들은 기독교적인 의미의 도상(이콘)의 시작점이라 할 수 있겠다.

서양 중세 미술의 특징

유호리아 — Fri, 6 Jan 2023 01:29:37 +0900

1. 초기 기독교 미술

콘스탄티누스 황제에 의해 기독교 관용령이 공포되기까지의 300년간 걸린 기독교는 기원 1세기 초에 생겨서 역대 황제에게 계속 박해를 받았다. 로마의 국민들은 불안이 높아져 제정 말기에 가까워짐에 따라 퇴폐적 경향과 국정의 불안으로 정신적 구제를 찾는 기독교인들은 많이 늘어갔다.

기독교의 전신인 유대교가 우상숭배를 금지하고 있었기 때문에, 초기 신학자 사이에도 그의 옳고 그름을 둘러싼 논쟁이 있어 종교미술로서의 발생이 저지되었고 황제의 박해로 인해 공공연한 활동을 할 수 없었기에 1세기에서 시작되어, 5세기경 동방에서 비잔틴 미술, 서방에서는 메로빙거 왕조 미술의 시대가 출현하기까지, 주로 로마를 중심으로 한 기독교 미술을 초기 기독교 미술이라고 부른다.

2. 비잔틴 미술

비잔틴 미술은 동로마 제국의 예술품으로 4세기 경부터 콘스탄티노폴리스의 함락에 이르는 시대에 나온 미술품을 말한다.

로마 제국 전역에 퍼져 있던 기독교는 게르만 여러 민족 사이에도 깊이 침투되어 있다. 로마제국이 쇠퇴하기 시작한 4세기경부터 게르만의 여러 민족이 각지에 침입하여 새로운 지배자로서 머무르게 되었다. 고대제국의 붕괴로부터 소위 로마네스크 미술이 생겨났던 10세기경까지의 사이를 넓은 의미의 중세초기라고 부르고 있다. 전기에는 강력한 통일국가도 없으며, 토지개발도 충분히 진척되어 있지 않을 뿐만 아니라 문화적으로도 지역차가 컸다. 비잔틴제국의 교회 내에지배자도 5∼7세기에 걸쳐 점차 기독교(가톨릭)로 개종하고, 프랑크 제국을 중심으로 서구적 기독교 미술이 형성되는 길이 열렸다. 근년에는 8세기 중엽을 경계로 하여 전기를 메로빙거 왕조 시대, 후기를 카롤링거 왕조시대로 구분하여 취급하는 경우도 있다.

3. 카타콤베의 미술

로마 주변 특히 아피아 가도를 따라 만들어진 상 칼리투스, 도미틸라, 프레테스에 있는 것이나 로마 시내의 상 아그네제, 프리실라에 있는 것이 유명하나, 나폴리, 시라쿠사, 알렉산드리아 등 로마 이외의 지방에서도 발견되고 있다. 로마 시내에는 신자인 귀족의 사저 지하실에 제실이 만들어져 있는 것도 적지 않았다. 박해를 피해서 숨은 사람들은 지하묘실에 제실이나 예배실을 만들어 매일매일의 신앙생활을 지켜 나갔다.

이 지하 제실을 카타콤베라고 부른다.

자기들의 예배 장소를 아름답게 장식하고, 마음의 평안을 얻으려는, 가장 소박한 이유에서 생겨난 초기의 장식은 식물이나 신화의 세계를 묘사한 세속적인 것과 별반 차이가 없었다. 그러나 점차 이러한 주제에 신앙적인 의미가 부여되자 단순한 장식도 하나의 상징이 되었다.

초기의 것은 폼페이의 벽화 등과도 공통점이 많은 헬레니즘 미술의 기술을 이용한 것이었다. 주제는 신이나 복음서의 내용 자체가 아니고 허다한 상징을 통한 표현이 행하여졌다. 카타콤베 내부는 지하에 여러 층을 이루면서 종횡으로 뚫린 갱도를 파서 주위 벽면 곳곳에 사자를 모시는 감실을 배치하고, 여기저기 광장을 만들어 이곳을 그들이 예배 장소로 사용하였다. 벽이나 천장은 벽화나 부조를 이용하여 장식하고 있다. 지하 제실의 장식은 에트루리아 시대의 옛날부터 있었던 습관이다. 카타콤베의 장식 양식은 시대적으로도 변천을 겪었다. 목자, 포도 무늬, 어린 양 등은 성서에서 유래된 것과 전원 풍경과 로마 신화에서 취재된 낙원의 그림 등이 주된 표현은 헬레니즘 미술을 그대로 계승한 것이었다. 이 외에 공작, 성령이나 죽은 자의 영을 천상으로 옮기는 사자로서의 비둘기, 부활을 의미하는 불사조 등이 기독교적 상징으로 자연주의적 표현에 의해 취급되었다.

4. 바실리카식 교회당

산비탈레 성당

콘스탄티누스 황제가 세운 성 피에트로 인 바티카노, 라테라노의 성 조반니, 성 파울로 폴리 레 무라, 성 마리아 마지오레 사원, 성 사비나 사원, 성 클레멘테 사원에서 그 예를 찾을 수 있는 바실리카식 교회당이다.

전자는 제실 이외에 보다 큰 공간이 필요하였다. 초기 기독교가 채택한 교회 건축의 한 양식은 바실리카식이었다. 고대사에 거래소·재판소 등, 바실리카라고 불리는 공공건물 형식과 유사하다 하여 이러한 이름이 생겨난 것이다.

기독교 교회와 고전시대의 종교적 신전 사이의 커다란 차이점은 후자가 단순히 신이 거처하는 집인 데 대해, 전자는 신의 주거인 동시에 신도가 그곳에 모여 예배상의 의식이나 집회를 행하는 장소였던 점에 있었다. 따라서 . 바실리카식 회당의 기원은 근년에는 교도 박해가 적었던 오리엔트 지방에 있던 교회 건축과, 이탈리아 남부 캄파니아 지방의 민가 양식이 구 바실리카에 상호 영향을 준 것이라고 생각되고 있었다.

기둥은 네이브의 주벽을 받치기 위해 창과 평행으로 세워졌으나 아치 구조가 발전됨에 따라 기둥 사이는 넓어진다. 지붕은 처음에는 목조의 박공 형태였으나 후에 석조의 아치 구조로 발전하였다. 애프스의 돌로 된 지붕 내부 및 제실과 네이브를 구분하는 아치형 부분에는 모자이크 장식이 되어 있다.

제단 앞에는 승려가 의식을 행하기 위한 장소인 비머가 네이브와 직각으로 폭넓게 교차되어 있다. 비머는 후세, 특히 중세의 트랜세프트(좌우에 붙은 낭하)로 발전하여, 十자형 플랜을 구성한다. 후기에는 비머 앞에 성가대석이 놓인다.

5. 집중양식

로마의 성 콘스탄차는 묘실로부터 개축한 집중식의 좋은 예인 집중양식이다.

초기 기독교 시대의 또 다른 건축 방식으로 집중식이 있다. 로마 시대의 묘당·욕당·신전 등으로부터 발달하여, 주로 세례당의 건축양식으로 쓰였다. 오래된 것은 다 소실되었으나 이것이 비잔틴 미술에 끼친 영향은 지대한 것이었다. 기둥의 열을 원형으로 배치하고 둥근 지붕을 씌우는 원당 또는 팔각당 형식이다. 아르메니아나 소아시아는 일찍부터 기독교국이 되었고 또 돔 형식이 발전된 곳으로써 독특한 돔 건축이 있었던 것 같다.

6. 모자이크

이집트에서 시작되어 폼페이나 엘코라노를 거쳐 발달된 모자이크화는 힘찬 선과 호화로움을 표현하는 점에, 새로이 세력을 넓혀가는 기독교 미술의 정신과 동방적인 취향에 적합한 바가 있었다.

5세기 초의 산타 마리아 마지오레 사원 서쪽에 신·구약 성서가 벽면에 도해되어 있다. 이것은 기독교가 국가 보호하에 적극적인 태도로써 새로운 권위로 등장해 간다는 사실의 표현인데, 표현 방법은 오히려 종래의 자연적 형체를 추구하는 사실적 방법을 벗어나 인상적·추상적인 것이 된다.

이것은 형체의 간결과 강조를 통하여 교의 설명을 용이한 것으로 하는 동시에, 기독교 신앙의 모체가 된 동방의 전통이기도 하였다.

이들 교회 건축은 이탈리아의 강한 일광을 피하여 두꺼운 벽으로 덮여 있으나, 이러한 큰 벽면을 메우는 데 가장 많이 쓰인 것은 모자이크였다. 초기의 작품에는 아직 카타콤베와 공통되는 헬레니즘적 목가적, 또는 장식적인 소박한 상징성을 나타내는 것이 있었으나, 4세기말의 산타 푸덴치아나에는 12 사도에 둘러싸인 그리스도가 예루살렘 거리와 골고다 언덕에 서 있는 십자가를 눈앞에 그리는 장면이 있다.

7. 공예

기독교적 의미를 갖는 상징적인 도상이 그려진 유리 제기 등에 볼 만한 것이 있을 뿐이다.

초기 기독교 미술에서 조각은 거의 그 중요성이 인정되지 못하고, 주요한 것으로는 고작 <선한 목자>란 대리석상이 알려져 있다. 또한 공예에도 뛰어난 것은 드물고, 대개 로마 시대의 것을 계승하고 있는 실정이다. 그밖에 소아시아산이라고 생각되는 상아나 금공의 제기류가 4세기 이후 조금씩 나타났다.

로마 시대의 회화 특징과 대표 작품들

유호리아 — Wed, 4 Jan 2023 09:00:01 +0900

❤️ 로마 시대 회화는?

- 로마 시대 회화의 특징

* 로마 시대부터는 실용적인 면에서 벗어나 개개인의 취미와 미적 관심에 따라 귀족이나 시민들이 회화, 조각, 공예품을 만들게 하거나 직접 고용하여 소장하기 시작했다.

* 로마의 회화는 헬레니즘 회화의 수용을 하면서 시작되었다.

헬레니즘 회화가 어떤 것이었는지는 거의 남아있지 않다. 그러다가 기원후 79년에 일어난 베수비오산의 분화(噴火)로 돌연히 매몰된 폼페이 및 헤르쿨라네움에 남아 있는 벽화를 통하여 헬레니즘 시대 및 로마 시대의 회화를 알아낼 수가 있었다.

건축이나 조각처럼 회화 분야에서도 같이 기원전 1세기 이후 많은 그리스 화가가 부유한 로마인을 위하여 고용되었고 로마인들의 저택이나 별장을 조각, 벽화 등등으로 꾸몄다. 프레스코 및 모자이크에 의한 그들의 화풍은 헬레니즘 시대의 정신을 반영하고, 감각적이며 신비적이고 산문적인 주제가 사실적 기법으로 그려져 있다.

- 로마 시대의 미술의 특징은 헬레니즘 미술의 개인주의가 나타났고 특정 계급의 귀족성은 로마 사회 안에서 발현되어서 더욱 발전하는데 영향을 주었다. 귀족들의 개인주택을 많은 미술작품으로 채워 넣는 미술관화 성향을 나타내었고 미술에 대한 개개인의 취향이 다양화되게 되었다. 이것은 더욱더 로마시대의 회화 발전에 도움을 준 것으로 보인다. 그리고 귀족들의 주택 안을 모자이크 기법 같은 다양한 방식으로 벽화로 장식되고 헬레니즘 회화나 조각을 작가들이 따라 하여 만들어 놓는 유행이 있었다.

- 도시 생활자들 간에 있어서의 ‘유행’이 큰 역할을 하면서 회화나 조각, 공예에 큰 영향을 주어 로마 경제가 윤택하게 되고 더욱더 발전하게 하는데 커다란 역할을 수행했던 것으로 보인다. 로마 시대의 회화는 건축 내부공간에 종속되어 있는 한 부분으로 보았기 때문에 전통적인 신화화도 신화적인 풍경화로 변천되는 등 회화 공간은 스케노그라피아에서 비롯된 ‘고대 원근법’과 ‘콤펜디아리아’로 당시 호칭되었던 묘사법으로 표현되어 분위기나 환경과의 일치를 도모하게 되었다.

❤️ 로마 시대 회화에 나오는 기법

- 프레스코 벽화: 회반죽이 마르기 전에 채색하고 마르면서 색이 고착되는 프레스코 기법이 벽화에 사용되었다. 아울러 완전히 마른 회벽에 석회수와 물감을 풀어서 그림을 그리는 세코 기법도 사용되었다.

- 그림 스케치에 돌이나 유리, 색대리석, 타일 같은 것을 모르타르나 시멘트로 고정시키는 모자이크 기법도 많이 사용되었다.

- 고대 원근법 스케노그라피아: 소실점을 활용해서 깊이가 있는 것처럼 사람들의 눈을 속이는 스케노그라피아는 고대 원근법이다.

로마 시대 회화는 아니지만 잘 활용한 대표적인 예시 그림으로 건축가 브라만테가 밀라노의 산 사티로 성당 내부의 계단의 병이 가로로 막혀있는데도 신도들의 좌석에서 볼 때는 마치 빈 공간이 있는 것처럼 보이도록 제단 뒤의 벽을 그렸다.

- 콤펜디아리아: 생략하면서 빠른 필치로 그려내는 기법으로 리비아 빌라의 벽화와 같이 이탈리아 고대 미술의 걸작으로 불리는데 여러 나무와 꽃, 새가 어우러진 사실적인 정원이 나온다.

❤️ 로마 시대 회화의 대표적인 작품

-알렉산드로스 대왕의 궁정 화가 필록세노스 <이수스의 전쟁>을 모자이크 화한 작품

이수스의 전쟁

이 작품은 고전 말기의 양식을 전하는 귀중한 작품이다. 폼페이에서 나온 벽화로 기원전 89년, 현재는 나폴리에 있는 국립 미술관에 있다.

페르시아 대군을 물리친 마케도니아 알렉산드리아의 이수스 전투 중 한 장면을 다루었다. 헬레니즘 경향의 그림을 폼페이의 거실 바닥에 복제한 정밀한 모자이크 작품으로 크기가 엄청 크다.

- <디오니소스의 밀의>

프레스코로 유명한 이 작품은 헬레니즘 시대의 양식에, 이탈리아적인 취미를 가미한 새로운 양식이었다. 디오니소스의 밀의는 당시 이탈리아에서 믿었던 밀교(密敎)인데, 화려하고 붉은색의 배경에 신앙생활의 신비적인 경향이 묻어나 있다.

- <텔레포스의 유아>

이 작품에는 아르카디아를 상징한 거대한 여신의 발 밑에서 텔레포스가 무심하게 사슴의 젖을 마시는 자태와 그의 아버지 헤라클레스의 강인한 자태가, 인간적 감정을 녹여내는 과정을 통해 회화적으로 구성하고 있다.

- <리비아 빌라의 벽화>

리비아 빌라의 벽화

마치 정원에 있는 것 같은 기분을 느끼게 하는 벽화로 이 정원 그림에 등장하는 새는 69 종이 넘고 또 수많은 꽃들이 피어 있고 여러 종류의 열매가 열려 있는 그림이다. 아우구스투스와 관련이 있는 벽화라는 설이 있는데 아직도 연구 중이다. 현재 리비아의 빌라 식당에 있었던 벽화를 모두 뜯어 마시모 궁으로 옮겨 복원시켜 놓은 상태이다.

모든 길은 로마로 통하는 로마의 그리스 유산 재창조

유호리아 — Mon, 28 Nov 2022 00:33:43 +0900

❤️ 로마 시대 미술의 특징

- 로마 시대 미술의 특징

로마 미술은 북쪽의 에트루리아(에트루리아 지방은 에트루리아 혹은 투스키아(Tuscia)라고 불렀다. 이것이 나중에 토스카나라는 이름으로 현대까지 남았다.) 미술과 반도 남부의 그리스 식민도시 미술의 영향을 받아서 싹이 트고 발전한 것이다.

로마는 능률적이고 조직력이 있으며 실제적인 철학을 가지고 있었다 이는 현실적·행동적인 에트루리아의 영향을 받았다

BC 2세기 후반에 그리스를 정복한 로마는 엄청난 수의 그리스 조각이 로마로 가져왔다.

많은 그리스 출신의 예술가들이 로마에서 옛날의 그리스 명작을 따라서 작업을 했다.

로마의 리얼리즘 미술은 신전을 건축하고 조각이나 회화 등을 표현하는데 그리스의 형식을 빌려와 만들면서도 현실적이고 능률적인 것을 중요시하는에트루리아적이다.

처음에는 에트루리아의 영향에서 출발했지만 공화정 말기 이후 헬레니즘 세계와의 접촉을 통해 얻은 그리스의 영향은 로마 세계를 풍미하고 소위 '그레코로만(GrecoRomna) 시대'를 가져오게 했다.

다수의 그리스 예술가가 로마에 초빙되어 그리스 명작을 모방한 로마는 그 전 BC 2세기 후반에 그리스를 정복한 이래, 매우 많은 수의 그리스 조각이 로마로 운반되었고 청동의 원작은 대리석에 되새겼고, 그것들은 로마인의 취미나 헬레니즘 시대의 자연주의적인 경향으로 약간 변경되어 갔다. 그림은 이러한 경향은 비슷해서 유명한 폼페이의 벽화에도 헬레니즘 그림을 따라하고 비속화가 눈에 띄었다.

로마 시대에 초상 조각이 개성적인 표현하는 것이 발달하고, 판테온 같이 거대하고 실용적인 공공 건축이 계속 만들어진 것 역시 헬레니즘 시대 정신과 에트루리아적 정신과의 융합의 결과이다.

로마 미술은 헬레니즘 시대 정신과 에트루리아적 정신 이 두 요소를 기반으로 하여 발전한 것이라 볼 수 있다.

- 로마 시대의 역사적 흐름

기원전 8세기에 테베레 강변, 파라티노의 언덕을 중심으로 일곱 개의 언덕에 살며, 소규모 로마는 시작되었다. 오랜 에트루리아 문명을 멸망시키고 기원전 4세기 무렵에는 공화정치 형태를 확립하고 거대한 제국의 중심지로 급속히 성장시키며 기원전 3세기에는 이탈리아 반도 전역을 지배했다.

대제국을 완성했던 로마 제국은 영국에서부터 이집트, 스페인, 남부 러시아에 이르는 영역을 형성했다.

이 거대한 제국은 200년이 훨씬 넘기며 강한 지배력을 떨치며 평화로운 시대를 이어갔지만 기원후 330년 콘스탄티누스 황제가 현재의 이스탄불인 콘스탄티노플로 수도를 옮기면서 영광스러운 로마는 저물어갔다.

❤️ 로마 시대 미술의 의의

79년에 일어난 베수비오산의 분화(噴火)로 돌연히 매몰된 폼페이 및 헤르쿨라네움에 남아 있는 벽화를 보면 헬레니즘 회화의 수용하며 로마의 회화는 시작된 것을 짐작할 수 있다.

많은 그리스 화가가 부유한 로마인을 위해 건축이나 조각처럼 저택이나 별장을 그림으로 꾸몄다. 헬레니즘 시대의 정신을 반영한 프레스코 및 모자이크에 의한 그들의 화풍은 감각적이며 신비적이고 산문적인 주제가 사실적 기법으로 그려져 있다.

헬레니즘 회화과 연결된 로마 시대의 회화는 건축에도 좋은 발전을 가져오게 했다.

제1양식 - 원근법을 쓰고 있기 때문에 벽면이 부각(浮刻)된 것 같은 표현으로 벽면이 대리석으로서 중앙부와 소벽(小壁), 벽의 아래 부분에 둘러댄 판자의 세 가지로 되어 있는 듯이 보이는 방법이다. 이 양식은 이미 헬레니즘 시대의 알렉산드리아에서 시작하였고, 기원전 80년경가지 쓰이고 있었다.

제2양식 - 공화제 시대 로마에서 많이 쓰인 양식으로 제1양식의 복잡화, 이오니아식이나 코린트식의 기둥의 사용, 쑥 들어가는 느낌을 주고, 다른 방이 계속 잇달아 있는 듯한 환각을 일으키도록 그려져 있다.

제3양식 - 제정 초기 양식, 아우구스투스 황제 시기에 널리 사용된 양식인데 복잡한 원근법과 화려한 세부 장식의 사용을 하였고 좌우의 기둥 사이에서는 중정(中庭)이 보이고, 멀리 아름다운 건물을 그리는 양식으로 이집트의 모티프를 많이 그렸다.

제4양식 - 63년의 지진 이후의 건축 양식으로 장식이 화려하고 환상적인 표현을 지닌다.

❤️ 로마 시대 미술의 대표적인 작품

- 로마의 판테온 :

판테온

아치를 이용한 로마 건축의 가장 중요한 특징이 잘 나타난 건물이다.

또한 다리나 수로 기둥 사이클 연결하기도 했으며 이치를 사용해서 한가운데가 고급은 천장인 궁동 만들 수 있도록 한 토목공학의 위대한 업적 중의 하나인 쐐기 모양의 돌로 하나하나 쌓아 올리는 공법을 사용한 건물이며 가장 경이롭고 아름다운 건물이 바로 판테온이다.

로마 건축사상 불후의 명작이라고 하는 판테온은 고대 로마 최대의 원개 건축이다. 현재 남아 있은 이 신전은 기원 120년경까지 하드리아누스제(帝)에 의하여 세워졌고 로마 시대의 신전이었고 지금도 예배를 위한 사원으로 쓰이고 있다. 이 신전은 초기 기독교 시기에 개조되었는데 궁동 꼭대기에 안에서 하늘을 볼 수 있는 거대한 구멍이 나 있어서 창문이 하나도 없지만 위로부터 풍부하고 고른 빛이 들어오는 신비한 공간이라 관광객들이 끊이지 않는다.

- 로마의 건축

콜로세움·판테온·수도(水道)·목욕장 등은 로마 시대를 대표하는 거대한 건축으로 가장 대표적인 폴로 로마노 가까이에 있는 콜로세움을 들 수 있다.

많은 관광객들이 찾고 있는 이 건물은 기원72년에 로마 황제 베스파시아누스가 짓기 시작했고 그 아들 티투스 제(帝)가(帝)가 80년에 완성한 타원형 모양의 넓고 큰 투기장(大鬪技場)으로서 높이가 48.5m이고 외관 4층의 대건축이다.

외관이 아름다운 그리스 건축과 다르게 실용성을 중시한 로마인은 내부의 거주성(居住性)에 중점을 두고 로마 건축은 내부 공간의 충실을 기하고 있다.

로마 건축은 실용성을 생각하고 주제를 다양화하여 만들었다.

콜로세움

가장 대표적인 유적(遺跡)으로서는, 콘스탄티누스 황제의 바실리카, 카라칼라 황제의 욕장, 하드리아누스 황제의 별장, 콘스탄티누스 황제의 개선문, 트라야누스 황제의 기념탑, 가르드의 다리 등이 알려져 있다.

알렉산드로스 대왕의 동방 원정으로부터 생겨난 헬레니즘 미술

유호리아 — Thu, 24 Nov 2022 23:59:58 +0900

❤️ 헬레니즘 시대의 미술의 특징

- 헬레니즘 미술의 특징

라오콘 군상, 밀로의 비너스, 사모트라케의 니케를 포함하여 그리스 조각의 가장 잘 알려진 작품의 대부분이 차지하는 기원전 323년 알렉산드로스 대왕의 죽음에서부터 기원전 3030년경까지의 미술을 헬레니즘 미술이라고 부른다.

제국의 풍요한 수도인 이집트의 알렉산드리아, 시리아의 안티오크, 소아시아의 페르가몬 등에서 나타난 헬레니즘의 건축물은 코린트 양식과 함께 건물이 더욱 높아졌고 웅장해졌다. 그리스 미술의 양식과 창의성은 오리엔트 왕국들의 규모 및 전통과 융합되었다. 이오니아식의 소용돌이 장식에다 잎사귀 모양을 덧붙인 모양의 주두를 가진 건축물은 전보다 화려하고 장대해져 갔다..

이 시기의 조각상들은 사실주의를 표방하여 더욱 사실적인 표현을 하면서 순간의 강력하고 드라마틱한 효과를 불러일으켰다. 그리스 미술은 대부분 동서양 문화가 만나면서 헬레니즘 시대에 변화를 겪게 되는데 조각의 형상은 격렬한 몸짓과 나부끼는 옷 주름으로 잘 표현하였고, 거칠고 격정적인 모습으로 묘사하여 초기 그리스 조각의 조화미와 세련미 대신하게 되었다.

- 헬레니즘 시대의 미술에서 본 역사적 사건

그리스 도시국가를 중심으로 전개된 그리스 미술은 그리스의 정서를 담은 미술이었다. 하지만 알렉산더 대왕의 대제국 건설을 한 것은 그리스 미술에서 획기적인 사건이라고 할 수 있다.

그러나 갑작스러운 열병으로 일어난 알렉산더 대왕의 죽음(기원전 323)에서부터 악티움 전쟁(기원전 31)까지 약 300년간에 걸친 그리스 회화의 역사적 사건이라 볼 수 있다.

그리스 미술이 그리스를 넘어 세계의 절반에 해당하는 광범위한 지역으로 퍼져 나갔고 이 시기의 헬레니즘 미술에서는 기존의 도리아, 이오니아 양식의 우아함에서 벗어나 장식적이고 화려한 코린트 양식이 유행했다.

그리스 고전주의 전통은 동방 오리엔트 국가들과 전통과 문화가 섞여 많은 변화를 가져왔다

❤️ 헬레니즘 시대 미술의 대표적인 작품

멜로스의 비너스

- 멜로스의 비너스 :

기원전 200년경에 만들어졌을 것이라 보이는 이 멜로스의 비너스상은 대리석으로 만들어졌고 높이는 202cm이고 현재 프랑스의 파리에 있는 루브르 박물관에 소장되어 있다.

비슷한 시기에 만들어진 비너스 상들 가운데 가장 유명한 멜로스 섬에서 발견되어 <멜로스의 비너스>라고> 불리는 이 작품은 클래식 시기가 훨씬 지난 시기에 만들어진 것인데도 프락시텔렉스가 이루어놓은 업적과 수법을 사용하고 있다. 이 작품은 옆에서 보도록 만들었는데 조각가가 아름다운 육체를 모델로 하면서 명쾌하면서 단순하게 그러나 거칠거나 모호한 구석 하나 없이 주요 부분을 구분해서 보여주는 것에 경탄하지 않을 수 없다.

이 시기 전의 아르카익과 클래식기 그리스 조각에 나타난 여성 입상은 대체로 옷을 입고 있거나 많은 장식을 하고 있으며, 그중 다수는 색칠을 한 것으로 추정된다. 그러나 헬레니즘 시대가 되면서 조각을 통해 감정의 흐름과 사람들의 정서에 푹 젖어가는 방향이 유행하면서 가장 대표적인 여신이 아름다움의 신 비너스 같은 신화 속 여신이 누드 조각으로 재현되게 되었다. <밀로의 비너스>는 이 시대의 초기에 해당하고, <키레네의 아프로디테>는 고전주의적 경향이 큰 기원전 100년경의 원작에 의한 로마 시대의 모작으로 생각된다.

라오콘과 그의 아들들

-엄청난 역동성과 비장미를 표현한 '라오콘과 그의 아들들'

1596년에 발견된 라오콘과 그의 아들들은 트로이의 사제인 라오콘과 그의 아들들이 죽임을 당하는 장면을 묘사하였고 이 조각을 통해 헬레니즘 시대의 조각은 조화와 균형보다는 극적이면서도 인상적인 효과를 더 중시하였다는 것을 알 수 있다.

그리스 군의 목마(木馬)를 성 안에 들이는 것을 반대해 신들의 노여움을 샀기에 바다의 신 포세이돈이 보낸 두 마리의 큰 뱀에게 두 아들과 함께 살해당했다. 2.4m의 거대한 조각은 큰 뱀에게 칭칭 감겨 막 질식해 죽어가는 라오콘과 불행한 두 아들의 고통과 분노를 표현하고 있다.

생각만 해도 섬뜩한 이 가족이 큰 뱀에게 죽는 장면을 생생하게 묘사한 이 조각상은 그리스에게 해의 끝에 있는 로도스섬의 조각가 아게산드로스, 아테노도로스, 폴리클리투스 등 3명이 만들었다고 전해진다.

-풍경을 지배하는 건축

헬레니즘 시대의 건축은 페르가몬의 아크로폴리스의 유구에서 볼 수 있듯이 풍경과의 조화를 꾀하는 것이 아니라, 풍경을 지배하고 그 잠대함을 과시하는 것이 주된 경향이었다. 중요한 건물의 대부분은 마탈로스 Attalos 왕가가 번영했던 기원전 250-150년 사이에 세워졌는데, 성기 헬레니즘 조형(形)의 힘에 의한 공간의 지배에 대한 의지를 읽을 수가 있다.

원래 불규칙한 언덕으로 되어 있던 지형이 많은 노력을 들여 여러 단의 테라스로 변화되고, 가능한 한 질서를 추구해 신진, 제단, 극장, 회랑, 도서관, 왕궁 등의 모뉴멘털한 구조물을 세웠다. 같은 식으로 질서에 의한 광대한 공간의 지배는 로도스 섬에 있는 린도스의 여신 아테나의 성역, 코스 섬에 있는 아스클레오피오스 성역 등의 건축 군에서도 명백히 볼 수가 있다. 대도시에 사는 유복한 시민의 주거도 점차로 호사스럽게 되어 모자이크로 장식되고, 주랑에 둘러싸인 안뜰이나 더 나아가 정원도 갖게 되었다.

유럽 미술의 뿌리가 된 고대 그리스 미술 세계

유호리아 — Wed, 23 Nov 2022 23:57:55 +0900

❤️ 고대 그리스 시대 미술의 특징

- 그리스 시대 미술의 특징

서양 미술사를 이해하기 위하여 그리스 미술을 이해하는 공부는 필수적이며 매우 중요한 부분이다.

시대 구분은 다음과 같다.

기하학 미술(Geometric) B.C 1000말~ BC 700 : 삼각형이나 지그재그와 같은 도형의 단순 반복적인 패턴

아르카익 미술 (Archaic) B.C. 700 ~ B.C. 480 : 인체의 이상적인 아름다움을 묘사

클래식 미술 (Classical) B.C. 5C ~ B.C. 4C : 황금기로 사실적이고 감정 표현이 나타나는 인체 표현이 됨.

헬레니즘 미술 (Hellenistic) B.C. 323 ~ B.C. 146 :호화롭고 자유분방한 특징으로 밀로의 비너스, 사모트라케의 니케 등장

말하자면 그리스 미술은 BC 10세기부터 BC 1세기 말까지의 약 9세기에 걸쳐 그리스와 남부 이탈리아·에게해 주변 지방 등지에서 번영하여 오리엔트 세계로 전파된 미술로 로마에 정복되기 전의 시기이다.

이집트, 메소포타미아 등 주변 지역에서 발달했던 문명의 영향을 받은 초기가 있었지만 그리스의 독자적 양식과 정신을 내포하며 눈부신 발전 했다.당시 그리스는 폴리스라 불리는 도시국가가 기반이었기에 언어·종교·문화를 공유하였지만 초기 건축 및 조각은 는 여러 개의 도시국가들로 이루어져 있었다.

폴리스들은 개별적인 특성을 지니고 미술에서 차이를 보이며 서로에게 긍정적인 에너지를 전해 주었다. 일정한 시기의 축제나 종교 의례, 올림픽과 같은 스포츠 경기 등을 통해 활발히 교류했다.

현세적(現世的)이고 합리적이며 인간 중심적인 그리스 미술은 종교와 관련이 높다고 볼 수 있다. 문화예술, 철학이나 과학에서도 많은 업적을 이룩했던 고대 그리스의 특징들을 그리스 미술에서 시각적으로 반영하고 있다.

대부분 잘 알고 있는 그리스 신화에서 자주 다루어진 주제는 신과 영웅, 그리고 인간의 이상적인 아름다움이었으며, 조화·통일·균형의 미가 전반적인 특징이라 볼 수 있다. 특히 인물 조각상을 보면 인체의 동세 표현이 사실적이면서도 동적이고 이상화된 인체의 아름다움을 잘 나타낸다.

- 고대 그리스 시대의 역사적 흐름

미케네 인들이 멸망 후 그리스 문명은 출발했으나 그다지 영광스럽지 는 못했다.

기원전 1000년 무렵에 여러 가지 그리스어 방언을 쓰는 사람들이 에게해 주변에 살고 있었다. 주된 민족은 주로 그리스 본토 출신인 도리아인과 주변의 많은 섬들의 이오니아인이었다..

그들은 넓게 흩어져 소규모 공동체를 이루고 살았는데, 이들 공동체가 모여 도시국가인 폴리스로 발전했다. 최초는 가난하고 미개했으나, 점차 강성해진 폴리스들은 이웃 국가들과 폭넓은 교역을 시작했으며 이집트와 근동의 민족 및 문화에 접촉하면서 풍부하고 완성된 예술형식을 갖추고 뛰어난 이들의 문명에 깊은 감명을 받아 영향을 받아 그리스 미술의 기초를 이루게 되었다.

❤️ 고대 그리스 시대 미술의 대표적인 작품

- 조각 작품:

원시시대의 그리스 조각은 처음에는 미개했기에 제물 숭배의 시대를 거쳐서 점차로 조각 본래부터의 모양을 갖추어진 것으로 보인다. 옛 문헌에 따르면 그리스 초기시대에는 크소아논이라 불린 최초의 조각상은 나무를 잘라서 조각을 하여 신상으로서 신전이나 성지에 보존되어 있었다고 전해진다. 그 양식은 극히 경직된 모양을 지닌 기하학적 형태를 취하고 있었으나, 곧이어 나무로 만든 신상들이 석상으로 바뀌면서 이어서 대형 조각으로 발전해 갔다.

조각은 초기에는 거의 종교적 목적인 신전을 위하여 제작되었을 것이다. 이런 작품으로는 신전 본당에 놓기 위해 만들었던 신상, 성지에 세워져 있던 신들이나 영웅상(英雄像), 봉납상(奉納像), 신전 건축의 장식 조각, 묘지에 놓여 있던 사자(死者)의 상, 묘비 부조 등을 들 수 있다.

고대 그리스 조각은 아르카익기를 거쳐서 페르시아 전쟁의 승리로 지중해 세계의 패권을 장악한 아테네에서는 5세기 후반부터 인체의 이상미를 추구하는 클래식기에 돌입하였다. 이때가 가장 전성기라 부를 수 있는 시기로 인상적인 조각들이 많다. 이후 알렉산드로스 대왕의 동방 원정으로 그리스 문화와 오리엔트 문화가 융합된 헬레니즘적 특성은 로마에까지 계승되었다.

-빈사의 전사

기원전 490년경에 발달한 인물 조각으로, 아이기나 신전 동쪽에 표현된 일군의 설화적 조각의 일부이다. 이 조각상에서는 골격의 구조와 움직임의 상관관계를 잘 표현함으로써 움직이는 인간의 형태가 자유자재로 표현되어 있다. 다만 눈과 입 그리고 턱수염만은 전통적인 규칙을 따르고 있다. 아르카익 시기 말기의 그리스 미술이 이집트나 수메르에 기반을 둔 커다란 전통과의 관계를 벗어나려는 노력, 즉 권력과 영원으로부터 율동과 자연스러움의 표현으로 전환하기 위한 노력을 보여주고 있다.

빈사의 전사

-청동의 포세이돈

460년 전후의 작품인 청동의 포세이돈 상은 클래식기 남성 조각상이다.

이 신상은 보이지 않는 적에게 벼락(혹은 삼지창)을 내려치는 순간을 활기차고 역동적으로 표현했다. 무기로 신적 권위를 잘 표현한 청동상의 자유롭고 개방적인 포즈는 기원전 5세기의 위대한 조각가들이 대리석 작업보다 청동 작업을 왜 더 선호했는지를 설명해주기도 한다.

앞으로 내디딘 포세이돈의 왼쪽 다리와 오른쪽 다리의 균형을 유지와 몸통에서 머리로 중량감을 잘 유지하고 있는 운동감 등이 너무 멋지게 표현되었다. 콘트라포스토의 발전으로 이제 조각가는 아무리 격렬한 움직임이라도 자유로이 표현할 수 있는 해답을 얻은 것이다.

청동의 포세이돈

문명의 시작인 메소포타미아 미술에 대하여

유호리아 — Tue, 22 Nov 2022 23:56:16 +0900

❤️ 메소포타미아 문명 속에 나타난 미술 역사

- 메소포타미아 시대에 나타난 미술 작품들의 특징

서남아시아의 메소포타미아 지방에서 생겨났던 옛 나라들의 미술을 메소포타미아 미술이라 부른다.

메소포타미아라는 말은 티그리스강과 유프라테스강에 끼어 있는 비옥한 충적 층대(沖積層)를 그리스어로 '강의 사이'라는 의미로 사용되었다.

인류 문화 3대 발생지로 이집트의 나일강 유역, 인도의 인더스강 유역, 티그리스강과 유프라테스강의 메소포타미아 문명으로 불리고 있다. 그중 메소포타미아는 기원전 5000년에는 원시농경생활이 강의 상류 지역에서 영위되고 있었다.

메소포타미아의 미술 특징은 조각 작품이 적고 공예 감각과 기술이 뛰어났으며 그림을 프레스코 벽화로 표현되었다는 것이다.

plaque with an image of ritual 의식 숭배의 이미지가 있는 명판

- 메소포타미아 시대의 역사적 흐름 속에서 미술

세계에서 가장 오래된 문명이 태어난 지역으로 비옥한 토양 덕분에 농경이 발달하였고, 북메소포타미아에는 B.C. 6000년경부터 원시 농촌이 형성됐다. 그 농촌은 소집락을 형성하며 벽돌로 만들어서 집을 짓고, 보리를 경작하고 가축을 사육하였으며, 직선적인 기하학 무늬의 채문토기를 창조했다.

사마라 기(B.C. 5100경~B.C. 4500경), 할라프 기(B.C. 4500경~B.C. 4200경)에는 그릇 모양이 다양화되어 독특한 광택을 가진 화려한 채문토기가 제작됐다. 이 무렵부터 남메소포타미아에도 원시 농촌이 만들어지면서 에리두 기에 접어들면서 신전이 만들어지고 우바이드 기(B.C. 4000경~B.C. 3500경)에는 관개농경(灌漑農耕)이 행해졌다. 우루크 기(B.C. 3500경~B.C. 3200경)에 원시 농촌은 읍으로 확장 발달되고 토기의 제작에는 녹로가 사용되었으며, 대량생산이 가능해져 용도에 따라 기형에도 변화가 생겨(주구(注口) 토기,(주구(注口)토기 쌍구토기쌍구 토기, 대부토기[台付土器] 등) 문양이 없어지고 실용적으로 되었고 그림 문자도 발명되었다.

❤️ 메소포타미아 시대 미술의 의의

메소포타미아 문명의 기초를 세운 최초의 사람들은 수메르인이었다. 그들은 기원전 3500년경부터 티그리스 강과 유프라테스 강이 합류하는 지역에 수많은 도시를 건설하고 인류 최초로 문자를 사용했으며 공통의 종교, 수학, 법률 그리고 건축법을 발달시켰다.

수메르인들은 왕이 죽으면 저승에서도 사람들을 거느릴 수 있도록 모든 가족과 노예들은 물론 왕궁에서 사용했던 물건들을 함께 묻었기 때문에 부장품을 통해서 그들의 찬란했던 문명을 추측해 볼 수 있다.

❤️ 메소포타미아 시대 조각의 대표적인 작품

-각 나라 별의 조각 유품의 특징:

1. 수메르인의 조소 유품(遺品)은 적다. 남메소포타미아에는 석재가 나오지 않기 때문이다. 석조(石彫)는 제작되지 않고 경제적인 이유 때문에 그들의 조형 의욕이 충분히 발휘되지 못하고 그 기술 습득과 연마할 기회의 혜택을 받지 못하였다. 카파제·텔·아스말·아슈르 등지에서 발굴된 조상(彫像)은 양손을 명치 부분에다 댄 직립상(直立像)으로 상감(象嵌)을 한 이상하게 큰 눈, 곱슬곱슬하고 긴 구레나룻을 단 것이 특색이다. 청동제의 우수한 작품 <<마니스 투수왕 입상(立像)>, <구데아 좌상(坐像)> 등 조소에 대한 관조와 조형 기법의 각 단계마다 진보한 작품을 계속 만들었다.

2. B.C. 2000년경 왕위에 오른 함무라비가 만든 함무라비 법전의 정상부의 태양신 샤마슈와, 함무라비의 부조상으로 수사에서 출토된 함무라비 왕의 머리 부분 등은 구데아 모자를 쓴 채 표현되어 인간의 모습을 정확하게 포착한 왕의 조형은 뛰어난 것이다. 특히 함무라비왕 두부라고 전해지는 작품은 위엄과 풍격이 넘쳐 셈족풍(風)의 구레나룻과 표정에 노쇠한 그늘을 보여 날카로운 개성 묘사가 매력 있다.

3. 앗시리아 미술은 부조로 실내의 요벽(腰壁)을 장식했고 바빌론에서는 대로의 양측과 문·성벽을 이용하여 로제트 무늬의 띠와 사자·황소, 마르두크 신의 성수(聖獸)인 드래건(恐龍) 등을 부조로 표현하고 있다. 황색 신체에 적색의 갈기, 백색의 육신에 황색의 갈기라는 식으로 배색한 사자와 드래건과 짙은 벽청색(碧靑色)의 벽면에 제법 사실적(寫實的)인 조형 감각으로 걸어가는 동물을 표현하고 있다.

4. 앗시리아 미술에서 최고는 조소이라고 할 수 있다. 님루드에서 출토된 석회암으로 만든 <아슈르 나시르 팔 2세 상>은 드문 앗시리아 환조의 상으로는 완벽한 유품인데 미숙한 표현이 있지만 앗시리아인으로서 왕자라면 가져야 할 이상적인 모습이 잘 표현되어 있고, 당시 왕자의 의장 풍속이 세밀하게 표현되어 있고 또 명문(銘文)을 흉부에 새겼기 때문에 역사적인 자료의 가치도 많은 작품이다. 이러한 환조의 상과 더불어 부조한 유품은 우수한 기술로 세련된 조형 감각과 관조가 투철한 사실적(寫實的) 능력을 가지고 뛰어난 작품을 많이 만들어냈다.

하나만 놓인 환조 상은 적지만 건축 내부의 요벽(腰壁)에 부조한 장식을 가득 메운 것이라든지 외문(外門)이나 내정 입구에 놓인 유익인면사자상(有翼人面獅子像)의 수호신 등 뛰어난 유품이 많다.

아나톨리아 고원이나 시리아 뿐 아니라 앗시리아에서도 입구에 사자상을 배치하는 전통은 오래되었다.다. 건물 문 입구의 수호신의 표현 형식은 히타이트에서 시리아를 통해 영향을 받은 것이라 짐작된다.

히타이트 미술을 훨씬 능가하여 현저한 간격을 보여 주고 있는 앗시리아 유익인면수신(有翼人面獸身)의 수호신상은 조형 감각과 표현 형식의 고도한 예술성을 보여 주고 있다.

자세히 살펴보면 장식풍인 말린 머리카락과 구레나룻 와 인면(人面)에 깊이 팬 눈과 코, 그리고 왕관과 날개가 날카롭고 명쾌하게 파내어서 의장화(意匠化)한(意匠化) 조형과 어울린다는 평을 받고 있다.

이 유익인면사자상은 두르 샤르루킨 궁정 입구에서도 발견됐으나 이것은 더욱 발전하여 조형 표현의 기교와 관조가 진전, 세부까지의 의장화나 추상성이 높아져서 좋은 평가를 받는 작품임은 분명한 사실이다.

Ishtar gate from Babylon

피라미드, 파라오의 이집트에서 나타난 미술 작품들

유호리아 — Mon, 21 Nov 2022 00:54:28 +0900

❤️ 고대 이집트 시대의 예술 세계

- 고대 이집트 시대 미술의 전반적인 특징

이집트의 미술품이라 할 수 있는 유적이나 유물은 단순한 미술품이 아니다.

신전은 이집트 신들의 신전(神殿)은 '신의 영원한 집'이며, 회화는 현실 세계를 재현하는 수단이며, 조각은 신이나 인간의 영혼이 깃들게 하는 방법이었다. 이러한 의미에서 고대 이집트의 미술은 목적 자체가 실효적이라 할 수 있다. 이집트의 미술품은 제작자의 이름이 표시되지 않았고 일정한 규칙이 있는 이유는 바로 신을 표현한다는 까닭이다.

지리적인 요소가 이집트 미술의 특성을 결정하는 데 큰 역할을 했다.

사막과 바다로 보호되어 거의 2000년간 외국이나 타민족의 침입으로부터 안전할 수 있었고 나일강은 유리한 농업 조건을 제공하여 미술과 공예가 발달할 수 있는 안정된 생활환경을 마련해 주었기 때문이다.

사막에서는 예술 활동의 재료가 되는 광물과 좋은 석재를 잘 구할 수 있었지만 목재가 부족하여 레바논, 소말리아, 열대 아프리카 등지로 원정을 다녀야 했다. 아런 원정은 힘든 과정이었지만 결국 이집트의 문명을 풍부하게 해주는 계기가 되었다.

고대 이집트 미술은 이집트 문화의 종교적 신앙을 반영하여 지상의 삶은 내세의 영생에 비하면 잠시 지나가는 것에 불과하다는 사고에서 출발했다. 신분과 계급을 막론하고 모든 사람들이 내세에 자신들이 지니고 갈 유용한 장식물들을 수집했으며 매장과 장례에 최대의 관심을 쏟았다.

고대 이집트의 미술 활동에서 미술 제작에 종사하는 자는 모두 국왕의 보호 아래에 있었기 때문에 예술활동의 역사는 이집트 역사와 맥을 같이 하는 특징이 있다.

- 고대 이집트 시대의 시대별 미술 특징

1. 선왕조시대-기원전 2925년까지 이집트 제1왕조가 성립하기 이전 시기로 그리는 기술과 회화기법은 상(上) 이집트 암벽화에 나오는 동물화라든가 배 타는 장면, 사냥 장면과 아울러 더욱 세련된 히에라콤폴리스의 무덤벽화 등에 잘 나타나 있다. 도기는 이 시기의 특유한 산물로서 세련된 기법과 대담한 장식을 하였고 석재를 이용한 작업은 선왕조 시대 후기에 본격적으로 시작되었고 조각은 작은 동물상이나 원래 눈 화장 용구로 쓰였던 석판 팔레트의 부조장식 따위에서 출발했다.

2. 왕조시대-이집트 문화의 다양한 흐름이 모여 단일문화를 이룬 기원전 3100년경 상(上)이집트와 하(下) 이집트가 통합된 시기이다.

나르메르왕의 팔레트

기원전 2925~2575년경 초기 왕조 시대의 가장 유명한 미술품은 ‘나르메르왕의 팔레트’ 로서, 왕이 적들을 물리치는 장면을 그려 이집트의 통일을 상징하고 있다. 이 부조는 머리는 옆모습으로 그렸으나 눈은 정면을 향하고 있으며 어깨가 정면을 향한 반면 상반신은 절반 정도 옆으로 기울었고 다리는 또다시 옆모습으로 그려져 있다.

개별 장면을 선명하게 표현하고 파라오를 신성하게 표현한 점에서 오랜 기간 이집트 미술에 나타나는 인물 양식을 잘 보여주고 있다. 또한 가장 중요한 인물을 중앙에 배치하고 있고 인물의 크기로 신분의 차이를 표시했다. 기원전 2000년대 말에 아마르나 양식이 등장할 때까지 이런 표현은 계속되었다.

3. 고왕국시대-기원전 2575~2130년경 이후로 죽은 자가 거주하는 무덤과 신이 거하는 신전에 석재가 쓰이기 시작했다.

고대 이집트의 도시는 대부분 나일강의 범람권이기에 지금은 거의 남아있지 않고 다소 떨어져 있는 신전이나 무덤이 주로 보존되어 있다. 나일강의 진흙을 구워 만든 진흙 벽돌은 선왕조 시대부터 이미 일상적인 건축재료로 사용되고 있었으며 요새나 신전 경내 및 도시의 성벽, 왕의 거처나 신전 부속건물 등에도 쓰였다.

대규모 피라미드를 짓고 그 안에 군주의 시신을 보관하는 방을 두고 주변에는 여러 무덤과 신전으로 이루어진 건물군을 배치한 이집트의 묘소 건축은 대개 웅장한 규모를 자랑한다.

사카라에 있는 제3왕조의 2대왕 조세르의 계단식 피라미드는 알려진 것들 중에서 가장 오래된 파라미드이다. 이 피라미드는 위로 갈수록 작아지는 6층의 계단을 포개 올린 형태이며 내부에는 사각으로 석회석을 붙인 성벽을 둘러 그 안에 왕궁과 같은 모조 건축물을 지어놓았다.

피라미드 건축의 고전적 형태를 보여주는 가자에 있는 유명한 대건축물들 중 146.7m의 제4 왕조 쿠푸왕의 피라미드가 가장 걸작이다.

받침돌을 대어 높이 올린 대열주와 압력을 줄이기 위해 위층에 5개의 빈 방을 올린 화강암 왕실도 특징적이며 왕의 두상과 사자의 몸통으로 조각된 대형 스핑크스는 카프레의 피라미드 근처에 자리 잡고 있다. 그리고 피라미드에 사용된 벽돌은 정사각형의 면적이 5.3ha에 달하면서도 각 변의 길이는 30cm 이상의 오차가 나지 않을 정도로 정확하고 4면의 방향은 동서남북에 정확히 일치한다.

4. 중왕국시대-기원전 1928~1600년경, 예술의 부흥이 이루어진 시기로 정치가 안정된 중왕국 시대부터였다.. 이때는 고왕국시대 인물상의 위엄 있는 무표정과는 대조적으로 근심이나 비애의 감정이 잘 나타나 있는 왕들의 초상 조각이 주목을 끌었다.

인물과 문구를 배치하는 데에 여백을 능숙하게 사용하여 세련미를 한층 높아지는 시기로 파이윰 오아시스 부근의 피라미드와 신전들의 규모는 더 작아졌고, 주로 말린 벽돌과 석재포장을 사용했다. 그러나 특히 부조와 회화는 뛰어난 기량을 보였는데, 이 시기의 가장 훌륭한 부조작품은 테베의 다이르알바리에 있는 멘 투호 테프 2세의 무덤과 카크나크에 있는 세소스트리스의 작은 사원에서 볼 수 있다.

5. 신왕국시대 및 말기 왕조시대-기원전 1567~1085년으로 다시 한 차례의 정치적 격변기를 거친 뒤 신왕국시대로 들어서면서 본격적인 예술의 개화가 이루어진다.

왕실무덤들은 도굴과 훼손을 피하기 위해 산봉우리가 우뚝 솟은 테베의 궁벽한 골짜기에 모아 세워졌다. 신전, 사당, 암벽 무덤, 명문 비석 등이 나일강 계곡을 따라 이집트와 누비아 곳곳에 건립되었다.

이른바 ‘왕들의 계곡’에는 입구는 숨겼고 정면 현관에 주랑을 설치하고 명문을 새겨 웅장하게 만들기도 하고 종종 이리저리 얽혀 복잡한 미궁을 이루고 있으며 회랑 내부에는 가짜 문이 달린 사당을 만들었다. 숨기는 방법은 석회석 암벽을 깊이 파서 무덤을 만들어 아무 외부 구조물 없이 다만 무덤 입구의 암벽 표면에만 표시해 놓았다.

콤 옴보 신전

인류역사와 함께 시작된 선사 시대 미술

유호리아 — Sun, 20 Nov 2022 08:21:53 +0900

❤️ 선사 시대 미술

- 선사 시대 미술의 특징

미술의 역사는 인류의 역사 그 자체이며 땅에 묻힌 것이 출토되거나 사람들이 보존하여 물려받은 미술품을 기준으로 그 작품이 생겨난 시대적 배경과 작가, 작가의 특성 등을 중심으로 분류되고 있다. 역사적 사건과 밀접하여 미술사를 이야기를 하다 보면 역사도 같이 이야기할 수 있어 정말 흥미진진하다.

조각으로 현존하는 가장 오래된 예술품은 짐승의 뼈, 상아, 돌, 사슴의 뿔로 만든 조각들이다. 날카로운 도구로 윤곽을 새겨 넣은 얕게 새김을 한 조각이나 깊이 새긴 양각 부조와 3차원적인 환조도 있다.

B.C. 30,000년에서 25,000년으로 추정되는 ‘빌렌도르프의 비너스’ 이라는 작은 조각품은 서양 미술의 역사에서 최초의 미술작품 중 하나라 이야기하고 있다. 이때 고대 미술 작품은 보기 위한 용도가 아닌 종교적인 이유이거나 자손을 가르치기 위한 것으로 대부분 유럽과 남부 러시아를 걸쳐 광범위한 지역에서 발견되고 있으며 재료는 대부분 돌이나 짐승의 뼈를 조각한 작품이거나 동굴 벽에 그려진 벽화들이다. 알타미라와 라스코 동굴벽화 같은 벽화는 그 소재는 사람의 모습이나 들소, 야생말, 다른 야생동물 등 일상적이고 그들이 흔히 보는 모습들이다.

- 선사 시대의 역사적 사건

서양미술의 역사의 시작은 고대의 기원전 40000년까지 올라가며 호모 사피엔스의 등장 이후 인류는 발전을 거듭하면서 최초의 미술 형태를 이루는 돌 조각품을 만들게 된다.

네안데르탈인들보다 머리가 좋았던 크로마뇽인이 창의력을 발휘하면서 초월적인 존재에게 염원하고 그 힘을 바라는 마음에서 만들어지지 않았나 생각한다. 이 시기에는 제사장이 권력을 가졌다는 역사적 근거를 보면 종교의 중요성을 더 느낄 수 있다.

구석기시대는 기원전 3만 5000년 전 정도, 중석기 시대는 기원전 8000년 전, 신석기시대는 기원전 6000년 전부터 기원전 3500년 전 경으로 나타내고 있다.

❤️ 선사 시대 미술의 의의

이 시대에는 예측불허인 자연의 힘을 통제하고 사람과 짐승의 형상으로 만든 그림과 조각들이 초자연적이고 마술적인 힘을 가지고 있다고 믿었던 것 같다. 구석기 시대에 사용된 아슐리안형 주먹도끼를 보면 이미 이때부터 대칭 개념을 알고 있었던 것 같고, 피리 등의 악기도 출토가 되어서 음악도 있었던 것으로 보인다. 그 시대에 악기라니 참 신기할 따름이다.

또한 빌렌도르프의 비너스 같은 경우는 그 당시 사람들의 미인상 등 사회적 요소를 살펴볼 수 있고 알타미라와 라스코 동굴벽화는 그 지역 사람들이 무엇을 사냥하고 주변에 어떤 동물들이 있는지를 알 수 있다

❤️ 선사 시대 미술의 대표적인 작품

-빌렌도르프의 비너스

고고학자 요제프 촘바티가 발견한 11.1 cm 키의 여자 조각상으로 1908년 오스트리아 빌렌도르프 근교의 구석기시대 지층에서 나왔고 이후에 조각상 발견지점 주변 유적의 층위를 조사해 분석한 결과에 따르면 이 석상은 2만 2000년에서 2만 4000년 전에 만들어진 것으로 추정된다. 왜, 어떻게 만들어졌으며 문화적으로 어떤 의미가 있는지에 대해서 알려져 있는 것은 매우 적다.

빌렌도르프의 비너스

- 알타미라와 라스코 동굴 벽화

알타미라와 라스코 동굴 벽화는 최초의 '회화'라 할 수 있는 것이 기원전 1만5000넌 전에 그려졌다. 들소, 말, 매머드, 곰을 그린 이 그림들은 인적이 드물고 어두컴컴한 동굴 깊은 곳에 그려졌다. 고고학자들은 이 그림이 사냥의 성공을 축원하는 의미로 그려졌다고 추정한다. 그림에는 돌이나 화살에 맞은 흔적이 있는데, 아마도 당시 동굴에 살던 인간들이 화살로 그림을 쏘아 맞추었기 때문이라고 생각된다.

이 벽화는 발견 당시 지하로 통하는 동굴 입구가 봉해져 있었기 때문에 오래 기간 동안 잘 유지되어서 1만 7000년 동안 손상되지 않고 그대로 남아있을 수 있었다. 하지만 벽화들을 보기 위해 수많은 방문객들이 몰려들기 시작하면서 곰팡이 등으로 유실될 위험에 노출이 되었고 이제는 일반 관광객들의 관람을 금하고 있다.

- 최초의 건축물 스톤헨지(Stonehenge)

스톤헨지(Stonehenge)는 거대한 수직의 돌 위에 석판을 얹어 놓아 마치 거대한 탁자 같은 모양을 한 '고인돌(dolmen)'이다. 규모가 큰 것 은 약 5미터 크기, 무게 350톤 정도에 이르는데, 거대한 돌덩이 하나를 세워 놓은 선돌(menhir), 스톤헨지(Stonehenge) 같이 돌덩이들을 원형으로 배치한 환 상열석, cromlech)이 있다.

영국 최초의 석조 건축물로 영국 남부 윌트셔 주 솔즈베리(Salisbury) 평원과 에이브버리에 있는 높이 8미터, 무게 50톤에 달하는 거석 80 여개가 세워져 있다. 수수께끼의 선사시대 유적으로 많은 의문이 풀리지 않고 있다.

중세시대에는 고대 거인족이 만들었다고도 했고 마술사 멀린이 마법으로 아일랜드에서 이곳까지 가져온 것이라고 믿기도 했다. 그러나 요즘에는 스톤헨지가 별자리의 움직임을 관찰하기 위한 천체 달력이었으리라고 짐작만 한다. 또는 묘지일 것이라 가능성도 있다고 한다.

이 커다란 돌로 이루어진 기념물의 맨 바깥쪽에는 ㅠ 모양의 세 개의 돌로 이루어진 탑, 즉 삼석탑(trilithons, 직립한 두 돌 위에 돌 하나를 얹은 거석 기념물의 일종)이 마치 거대한 문과 같이 버티고 있고, 그 안쪽에는 그보다 작은 규모의 비석 같은 선돌들이 둥글게 늘어서 있다. 더 안쪽으로는 4.5미터 정도 높이의 잘 다듬어진 말편자 모양의 삼석탑이 놓여 있다. 전체적으로 볼 때 커다란 이중의 원모양으로 이루고 있으며 중앙에는 제단과 같은 돌이 놓여 있다.

만들어진 시기는 기원전 3000년~ 2000년경으로 추정하며 유네스코 문화 유산으로 등재되어있다.

스톤헨지